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Artistasdelatierra
Miradas, palabras y opiniones que enriquecen el arte.
2006.12.15 *El una y otra vez,la magia de la impronta con un olor manejado de la mejor intención sobre la materia.Es claro el compromiso establecido y los resultados de gran importancia.Colores y más colores,texturas y más texturas conforman un grato universo pictórico/visual.
dic.2006.Amor-Paz-Arte y Natura,más todas las intenciones puestas en cada una de las Obras,con maestría de la mejor,conciencia de la buena,colores al gusto,traza un horizonte en la memoria del descuido,que buenas Obras haces o piensas YOEL DIAZ.
Veo en la obra de Carlos Blanco la maestria del buen hacer, al saber distribuir los elementos que conforman su representacion, dentro del espacio que ha elegido para realizarlo, las figuras y objetos que en ellas aparecen, no requieren de mucho esfuerzo para su definicion, ya que sin recurrir al color fuerte y estridente logra conseguir un efecto visual en las formas que cada una de ellas tienen, las hay macizas y tambien delgadas, dandole a cada una de ellas su sello de distincion y originalidad.<br />La fuerza expresiva de esta obra, consiste en la forma en que el protagonista se encuentra meditabundo, haciendo caso omiso al titulo que Carlos le ha dado: "El Lector", pareciera que estuviera cavilando, sobre decidirse a leer ese libro que tiene prensado bajo el peso de su propio brazo, o que estuviera repasando en su memoria lo que decia el mismo, ya que se puede intuir que lo acaba de leer. Esto es lo que pocas veces se encuentra en una obra, la expresividad que hay en ella, y la incognita que transmite a traves de lo que insinua el artista, y lo que el espectador intuya cuando la observe.<br /> Muy buena obra.
Aun marcadamente figurativo y realista, de tu obra se desprende un cierto halo evocador que lo acerca sutilmente al Romanticismo. <br />Particularmente, me gusta mucho la reivindicación del mundo natural y rural que haces, muy en la línea del Miguel Delibes de su mejor época. <br />
Se dérouler dans un monde limitrophe a tout et au même temps a rien, n´est pas facile "op art" vs "abstraction lyrique". Cette ouvrage est-elle un bon exemple du deuxième. J´aime surtout la chaleureux du couleur, et l´effort intellectuel qu´on peut deviner derrière cette ouvrage
Rabioso expresionismo que parece buscar un paso más allá en El Grito de Edward Munch. La pincelada bruta a lo Auerbach le confiere un carácter aun más inquietante. las propuestas arriesgadas son siempre de aplaudir, y esta es muy arriesgada. Únicamente echo a faltar un punto de dinamismo en la composición, o quizás otra perspectiva, que lo aleje del retrato.
Diese abstrakt Kunstwerk finde ich sehr schön, aber nicht nur schön, sondern auch gut. Die Zeichnung geschlossen und geometrisch. die Farbe wie "Fauve" kunst,sogar "pop Art" kunst, und schiesslich die Werk wie ein Computer oder eine Maschine, eine prima mischung sind. Gut, und seltsam.
*08.12.2006.
