Hipólito Restó & Arte

Instantes Perfumados

Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA. Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático. Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento. Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional. Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas. Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo. Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.

17 obras

Mis Cafés - Stella Sidi

Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres. El análisis de esos detalles me llevaron a investigar los momentos de distensión y reflexión que logro cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales. El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña. Y…, no es el café que se toma en casa…, es el que nos acompaña fuera de ella…, quizás buscando la calidez del refugio. En un trabajo de búsqueda de mi identidad, durante más de un año tomé fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos. En la post-producción,sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervine digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color. Esta realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde nuevamente el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura. Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece. Stella Sidi - Año 2009 Stella Sidi, fotografía e intervención digital, la dialéctica del objeto y la presencia artística. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA. Stella Sidi combina la fotografía intervenida digitalmente con los objetos, en este caso con los servicios de café, a los que se les ha adicionado caras, ojos, efectos gestuales, abstractos u otros, también suturas, cordones, alfileres e inserciones. Busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas. Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales. Los posos del café, el destino, la buena fortuna, las predicciones de un futuro o de un mañana poco claro. El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir. Creo que no es casual que la artista haya escogido los servicios de café y no otros utensilios y elementos, porque son significativos y predicen la suerte o la desgracia. Es como una balanza, el yin y el yang, busca y se interesa claramente por el futuro porque forma parte de un todo que posee un claro nexo de unión con el hoy. Un hoy que es diáfano, que se nutre de sus propias posibilidades. Unas posibilidades que son claras y determinantes, en otras ocasiones producto del momento, también hay misterio, asimismo, necesidad de investigar para hallar. Una necesidad de investigar en las profundidades del misterio que se agranda cuando se nos insinúa pero que aún no lo vemos con claridad. Digamos que Stella Sidi investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, es capaz de ir más allá de la anécdota, utilizando la fuerza de la transmutación y el cambio que supone no desentrañarlo pero si previsualizarlo y resituarlo. Una previsualización que nos introduce en el laberinto, en la investigación de lo que no existe, pero que es en las profundidades del ser. Una investigación que se halla encuadrada en la formulación de una existencia engalanada y profunda y, al mismo tiempo, perdida en sus propias ensoñaciones y preguntas. Le gusta que todo quede en aquello que parece ser y, porque, además, prefiere dar libertad de elección al espectador para que este pueda realmente decidir en todo momento y lugar. Un espectador que se constituye en cómplice de una realidad que inventa, pero que, a la vez, posee partes de un todo que ya es conocido pero no totalmente revelado.

11 obras

Van Viniendo - Karina Bezchinsky

Karina Bezchinsky, el poder de la mancha, el espacio y la dinámica. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage. Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida. Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge. Somos el resultado de la dinámica del momento, que es infinitesimal. No hay momento aislado, sino que todo es parte de un mismo todo, parte de un instante que alcanza más allá de lo profundo en lo supremo. Un más allá que se instala en la vida, pulsión vital, fuerza que nos encuentra y conecta con la belleza. Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más. Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo. Todo está preparado para ir más lejos de la anécdota, para ser parte de un todo que es del cosmos. Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales. La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado. Porque la verdad de la poesía del sentimiento, de la plasmación del momento pictórico que conecta con la posibilidad de ir más allá de la propia consideración, es cuando uno sabe instalarse en la perspectiva de la historia a largo plazo. Una perspectiva que se adentra en lo más sagrado de la profundidad que engalana la propia determinación. Una perspectiva que va más profundamente que lo evidente. Una perspectiva que parte de un todo para implicarse en la propia consideración de la existencia. Conecta con la existencia en el sentido de que reafirma el hálito vital a partir de la constatación elíptica de la verdadera razón de ser de los instantes secuencia y de los momentos únicos.

