En esta obra parece haber una pretensión de ver y hacer ver que lo común y cotidiano tiene un componente extraño, atemporal y fantástico, mediante guiños hacia lo irreal, lo antinatural, en un marco de ilusionismo que en absoluto pretende encerrar un trasfondo morboso sino más bien un plácido sentir de un mar de cielo rojo y fuego entre nuestro diario existir. <br />El autor en modo alguno parece querer vagar por mundos de fantasía, sino que muestra la realidad tal y como es, con escrupulosa sinceridad incluso en sus aspectos más increíbles o fantásticos. <br />
Este feismo al que nos invita a entrar este pintor es una muestra de lo que la estética preconiza de la belleza pero haciendo una suerte de malabarismo con el que invertir los términos.<br /><br />Utiliza este cuerpo desnudo de mujer sin cabeza, sin rostro, para abonar esta tesis y dándole un tratamiento clasicista. Belleza de la fealdad, de la degradación, de la desmesura, y al mismo tiempo paisaje y topografía del paso del tiempo, de una existencia concebida en su carnalidad más agobiante y densa.<br /><br />Y a través de la figura vemos luces y sombras que como en la visión tenebrista resalta la dimensión más expresionista de esa realidad, provoca un tormento interior que sale afuera, que desborda su propio plano para exteriorizar su sufrimiento, su angustia, su ansiedad.<br /> <br />Es una representación que repele y atrae porque revela, al mirarla, nuestra íntima condición humana, nos induce a una reflexión que no se agota en sí misma, que siempre va más allá.
Una tupida floresta invade todo el espacio del lienzo. Esa lava incandescente nos plantea la condición de la naturaleza hasta que ella misma va dibujando un ser que trata de nacer de ella misma, trata de señalarnos que está hecha de la propia materia con la que está engendrado el cosmos.<br /><br />Al mismo tiempo el autor nos quiere dejar esta obra como una huella fosilizada del pasado, del ser que tuvo vida y ya es una sombra. Deja constancia de esa belleza a través de ese intenso grafismo que como nervios y venas pululan por un cuerpo casi evanescente.<br /><br />Con ello podría decirse que trata de ser una poesía barroca del cuerpo y el tiempo, de ese tejido que se enhebra como una sustancia fatal, que no hay poder que pueda desenmarañarla, liberarla.<br /><br />Es poesía y melodía pictórica, de la cual vemos, leemos y hasta oímos.
Cesar nos muestra en esta obra como el título ayuda a comprender lo que quiere expresar el autor. El descanso con los brazos en alto y apoyados en la cabeza. Expresión de placer y mirada perdida. Agarra fuerte con la tercera mano la cervecita y la cuarta mano el pitillo. Refuerza todo ello por el encuadre casi en círculo que obliga al observador que no se desvie del asunto principal. Buena composición y técnica. Moderniza la obra con cuadrículas, cortes y duplicidades. Sin embargo, el color rojo no ayuda a la tranquilidad y placer. Aunque es un tono de la noche quizá le hubiese ido mejor un tono de evasión. El título tiene mucha gracia.
El pintor titula a esta tela "Tres Gracias con Diamante" pero también podría ser la representación de "La Verdad, la Justicia y la Ley", esa trilogía de la época histórica de finales del siglo XIX, ya retratada por Klimt.<br /><br />Su gestualidad y estilización registra la ambiguedad de su propia simbología, la que encarna esos tres principios; luces y sombras que se traslucen a través de esos rostros máscaras sin llegar a un tremendismo falso. Esfinges que parecen establecer la prioridad de la justicia sobre la ley y la verdad. <br /><br />El argamiento de los cuellos hasta constituir lo que podríamos denominar como mujeres jirafa, constituye el volumen del cuerpo entero, lo proyecta así, en vertical, para dar sentido a esa alegoría. Y lleva a cabo lo que decía Ingres, el cuello de una mujer no tiene por que tener fin. <br /><br />Humberto es un pintor muy alegórico, que ha bebido en las fuentes de las grandes obras de finales del XIX y principos del XX, y que, en su trabajo, ha seguido un rumbo de asimilación con las grandes figuras plásticas cubanas del siglo XX.<br /> <br />Simbología, misterio, sensualidad y erotismo se dan cita en él, en sus estudios del cuerpo humano, de sus rostros, de esa figuración que abarca desde lo individual hasta lo múltiple.<br /><br />Una auténtica gozada.<br /><br />
Hay un famoso cuadro de Vincent Van Gogh, "La Iglesia de Auvers-sur-Oise, vista del presbiterio" (1890), que parece como si hubiera servido de inspiración de alguna manera para la génesis de este lienzo. <br /><br />Pero en lo que en el pintor holandés es un contraste de colores y pinceladas nerviosas que destacan la expresión de un paisaje torturado, casi imposible en su realidad, en López Ferrer cobra una dimensión flotante, onírica, que fluye en un espacio ficticio, plano en su discurrir.<br /><br />Y en ambas telas un único personaje, como si fuese un caminante que estuviese soñando en un lugar y tiempo infinitos.<br /><br />El color, en ambos casos, amalgama una densa sensación, la que trasciende de unas imágenes que nos envuelven y nos conmocionan, Van Goh por su desesperanza, López Ferrer por su mundo de fantasía.