El redescubrir,el rearmar,el agregar a la natura,nunca el quitarle,donde el silencio es el alma del paisaje, sea pues la intención y gesto a tu misma producción artística.es castell/aire/bucaramanga.brindis
Este pintor ecuatoriano nos introduce de lleno en la iconografía del universo concentracionario del horror y de la alucinación. Forma parte de la terrorífica huella que deja la visión de la existencia destruida, la tortura, el espanto y el dolor.<br /><br />Un magistral antecesor, Francis Bacon, expresaba su intensa inquietud y miedo con una figuración surgida desde estos mismos presupuestos pues estos iconos son reflejo de la propia soledad del creador, soledad fantasmagórica y alucinatoria, fruto de sueños rotos y atormentados. Y otro, Goya, no menos genial, nos iniciaba en esa contemplación.<br /><br />La eficacia de estas imágenes retratros reside en su simplicidad, en su paradójica falta de forma que es al mismo tiempo la descomposición de la negrura, del abismo en que se encuentran. Somos habitantes cuya vida transcurre colectivamente, nos vemos, nos escuchamos y en cambio somos incapaces de compartir y conjurar nuestro íntimo sufrimiento y nuestro pavor. Porque el infierno, pensamos, son los otros.<br /><br />Y esta mirada siempre estará presente y nos evoca un mundo en que la condición humana se empeña en exterminarse, en no darse tregua, en extinguirse, en definitiva.<br /><br />Esta obra quedará como parte de este tenebroso legado.<br /><br /><br /> <br /><br />
Esta obra persigue emocionarnos con sus grandes sensaciones visuales, en la que la acentuación del color y la luz tratan de contagiarnos alegría y conmoción.<br /><br />La misma configuración pictórica es la esencia de esta obra, es su propia comunicación, la que establece el diálogo entre sus sus manchas de color como personajes vivientes en el marco de una representación.<br /><br />Nos seduce con su calma, con su tensión controlada, pero también con su exaltación y vitalidad, es una arquitectura lumínica que ensambla emoción y pensamiento desde un escenario donde la única dramaturgia es el color.<br /><br />Es un expresionismo abstracto en que al mismo tiempo la figuración quiere estar latente, lucha por emerger, por marcar siluetas fantasmales que resisten y rechazan su desaparición en el magma de la luz, en el fuego de color que todo lo consume.<br /><br />La amenaza a este imaginario lo constituye la frontera de lo preciosista y decorativo. Esoperamos que el creador lo evite.
La obra de este pintor propone una interesante síntesis entre la figuración y el cubismo, modulando variaciones que sin llegar a una descomposición fragmentada, introduce aspectos que como la elipse, la curva, la línea serpentina, no son propios de este último.<br /><br />Ahí quizá radica la bondad de su hallazgo, en ese esquema que al mismo tiempo que intelectualiza la representación permite que nuestra mirada capte una composición muy monocroma basada en la conjugación de seres huidizos, meláncolicos, cerrados en un espacio intemporal. Hace énfasis en la fisonomía para configurar la visión que nos quiere trasladar y tratar de emocionar aunque de forma reposada, concentrada en el mismo ensimismamiento de sus personajes.<br /><br />Un trabajo de gran calado pero en ocasiones con derivaciones irregulares, con dudas sobre cual debe ser su siguiente paso a dar, si profundizar más por la proyección geométrica formal o por formular un nuevo rumbo más decantado por la figuración.<br /><br />De todas las maneras, un sobresaliente proyecto.
La obra de esta artista ilustra lo que fue una innovadora tendencia plástica a partir de principios del siglo XX, el cubismo, pero que tuvo su continuación (con distintas premisas) y simultaneidad en pintores como Klee, Miró, Kandinsky, este último en sus primeros inicios del abstracto.<br /><br />Ella asimila y trata de integrar estas propuestas estéticas en una única dirección -fuerte colorido, formas fracturadas, geometrizadas- y con una fuerte densidad, no hay espacio para el descanso y la relajación.<br /><br />El resultado, siéndonos tan familiar, no deja de impactarnos por su fulgurantes exposición y composición y por el atrayente mundo de claves, signos (ella misma, con gran acierto, los llama jeroglíficos), que penetra en nuestra retina y nos induce a disfrutarlos y desentrañarlos. En definitiva, se trata de que nuestra mirada se persuada de que detrás de nuestra visión de la realidad inmediata hay otra subyacente, que es la que la que da forma y estructura a aquélla. <br /><br />Sin embargo, esta proyección también introduce elementos de lectura fácil y cómoda, muy superficiales, que deben ser motivo de revisión y transformación, con el fin de dotar a este trabajo de una mayor consistencia.