18 obras

Síntesis - Juan Carlos Callejón

Juan Carlos Callejón, de la potencia del gesto, presencia en el espacio, color. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA. Juan Carlos Callejón indaga en la potencia del gesto, en la presencia del espacio. Nutre de formas sinuosas, de gestos, de movimientos que abrazan la evidencia de lo que está cambiando, porque en el movimiento está la fuerza de la transmutación. Todo cambia, energía de la biología, vida, existencia, estructuras y enlaces que bailan la danza de todas las danzas, que perfilan alegorías, composiciones, paisajes, elementos, momentos, organicidades, alusiones y evidencias, también exhiben aquello que parece pero no es. Asimismo indaga en lo abstracto a partir del gesto, pero construyéndolo, sin renunciar a su perfil, porque el gesto se fundamenta en la posibilidad de ir más allá de la alegoría de lo que es. El gesto para Juan Carlos es organicidad, forma, estructura, elementos que constituyen la base de la propia configuración de una actitud que se instala en lo emblemático. Una emblematicidad que no es gratuita sino todo lo contrario. Una emblematicidad que es singular, porque apercibe mundos extraños a partir de lo real, aunque abstracto, fundándose en el poder evocador energético que emana del gesto para posicionarse en lo fundamental básico. La verdad es la evidencia de lo que existe. Una evidencia que se halla inmersa en lo sustancial de la existencia. Es un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida, en cualquiera de sus formas, integrándolas todas, buscando una síntesis que no sea excesivamente descriptiva. Conecta con la forma para ser fondo en lo inmenso de la evidencia sincrética. En este contexto el color es importante, en primer lugar porque abre caminos, aperturas hacia una singularidad que, a veces, nos recuerda la parte que conecta con los espíritus, con la presencia de seres que están más allá y que se reflejan a través de los atisbos, en este caso, de formas al viento en el espacio, donde el color nos recuerda la vibración y nos abre la puerta hacia la escalera energética.

18 obras

Sensaciones - Eva Manzella

Eva Manzella, de la expresión en el espacio de la mente y el corazón. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Nos muestra la capacidad de la expresión, potenciando la composición en dirección a la otra parte del viaje en el estadio del tiempo que no limita. Exhibe personajes que buscan los aspectos de la vida para instalarse en el transcurrir hacia lo que no es manipulado por la materia y la forma. Indaga en los considerandos de las profundidades de la energía y de la forma externa que nos transportan a imágenes complejas. Trabaja en acrílico y técnica mixta sobre tela, buscando la expresividad, la formulación de la composición donde seres humanos se transmutan, pretendiendo el cambio y la progresión hacia otras consideraciones que están más allá de la materia que limita el espacio-tiempo. Indaga en sensaciones, estadios de la consciencia, espacios mentales, energías liberadas por los seres, personajes que interactúan con la visión energética de una realidad situada más allá de las posibilidades de la propia vivencia. Emplea recursos propios del expresionismo, sin abandonar la sensación de existencia evidente, de fundamento concreto, consecuente, fomentando su visión de lo sutil, ensimismado en la propia póesis de una vida que se engalana de fervor y poder. Transmutadora de momentos, hilvana una creación que se nutre del color, de los efectos del mismo para ser coherente con la visión de una consciencia de una realidad más potente, en el sentido de ser consistente con la fuerza que integra el cambio y la transmutación de las cosas. Alcanza la vibración, la fuerza de la energía, la visión del cambio plástico y energético de la pintura y la vida. Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos. La obra pictórica de Eva Manzella es una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad. La esencialidad es energía, forma, materia, sustancia, espíritu, alma, no materia, orden y caos, regidos por la ley de la causa y efecto. Estamos en las lindes del reconocimiento de aquello que es complejo y que se basa en lo fundamental para entender la presencia en lo evidente profundo de lo que es por sí mismo. Su aportación se funda en saber interactuar entre las diferentes realidades, sin renunciar a la plasticidad, dentro de una obra que posee sensualidad, coherencia y potencia cromática.