¿Este cuadro es una alegoría sobre la libertad? Columnas que pueden ser barrotes, el rostro de la mujer es una máscara que simula su angustia y después la simbología de opciones: vivienda y balsa.<br /><br />La fuerte intensidad cromática fuerza la expresividad de la idea plasmada, cuadricula entre claridad y negrura la existencia de un personaje enclaustrado, enrejado, aunque no tenga un entorno concreto. <br /><br />Aborda una temática que está presente en la propia naturaleza de esa geografía de luz y sombras, de exaltaciones y derrotas. Y surge de repente, casi como si lo estuviésemos viendo desde una penumbra, con la modesta intención de alumbrarnos. <br /><br /><br />La luz desea exponer una escena en que el ser está desprotegido aunque se cubra con una máscara, y nos está pidiendo su liberación. La plasticidad de la imagen ahonda en esta fulgurante representación. Si nos llega ese impacto es que lo ha logrado.
En esta obra la autora parece representar una escena de género, entendida como tal, aquella que representa la vida normal de la vida de la gente, en este caso de una mujer y su hijo “masuo”. <br />El color es naturalmente uno de los aspectos más interesantes en esta pintura; a través de ellos, la artista nos hace llegar el espíritu de su obra. La utilización de colores cálidos, como los tonos rojos, son propios de cuadros en que se quiere resaltar la importancia de los sentidos. <br />La autora parece buscar una lógica mediante la colocación de los elementos en el lienzo, los cuales, han sido distribuidos como si formasen una figura geométrica triangular. <br />El fondo azul contrasta con la mujer y con el niño situados en el eje de la composición <br />El resultado es similar a una instantánea fotográfica en la que el pintor ha sabido encontrar el encuadre y la luz adecuada. <br />
El autor planifica su pintura como unas figuras o representaciones de las circunstancias del mundo. Parece querer representar una realidad distinta, en un plano diferente que sustituye al original. <br />En esta obra se pueden ver reflejadas unas imágenes que representa la realidad de un modo distinto, de un mundo de sufrimiento, como si se tratase de una maqueta o una proposición. <br />En cuanto a la forma de representación de las figuras, se puede decir que expresan o reflejar distintos aspectos, te tal forma, que se ve una estrecha relación entre: imagen, lenguaje y el pensamiento
Una línea diagonal configura el equilibrio de esta representación. Es en el eje donde se centra y se despliega la aparición de la duda.<br /><br />En los ojos se produce la confrontación de lo horizontal con lo oblicuo, fijando con ello la retina del espectador hacia ese momento de contacto de hondo calado emocional.<br /><br /><br />La esquina derecha queda en blanco, como una nube algodonosa que alienta un drama entre dos criaturas de las que se nos da sabiamente su naturaleza. <br /><br />No hay carne, sólo espíritu. En nuestra mirada queda reflejada la esencia de un sentimiento, la expresividad de una imagen que se proyecta en nuestro cerebro, que nos intranquiliza. Y nos vamos con ella porque nos ha dejado una huella.<br /><br />Fantástico lienzo en que su geometría nos depara una soberbia caligrafía del alma.
El autor parece pretender que la obra goce de una carencia de movimiento y de luz, dado que encaminar sus esfuerzos hacia la representación de ideas y de sensaciones, utilizando una técnica muy trabajada . Su obra se decanta hacia las fantasías, la intimidad y la subjetividad exaltada. <br />Como final podría añadir que en esta obra se aprecia una clara reivindicación hacia una búsqueda de la verdad, de una verdad universal <br />
A un gran pintor siempre le supone un reto tomar las obras que ya son casi una leyenda y transformarlas en un intento por dejar que la tradición continúe.<br /><br />Bañistas como éstas ya estaban en el renacimiento y después en el barroco. Pero quizás la más famosas sean las de Cezanne y Matisse sin olvidar a Picasso.<br /><br />Este pintor, a través de este obra, vuelve a recrearlas, a imprimirles su sello, a dotarlas de otra aura pero sin perder su significado histórico.<br /><br />El resultado es sobresaliente, acentúa la monumentalidad, los volúmenes, recarga la expresividad y diluye la tonalidad, hasta constituir casi un fresco. Pero no hay alegría de vivir sino tristeza, o eso percibo yo. Ya no es cántico a la vida sino la ceremonia meláncolica de un baño que las haga vivir.<br /><br />Enhorabuena.