No cabe duda que la influencia de Tapies en estas últimas décadas ha sido profunda y extendida. Ante nosotros tenemos un discípulo adscrito a esta tendencia plástica definida por un uso de lo matérico simbolizado por el discurrir del tiempo y las huellas que va dejando el mismo.<br /><br />Siempre se ha visto como una exploración metafísica donde ese discurso temporal concluye en un rito mortuorio escenificado en un ara constituido por cruces, rasgaduras, signos huellas, etc.<br /><br /><br />No cabe duda que este pintor, en su obra, nos propone este ejercicio intelectual de reflexión con una construcción y técnica muy cuidadas, con un tratamiento de la materia pictórica muy integrada en ese espacio que quiere ser cósmico.<br /><br />Pero falla la inventiva, no va más allá de los planteamientos y parámetros que estableció Tapies y sus seguidores, por lo que es de esperar que sea el inicio de una investigación más imaginativa y consustancial.<br /><br />No obstante, es de apreciar el esfuerzo por asimilar esta concepción.
lo que vemos en este trabajo es algo de espiritualidad y de sentimiento como en los trabajos de tapies el catalan hay escritura y siños y hay algo que no lo vemos pero lo sentimos latir en nuestra subconsiente y que nos dice muchas cosas y sobre todo lo referente al espiritu y a la relegion buen trabajo y buen argomento -
<strong>Quien no ve en estas asimetrías la pintura de principios del Renacimiento, especialmente a Giotto, la cual engrandecía en un primer plano a la figuras, de clara significación religiosa, y dejaba en su contorno un paisaje o un un fondo arquitectónico. La intencionalidad y el simbolismo eran evidentes.<br /><br />Pero en este caso, la pintora, conociendo esos recursos estilísticos, los traslada a otro ámbito de representación, el de una especie de rompecabezas, de dédalo amurallado del que sale la efigie de un niño, estableciendo un paralelo entre la infancia y el laberinto que conlleva el crecimiento y el conocimiento.<br /><br />Y también modela un escenario que quiere ser un juego infantil que se transforma, se matamorfosea en una realidad que se viste de luces y sombras atenuadas para señalar su propia ambivalencia y dejarnos en la duda.<br /><br />Una obra que es un vehículo para la reflexión más que para la exaltación. <br /><br /> </strong>
SOLUM <br /><br />El origen de la palabra suelo proviene de la palabra Solum, que significa base o fondo. El suelo, es una capa de roca madre meteorizada que cubre la mayor parte de la superficie terrestre. Esta capa permite que los reinos vegetal y animal, se encuentren con el mundo mineral, estableciendo una relación dinámica. <br />El Solum es un corte vertical de una cubierta pedológica (del griego: Pedon – plano o suelo) y (Logia- estudio de) observable en una calicata o en un pozo, para explorar y describir los caracteres o el conjunto de materias orgánicas e inorgánicas de la superficie terrestre. <br /><br />Una vez definido “Solum” puedo conceptuar que Davis Lisboa, nos muestra a través de su obra es una representación grafica o simbólica de las cosas materiales o inmateriales de la superficie terrestre, y donde nos conduce, con la variedad de colores que se pueden hallar en la composición por la parte externa a través de sus pendientes, sus pedregosidades y su vegetación. Nos enseña que un horizonte no es infinito, que puede desaparecer lateralmente o se puede transformar en otro horizonte, su extensión espacial es determinable. También nos introduce en la parte oculta, aquella que no podemos ver, desde el exterior, y otra vez lo hace utilizando el color para lograrlo, y es con las mezclas de los cinco elementos, Fuego- rojo. Tierra: marrones, amarillos. Metal: blanco, dorado, plateado. Agua: azul. Madera: verde. <br />Los colores pardos, rojos, grisáceos, se originan en la superficie terrestre por dos materiales que son poderosos colorantes, el Humus (negro) de la materia orgánica y, de los diferentes compuestos del Hierro. <br />Es una obra que requiere de un profundo análisis por su doble sentido, el científico y el artístico, pero que me atrevo a dar mi concepto de acuerdo a lo que intuyo en ella. Excelente trabajo el que realizas, felicitaciones. <br /><br />