13 obras

Verónica Rodríguez "Bodegones"

Bodegones de Verónica Rodríguez, por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) Los bodegones de Verónica Rodríguez se fundamentan en la consecución de la hiperrealidad de los objetos, buscando, permitiéndose, encontrando estados de serena visión pictórica. Se aproxima a una realidad que es concreta, que enlaza con su percepción de los objetos, elementos, utensilios, frutas y otros objetos de los bodegones que son partes de una composición que se orienta hacia la formulación del deseo de lo objetual. Su objetualidad es determinante, en el sentido de que conjuga color y forma, objeto y composición, a partir de encuadres basados en primeros planos, en planos próximos a una realidad que se interconecta con su voluntad de conocer la percepción interior que alimenta lo representado. La artista, nacida en Buenos Aires, vive en Argentina y Francia, exponiendo en ambos países, siendo su obra sólida, a la vez, concreta, buscando ambientes determinados por la evidencia de los objetos, frutas y utensilios. El objeto o el elemento se convierten en el primer protagonista de su creación. Sus frutas en sus bodegones ocupan la parte central de la composición, porque buscan el protagonismo de las mismas, no son mero objeto decorativo. De hecho rehúye la decoración, buscando la presencia física clara de lo representado, en el sentido de ahondar en la preponderancia de los objetos y frutas, de la exhibición clara de sus elementos y partes, como esencias encuadradas en el discurso clásico, pero, a la vez, contemporáneo. En realidad busca la persistencia de lo contemporáneo a partir de emplear actitudes clásicas, para obtener una determinada efusión de sensualidad conectando con la formulación de una realidad que se asienta en lo determinante de lo existente. Es partidaria de los sombreados, conjugando la presencia de la luz, armonizando zonas de claridad y oscuridad, para mostrarnos el poder pictórico de una obra que se funda en el dibujo, la perspectiva, los encuadres, la combinación de colores intensos con otros más austeros, dentro de un discurso en el que lo importante es la descripción y lo que esta representa más allá de sus propios límites.

17 obras

Razas y Colores de Elizabeth Eichhorn

Elizabeth Eichhorn, de la figura, el rostro, la acuarela, el primer plano. Centra su atención en la figura, detallándola, realzando aspectos particulares del rostro, pero sin aspavientos, con precisión pero sin la meticulosidad híper, sino con la naturalidad como norte. Aborda la acuarela con precisión, permitiendo que el color acompañe al dibujo pero sin convertirse en protagonista principal, sino complementario. Dibuja con buena técnica, especialmente mujeres, niñas, también hombres, de diferentes continentes y culturas. Sus personajes son retazos de historia, genealogías familiares y étnicas, que destilan raza y trazos, que constituyen formas de atraer la atención al espectador sobre sus orígenes. Compagina la figura de la mujer, a la que aborda preferentemente de perfil, aunque también de frente, con flores y manchas alrededor del personaje femenino, que realzan su rostro y parte del cuerpo. En ocasiones prefiere concentrarse en escenas determinadas, donde hay multitud de personajes y la composición posee una actitud abierta general. Se trata de ir más allá de los límites convencionales, pero, sin dejar de ser clásica en el enfoque. Centra la atención en el conjunto de la composición, prefiriendo personajes representativos de culturas y países concretos, que destaquen por la pertenencia clara a una determinada etnia por rasgos, ropas y facciones. Su obra es figurativa, realista, pero, a la vez, posee un planteamiento poético, dulce, donde cabe la suavidad y la compaginación de la armonía con la facilidad para el dibujo. Su tratamiento de la acuarela es sutil, a base de aguadas controladas, de colores de tonos suaves, en ocasiones más fuertes y evidentes, pero sin causar desestructuración ni excesiva expresividad. Su intención es presentar una obra pictórica, realizada en acuarela, claramente compensada, clásica, evidente y, al mismo tiempo, consecuente con su voluntad de representar una visión de la belleza y la universalidad. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

13 obras

Stella Mezzadri, "Serie 2008", la búsqueda del yo en la estructura de la forma

Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal. Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior. Se ha desprendido de referencias icónicas, buscando el poder evocador de la forma, sugiriendo y adentrándonos en lo enigmático del misterio. Un misterio que basa su fortaleza en la presencia de la ausencia, en lo que no dice pero que está explícito, dado que capta atmósferas, es más, elabora situaciones a partir de formas que pertenecen al mundo vegetal, pero que, una vez desprovistas de referencias, se convierten en partes del puzzle interior, de la realidad evidente del organigrama onírico que viaja sin adjetivos por la fenomenología del gesto. La obra es menos descriptiva, busca más la formulación del concepto interior, la captación del estado de ánimo, conectándonos con el mundo dévico, con los dioses de la naturaleza, con la presencia y la insinuación de la iluminación del espíritu contenida en los centelleos o fogonazos de una evidencia lumínica que se hace cada vez más clara a medida que observamos con detenimiento su obra. Su pintura ha ganado en profundidad, sirviéndose del color como termómetro de esta intensidad, partiendo de la cromaticidad, capta y expresa estadios del alma. Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu. Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación. Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