De muy buena intención al registro gráfico-pictórico por Maria Aminta HENRICH NONONE.PERÚ.en la Obra en referencia,donde
trata y pinta y a la vez nos acerca a un entorno desconocido por muchos,el compromiso está dado,los motivos sobran,los pinceles y el Arte te esperan,desde mi estudio,un abrazo Cultural.2.10.06
A Humberto le fascinan las caras, los ojos, los torsos y los cuerpos, preferentemente de mujer. Es la protagonista de sus cuadros. Y ahí empieza su indagación sobre esos elementos, buscando su máxima expresividad, su dolor o risa, su sufrimiento, hasta hacerlos implorar nuestra mirada.<br /><br />Y esa mujer habita sus calles, se enamora en su barrio, lucha por la vida en esa Habana que transpira su ansia amor y alegría.<br /><br />Y así lo refleja él, con esa sabiduría de lo estético, con esa belleza de lo meláncolico y triste. Su pincelada es amplia y dispone esa figuración desde un interior que asoma hasta un exterior que se hace rotundo.<br /><br />Busca a esas criaturas y las encuentra. Después sólo le resta exorcizarlas.
<p>Hasta Juan Gris los cubistas nom utilizaban el color, después de él se amplía la gama cromática y revitaliza los planos hasta imponer su dominio.</p>
<p>Este cuadro de Humberto es un magnífico ejemplo de ello pero sin quedarse o limitarse únicamente a esa plasmación. La trasciende introduciendo sus propias texturas, aquellas que forman parte de su entorno, las que le han hecho crecer como artista. <br /><br />Y eso pasa por la raíz figurativa que anida en toda la pintura latinoamericana, que la conforma desde su nacimiento. Evocan su origen europeo, tamizado por el africano y erigido por lo latino. <br /><br />Fantástica resolución que nos impacta por ese tratamiento y esa sabiduría del color y de la luz. Agiganta lo que es simple. Un maravilloso perfume pictórico en definitiva. </p>
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<p>En general, Elena Rubert realiza con pulcritud los paisajes. No obstante, el óleo de AGUA adquiere mucha mayor calidad que las demás obras. La autora refleja dinamismo, dominio del color, vivacidad, pincelada fuerte y segura. Mas impresionista que las demás pinturas. El tema tiene su dificultad, cascadas cayendo por detrás de un bosque de árboles. La maestría muy particular de la autora demuestra que se pueden conjugar los tonos frios y compensar la fuerza con las pinceladas cortas, rápidas y precisas. Trasmite tranquilidad y viveza por todo lo comentado.</p>
<p>El autor Juan Diego donde emplea el color tiene expresividad suficiente para atrapar al espectador. Los colores salen emergentes de abajo lo inundan todo y crean un clima de movimiento y atracción. Los negros un poco ocres, blancos y el contraste de un color saturado hace que tenga una viveza palpable. Las texturas recuerdan a la naturaleza, hojas atrapadas por la pintura emergen y resaltan toda la composición.<br />Sin lugar a dudas Juan Diego es mucho mejor pintor con los tonos de color que con el blanco y negro.</p>
En esta obra el autor abandona el punto de vista único y fijo por una multilplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan el objeto y figura en la misma pintura. <br />Se puede visualizar una forma de representación evidentemente no de imitación, sino de concepción, es decir, el autor parece que aborda la realidad, bajo unos aspectos intelectuales (de carácter intuitivo). Se puede intuir una búsqueda, por parte del autor, de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superfície pictórica <br />
Contemporaneidad y contundencia, dos constantes en el arte cordobés actual, se evidencian en la obra de Niz. Veo concepto y compromiso, pero también materia y oficio, y un dominio de los medios y el espacio, la importancia de los blancos, la poética de las formas simples y de los recursos gráficos. Una obra para mirar y meditar.
<span style="font-weight: bold;">Sicosis colorista a la vista de una sola obra.</span><br />Una tela en blanco debe de temblar ante la pincelada de Jorge Restrepo.<br />El monocromo parece querer apoderarse del cuadro por el borbollón de un mosaico colorista que dibuja la abstracción. Esperemos nos deleite con más obras en este portal.