A lo largo de todo el siglo XX, algunos pintores plasmaron la figura humana de la forma como se ve en este cuadro con el fin de expresar el horror, la angustia, la degradación y la desazón de la existencia (Egon Schiele, Antonin Artaud, Francis Bacon, etc.).<br /><br />Su objetivo era causar turbación, tal como lo expresó Picasso, a quien citó André Malraux en la "La cabeza de obsidiana": "Es necesario despertar a la gente, revolucionar por completo su forma de identificar las cosas. Deberían crearse imágenes inaceptables. Que las personas se enciendan. Obligarles a comprender que viven en un mundo extraño, un mundo nada tranquilizador, un mundo que no es como creen".<br /><br />En este caso, estamos ante un cuerpo sin cabeza que no tiene ni piel, que es una masa sanguinolenta que expulsa restos orgánicos, heces, detritos. <br /><br />¿Quizás nos preguntemos ante esta representación, matafóricamente naturalista y simbólica, si la cabeza es la sede del espíritu mientras el cuerpo restante es nuestro depósito vulnerable y carnal y por lo tanto origen de nuestro mal?
Hay una ambición enorme en este pintor, considera que es un creador que vive intensamente un desdoblamiento: como artista renacentista, amante de la filosofía humanista, y que desa fervientemente ser un hombre de esa época aunque no desdeña ni la época flamenca ni la barroca.<br /><br />Por consiguiente, pinta de nuevo esos óleos que ya forman parte de la historia como si fuesen suyos, como si se los apropiase, pero al mismo tiempo los dota de otra dimensión, los traslada a este tiempo o a otros, introduce iconografías alrededor del motivo principal que hagan un contraste bipolar, esotérico, fantástico. <br /><br />Y emplea el color con una magia onírica, que nos hace situarnos en un mundo intemporal, flotante, casi telúrico.<br /><br />Nos deslumbra su perfección técnica, su habilidad pictórica, su ámbito de conocimientos, si bien en algunos momentos, pasado el estallido visual, nos queda la duda de si hay demasiado artificio, de si éste trata de disimular una aportación más singular, una originalidad más sobria.
Esta reproducción constituye una muestra del cambio de actitud que se opera a partir del siglo XVII, con la que se rechazaba la concepción de la pintura como objeto de deleite. En definitiva, se buscaba una antítesis mediante la fealdad de las cuerpos que permitiese escapar de la cárcel del idealismo impuesto por la estética dominante.<br /><br />La exploración de la fealdad, que tiene como pioneros a Caravaggio, Velázquez, Sánchez Cotán, José de Ribera, Goya, etc., tenía como objeto pintar cuerpos reales, es decir, marcados por el paso del tiempo, la enfermedad o los trabajos realizados.<br /><br />De lo que se trata es de que la pasión por la armonía, de cuyo engaño somos conscientes, desaparezca en favor de la búsqueda de una imagen ante la cual la mirada no quede indemne.<br /><br />Este magnífico lienzo es un resumen de este ciclo histórico y además sugiere, a través de las manos anónimas tendidas, el deseo de poseerlo.
La obra de Aminta viene de la más profunda poesía de la tierra. De una sinceridad, sutileza y dilatada espacialidad, nos cuenta renovadamente pero con los símbolos de ayer, que el pueblo andino todavía tiene mucho por decir. Los tonos terrosos sugieren petroglifos, arte rupestre y ancestral. La composición libre, remite al acústico espacio de las cuevas pintadas, o a las cenitales vistas de los enormes diseños de Nazca, monumentales trazados imperceptibles para los hombres de a pie, pero cercanos y tangibles para los dioses y los seres alados, como Aminta.