9 obras

José Cukier - El Lenguaje del Ausente

José Cukier, el lenguaje del ausente y los gritos del silencio Artista plástico y médico psicoanalista, José Cukier siempre ha compaginado ambas profesiones, siendo un creador específico, instalado en la mente y la memoria, en el subconsciente y la dinámica de lo que ocurrió o va a suceder. La actual exposición titulada El lenguaje del ausente es fiel reflejo de su predisposición a investigar y plasmar aquello que no se ve de forma directa pero que es. El lenguaje del ausente es una serie pictórica que está basada en personas, gentes que no están entre nosotros y que han sufrido persecución, tortura, represalias políticas, en definitiva, de aquellos privados de libertad en todos sus ámbitos. Sus obras nos hablan con belleza del alma dolorida, privada de ingredientes y alicientes positivos, pero, que, sin embargo, está ahí. Capta los gritos del silencio, la fuerza de la energía contenida en aquellos que sufren, que les cierran el camino de la auténtica evolución. Plasma con letras, signos, iconos, con una notable ironía escondida en los pliegues expresivos del color y, también, en los títulos de algunas de sus obras, para poner los puntos sobre las íes desde el punto de vista de una realidad que puede llegar a ser más terrible de lo que nos podemos imaginar. Sus obras son intensas, de colores contrastados, incendiarios o bien sutiles, pero tristes y melancólicos. También hay ciertas alusiones a lenguajes vanos, a frases ambiguas, a creencias en las que se puede o no creer pero que las plasma en una interrogación. Exhibe las expresiones de una realidad inquietante, procedente de los desesperados que no están, pero son, cuyas voces resuenan en el desierto, no pertenecen a una nacionalidad concreta, sino que son partes del todo que es el mundo que nos ha tocado vivir. Su pintura actual es expresiva, planteada dentro de una dinámica abstracta, donde la no forma predomina, pero, dentro de parámetros en los que el creador argentino plasma su intención directa con respecto a aspectos de una árida realidad a la que alude mediante signos, letras, evidencias, insinuaciones e iconos. Conecta con el sufrimiento, con el no vivir al que sometieron a quienes no están o no estuvieron entre nosotros durante largas temporadas. Es un creador que conecta con el alma humana, con la faceta del dolor y de la evidencia de lo melancólico, mostrándonos el sufrimiento, el desgarro, la no vida, la desesperación última, la gota de vida postrera de manera bella, es decir pictóricamente estudiada, con todos los matices, con carácter, con la fuerza de quien necesita ser el nexo de unión que comunique ambos extremos del laberinto. No todo lo que existe está reglamentado, hay muchas energías que se encuentran al margen de lo tradicional normal. Las energías de quienes no están o estuvieron, pero que existen o existieron, siendo personas, muriendo o viviendo como seres humanos. Todo ello expresado con la intensidad de quien se nutre de lo real, positivo o negativo, o bien de ambos, porque los polos opuestos conforman la propia vida. La chispa de la energía es fruto del choque de vivencias e intereses. José Cukier capta la parte álmica de quienes están ausentes pero son, en línea con la ascensión energética, con la facultad de ser represaliados, pero que, al mismo tiempo, se encuentran posicionados en la dinámica de la lucha vital. La existencia somos todos, nosotros, vosotros, aquellos, los presentes y los ausentes, cuyos gritos del silencio configuran el lenguaje del ausente que ha plasmado José Cukier en su obra pictórica más reciente. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

16 obras

"Mujeres Enamoradas" de Enrique Alvarez Aldana

Muestra del artista plástico argentino Enrique Alvarez Aldana "Mujeres Enamoradas". La misma exhibe una serie de óleo sobre tela de un surrealismo muy sutil, envolvente, tierno y cautivante, ya sea por su temática como así también por sus escenas coloridas y significantes.