<p>El artista parece dejar de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por el lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. <br />El lenguaje utilizado en esta obra se ha elaborado a mi parecer, a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. <br /><br /></p>
El autor pretende con esta obra el uso de la forma y el color para la exteriorización de los sentimientos, sin buscar la belleza, ni ningún valor estético. Además se puede ver un cierto aire de pesimismo, el cual se muestra en la forma del trazo del autor, y en la exageración de algunos rasgos corporales plasmados en la figura representada. Como conclusión se puede decir que en esta pintura prima la obra sobre el contenido. <br /><br />
<p>Fernando tus obras compositivas tienes una dualidad que hace que te fijes en las pinturas varias veces. Expresas parte y todo, realismo y magia, belleza y dureza. Figuras escondidas y presentes. Buena composición, colores cálidos y fondos oscuros hace que tus obras sobresalgan con varios matices. Se nota la pasión contenida por el lienzo. Pienso que tu arte tendría que expresarse en toda su intensidad en tamaños mayores de soportes. </p>
Artista de sorpresas y fantástica imaginación llega con sus Obras a sorprendernos y dejar una incógnita para la próxima vuelta y la invitación a la reflexión unas con una ironía refinada, otras con aparente sencillez pero realmente profunda como de pintor de abismos. Es por lo que en esta Obra donde la resolución plástica dada a la mano que se aferra como si fuera única posibilidad de evitar la caída, demuestra el dominio de la técnica más académica. Se combina con el dominio de la gestualidad tan verazmente aplicada al fondo para darnos el caos como conflicto del cuadro. Pues queda como el sabe dominar, la lectura para recurrir, la necesidad de volver a sus cuadros para preguntarnos, como en esta Obra. ¿La mano se sostiene para que no caiga el cuerpo? O es que el brazo tira con rabia de la cuerda como impotencia ante el caos. Más y más podría ser la polisemia en esta obra. Lo inevitable es su disfrute.
La obra fascinante de Ladislao Kelity, un artista que sin duda dará que hablar en este portal, nos presenta a un atento observador de la naturaleza, además de un meticuloso diseñador jugando a ser Dios en sus telas, metamorfoseando y reproduciendo un zoológico universo que parece no tener fin. Deleita la sutileza en el uso del valor y las calidades de superficie que imprime a sus criaturas.¡Bravo porque no ha muerto la forma en el arte contemporáneo!
Esa densidad cromática gravita por las ondas del cerebro, le imprime el pensamiento, le sujeta la fuerza que se agolpa en su interior y que quiere salir y crecer. <br /><br />Paisajes que ahondan en el misterio de un mundo tropical que hierve, del que nacen tormentas y huracanes que desarbolan aquello que no quiere moverse.<br /><br />Nos veremos.
El Grito de Viñas, este lienzo que visualizamos, es el drama renovado, la tragedia revisada del Aullido de Munch. Es su esencia trasplantada al mundo caribeño y tropical de una isla que se debate entre el ser y no ser.<br /><br />En el primero nos emocionamos ante ese interior de sufrimiento, de horror ante uno mismo, que la figura simboliza; nos desasosegamos en esas ondas que irradia la misma y que nos están comunicando su agonía.<br /><br />En el segundo el icono quiere escupir al cielo, se desepera por salir afuera, por mostrar algunas de sus llagas -vivienda, barco, manos-, por llorar su infortunio.<br /><br />Dos concepciones distintas, la una hacia dentro, la otra hacia afuera; la una nórdica, la otra sureña.<br /><br />Vida para una ciudad que grita es un cuadro genial que sin pretenderlo y en su modestia resume un época de nuestra historia plástica.<br /><br />Enhorabuena.
<span style="font-weight: bold;">Una obra completa,</span><br />Incluso la técnica utilizada completa el sentido de un mensaje conmovedor. una cuadro para ser visto, comentado, tocado y sentido.
La lírica obra de Viñas García nos llega por los oídos; se nos va colando lentamente como una suave melodía, de graves acordes, de sutiles notas, de nobles maderas. Figuras extasiadas en una contemplación ensimismada se transmutan en instrumentos que refuerzan simbólicamente esta sensación. El diseño es primordial, articulando rítmicamente la composición; la luz: aterciopelada, la forma: de un manierismo estilizado pero de fuertes volúmenes, mujeres que se despliegan, soñolientas, como una música de cámara.
Humberto, otro artista cubano que nos sorprende con su calidad pictórica y técnica, Mi admiración es grande por la pintura nacida en la grande de las islas del Caribe, Parece como que en Cuba no haya mediocridad, las cosas son o no son, Por las circunstancias de la isla, no hay sitio para las medias tintas.<br />ST.2, entiendo sin titulo 2, yo la hubiera titulado por ejemplo "Músico Instrumento", Me sorprende por no decir me alucina como el ser se integra con la herramienta de crear y con su espacio. Un Ole a Humberto de Jesús Viñas García por una obra coherente y bella.
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