En Occidente, la estética medieval, condicionada por la moral y férrea religiosidad cristiana, exigía que en un retablo o en un lienzo, el lugar de privilegio fuese el superior (el lugar de lo que es bueno, noble y bello) en detrimento del inferior (lo que es malo y feo) y que la escala de tamaños siguiese el orden jerárquico: Cristo, los ángeles, los santos y los muertos.<br /><br />Este pintor, en este cuadro, retoma el simbolismo de esta estética y lo sitúa en el presente, en su entorno, con la misma carga ideológica. Incluso tiene un propósito metáforico: conceder el paraíso a los que están en el lugar de privilegio y condenar al agujero del infierno a los que están abajo.<br /><br />Creo que la idea plasmada es original, está dotada de sabiduría y hallazgo conceptual, pero falla en cierta forma en su reproducción y escenografía plásticas. Un hieratismo excesivo, quizás, o a mí me lo parece.
Goethe, en su teoría de los colores, afirmaba que la contemplación de una sola superficie de color despierta la conciencia de la universalidad y armoniza al espectador con la unidad fundamental de las cosas.<br /><br />Los fauvistas, no querían estar al servicio de una mera imitación de la naturaleza, sino que querían suscitar emociones, es decir, que más que una reproducción servil de los colores reales constituyese una búsqueda de las emociones que estos colores pueden infundir.<br /><br />Este pintor bebe en estas fuentes porque por encima de todo trata de dejar en nuestras retinas un mensaje de sensualidad, gozo y erotismo a través de un concierto de tonos que estructuran una nueva realidad.<br /><br />El acierto o desacierto reside en la forma que alcanza la dimensión que cobra el cuadro cuando procedemos a su contemplación, lo que de sublime ha podido llegar a tener.<br /><br />No creo que haya fracaso del todo en el intento, ha planteado las bases de un mayor desarrollo y de una mejora dentro de esa concepción.
Este lienzo ilustra la práctica pictórica de principio del Renacimiento, cuando la falta de color que mostraban los cuadros de entonces evocaba de forma simbólica el mundo del mal, de la miseria, de la enfermedad y de la muerte al que el hombre estaba condenado. En este caso concreto tendríamos que añadir la vejez. Pero después, al abrirse al color, el predicador les auguraba la promesa de un mundo mejor, con el que podían soñar y del que debían ser merecedores.<br /><br />Y también podemos encajarlo en la polémica desatada entre los defensores acérrimos del dibujo (el pintor Cennino Cennini lo consideraba el fundamento de todas las artes) y los del color (especialmente Tiziano, cuyo empleo de los colores conferían a los seres vivos una fuerza de ilusión nunca antes lograda). Posteriormente, los defensores de la preeminencia de la línea reconocerían a Poussin como su modelo ejemplar. Por el contrario, los rubenianos definieron la cromática como el alma y la conclusión última de la pintura, el único aderezo capaz de ilusionar al espectador y de provocarle el maravilloso placer que experimenta al contemplar un cuadro. <br /><br />No cabe duda que la observación del pasado ilumina el presente.
Aspecto a considerar en este lienzo es como su autor perfila su base geométrica en forma de óvalo para componer un espacio en movimiento. <br /><br />Esa traslación circular de las figuras realza el motivo que hay entre ellas, destacando la superioridad de una sobre la otra. Si las vistiésemos podemos perfectamente delinear una escena religiosa renacentista en que le persobaje principal ayuda al otro a su salvación.<br /><br />Parece que ese es el propósito del artista, tal como define el fondo de color, difuminado, para traer hacia delante el acto que permita al espectador invocar en su imaginación el carácter y la visibilidad del motivo que tiene antes sus ojos.<br /><br />La clave se encuentra en dejar que una mínima iconografía y coreografía dé la oportunidad al que la ve de plasmarla en su imaginario, con lo cual el pintor solamente sugiere, ofrenda la magia de lo que no aparece y conjura la belleza de lo que se muestra.
En este lienzo el pintor emplea juegos de espacio. En primer lugar, líneas ortogonales convergen en lo que se denomina el punto de fuga, que en este caso es el ojo, que al mismo tiempo, mediante un trompe-l´oeil, construye una reproducción ilusionista de un marco por el que el espectador es incapaz de distinguir dónde empieza y dónde concluye el cuadro, teniendo además la impresión de que ese gran ojo, sobre el que atrae la atención plena, se encuentra a punto de entrar en el propio espacio del que está mirándolo.<br /><br />Quizás en esta concepción perspectivista reside el gran acierto de esta solución plástica, desarrollando además dos planos claramente diferenciados, uno principal y otro subordinado a la zona baja de la tela -¿un monstruo?- apenas visible, pero que al mismo parece ser el sostén de la gran parte superior.<br /><br />¿Qué es lo que se busca? Que el que ve el cuadro se vea absorbido por él, por ese ojo que lo escudriña y quiere tragarlo. Hay una metáfora sobre el control y el poder, la vigilancia y la pérdida de libertad, pero no fisícamente, no los quiere hacer sentir materialmente. <br /><br />No está exenta de hallazgos esta obra. <br />
Tus esculturas están de muerte. Esta en particular muy aguda, Es como una versión un tanto especial de El Pensador. seguro que el portal va a temblar con la presencia de tu obra, bienvenido a artiistasdelatierra.com
ARTE NAIF
<br>“La raíz que sustenta principalmente y le da el sello original de “arte - naif”, nace en el terreno psicológico e inocente de quien lo ejecuta. Si el artista que lo practica prescinde de esta cualidad, no solo pone en riesgo su labor imaginativa espontánea, sino que corre el riesgo de que su sensibilidad y receptividad se merme”…Esto es lo que he podido asimilar sobre lo Naif de acuerdo a lo encontrado en el libro “El Arte Naif”, de Oto Bihalji-.
<br>Naif, es una palabra de origen francés, que significa lo ingenuo, sencillo y candoroso.
<br>El artista que lo practica, aprovecha la espontaneidad y frescura en su obra, mucho colorido y escasa técnica. Es un arte libre de convencionalismos académicos, se conserva puro, sin contaminantes de ninguna índole, rayando más en la inocencia e ingenuidad, al margen de las normas o preceptos clásicos.
<br>Su reconocimiento como arte, a pesar de que ha existido un arte – pop o de aficionados, nace en el mismo instante en que fue rechazado por los académicos, siendo rescatado por los vanguardistas, de ese cuarto cerrado de la indiferencia, para fundar o posicionar como otra tendencia de valor artístico.
<br>Pero de allí surge, debido a la valorización que se le ha dado, que lo verdaderamente Naif, vaya desapareciendo con su espontaneidad e ingenuidad e inconsciencia, para pasar a ser un estilo, que la mayoría de los artistas que pertenecen a este movimiento, lo han adoptado y se han adaptado conscientemente a el, porque ven allí la panacea a sus falencias económicas.
<br>Los artistas Naif, están ligados universalmente por ciertos elementos en su estilo, que los caracteriza de aquellos que no lo son, (los adaptados, por ejemplo), el color vivo, la alegría, lo fantástico, lo mágico y lo imperfecto de las cosas que realiza. Pero el rasgo característico de sus obras, va acorde con el lugar o país de origen del artista naif.
<br>Diría que es la forma de expresión de un adulto con la mente de un niño, que quiere contarlo todo, (sus recuerdos, las cosas que ve al pasar, las historias que le cuentan o que lee, sus fantasías, y hasta la rana del estanque), y utiliza para ello los medios que estén a su alcance para hacerlo, ya sea un lápiz o un pincel, no importa como lo haga, lo importante para el artista naif es expresar lo que siente o ve, de la forma que a el le parece bien, sin detenerse a razonar si el dibujo es o no correcto, ya que para el, todo es valido, de ahí que el calificativo de “primitivismo”, se acopla muy bien en este tipo de arte, de todas formas el arte naif, es hermoso, no solo por su colorido, sino por la forma de las cosas que se ven dentro de la obra, así el cura tenga los pies mas grandes que el cuerpo, o el torero sea tan enorme que no concuerde ni con el toro ni con la plaza de toros. Que bueno llegar a viejos conservando la mente lúcida y creativa de un niño. ¡Como Te admiro Maestro Nossa! Gracias por pintar.
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<br>Fernando Rodríguez Rojas
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Todos estamos sentados a la mesa de la traición ¿Quiénes son los traidores y quienes los traicionados? El traficante, el militar ¿paramilitar?, con su gesto de "30" al teléfono, un Cristo mezclado con el pueblo, representado a su vez por personajes locales: músicos, indios, campesinos, y un fuerte contenido religioso presente en la composición que evoca un grupo escultórico de algún retablo barroco, con una pequeña imagen de San Martín de porres, el Santo de los pobres. Todo nos pinta una elocuente radiografía de la realidad sociopolítica latinoamericana, visiblemente exacerbada en una Colombia desgarrada. Estilísticamente, un cierto aire ingenuo pero monumental, resaltado en la desproporción entre las figuras y la "caja escenográfica" donde se desarrolla la escena, como en un teatro. El desmesurado tamaño de las manos que señalan y gesticulan, los detalles realistas, una multiplicidad de objetos cotidianos y hasta los cables, todo pintado con analítica obsesión, recuerda los Equecos y figurillas de devoción popular, cargadas de información referencial, situando espaciotemporalmente el acontecimiento místico-mundano de una Última Cena muy particular.
Este lienzo, de gran calidad formal, es una recreación de la pintura holandesa, diríamos que un homenaje a la misma y al pintor que le da título.<br /><br />Pero lo sobresaliente es el vacío que rodea el rostro y la paloma encima del mismo que ocupan el eje central. Ese vacío oscuro, apagado, permite una concentración sobre lo lleno, lo realza, le proporciona la intensidad que requiere y al mismo tiempo concede descanso y una serenidad y actitud más contemplativas. <br /><br />Este hábito se remonta al arte medieval y revestía una dimensión metafísica. Pero también expresa la soledad humana.<br /><br />Por otro lado, en algunas obras, las zonas de vacío o casi vacío revisten tanta importancia como en las que abundan los motivos. <br /><br />Esta obra ilustra perfectamente este tratamiento de la compesición y además encaja maravillosamente con la recreación que se pretende.
Este pintor está poseído de fantasía. La fantasía y el rutilante color son los ingredientes básicos de una obra en los que la fantasía da vida al color y éste la teje como una narracción, como una historia infantil. <br /><br />Parte de la realidad geográfica y social de Cuba, tiene sus raíces en ese tapiz y después lo transforma imprimiéndole ingravidez, un discurso fantástico que se lee con la mirada y seduce con la visión telúrica de un pueblo que tiene alma soñadora, prodigiosa.<br /><br />No es una poesía plástica que trivialice lo auténtico sino la evocación de un tiempo presente que se desgrana en sueños, en vivencias diarias de una densidad extraordinaria.<br /><br />Hace que cada cuadro se convierta en una forma de ser, estar y vivir. Es una realidad que trasciende a otra realidad, que existe desde otra ventana, desde otra azotea, siempre en ascenso. Y se dilata en el momento hsta acabar siendo la ficción que tú has entrevisto, ha asomado en tus ojos. <br /><br />Es una síntesis muy planificada, progiosamente dibujada y febrilmente pintada.