10 obras

Cynthia Novillo Almada "Atreverse a Mirar"

Saber mirar. Dejar de adivinar. Aprender a mirar y entender lo que veo. Es parte de la inquietud de lograr sentirme protagonista de mi propia vida. Dejar de obrar por reacción y poder hacerlo con reflexión, siempre con el enriquecedor acompañamiento de aquellos que aportan su particular mirada y amplían la mía. Sin duda, un momento especial, un paso dado, una vivencia, cierto crecimiento y una profunda mirada interna se encuentran en estos cuadros. Ellos son un espejo donde vi. Lo que no veía. Lo paradójico es que desde mi propio trabajo me sentí también muy mirada. Hoy están expuestos para todos aquellos que quieran ver y porque no descubrir en ellos algo mas. Quiero compartir mi obra con quienes quieran disfrutarla, y así contagiarles un poco de la energía, las emociones y sensaciones que los colores que uso me transmiten. Necesito destacar lo bello y agradable que nos rodea cotidianamente y tenerlo presente, apreciarlo y disfrutarlo, dándoles especial protagonismo. Mis temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde plasmo la belleza efímera a la que muchas veces somos indiferentes, con la esperanza de eternizar sentimientos y emociones gratas. Cynthia Novillo Almada Cynthia Novillo Almada abraza el mundo de las flores, jugando con ellas, reconvirtiéndose su mundo en otro, porque éstas son producto de una actitud que viaja más allá de las limitaciones ordinarias. Sus flores son miradas, personajes que se funden con los Devas. Cielos, flores, iconos vegetales y símbolos, la obra pictórica de la creadora argentina se basa en una dosis considerable de poesía alegórica, tendente a captar estados de ánimo y transmitirlos a través de representaciones simbólicas. El resultado es una obra claramente elaborada, dotada de concepto, donde el color ejerce de llave que abre el secreto de la iluminación hacia el universo de los verdaderos significados. Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte

11 obras

NATURALEZA HUMANA según Nest.

Con el auspicio de la Embajada de Francia en Argentina se exhiben en Hipólito Restó & Arte la Serie "Naturaleza Humana" del artista plástico francés redicado en Argentina NEST. Abstractos, simbolismos y misticismos muestran los 18 acrílicos y técnicas mixtas sobre tela sobre nuestra humanidad.

20 obras

Expresiones

Pintura Realista. Del 25/02/08 al 04/04/08 se exponen en Hipólito Restoó & Arte, 16 obras del artista plástico Orlando Argañaraz, en su mayoría de la temática de animales.

18 obras

Amores Prohibidos de Stella Sidi

“...es una mezcla extraña pero habilidosa de lírica, serenidad, erotismo y misteriosos ensortijamientos.” “...muestran un tratamiento técnico magistral de estos cuerpos en ambientaciones nebulosas y ensoñadoras reanimados por velos que los cubren (o descubren) parcialmente.” Alfredo Cernadas Quesada - Galería Arcimboldo. Stella Sidi, Amores Prohibidos por Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte El amor es universal y su rastro y esencia se encuentran en todas partes. Es más, me atrevería a decir, que el amor mueve el mundo y el universo. Es el motor que transmite energía, que comunica la fuerza necesaria encaminada a desarrollar los mecanismos del gran engranaje. Vivimos en un universo sincrónico, formado por distintos sistemas que se interrelacionan unos con otros. No hay nada al margen de lo evidente, todo se halla en el gran mecanismo celestial, pero, cada cosa y elemento en su correspondiente sistema, interactuando. De ahí que el funcionamiento cósmico sea amor. Y ello es así porque las interrelaciones energéticas, la dinámica de los polos opuestos, la persistencia de energías superiores, la iluminación espiritual, la forma de entender el mundo al margen del postulado biológico, todo es parte del amor porque se transforma continuamente. Y no hay posibilidad de transformación y uno no da y el otro no recibe. Si uno da y el otro se muestra receptivo comienza el desarrollo, se asienta la transformación. Amar es darse, ir más allá de los límites, transformando la esencia de las cosas. Cuando uno está enamorado, de quien sea, sin importar edad, condición social, posición, credo o cultura, experimenta una serie de transformaciones físicas y químicas. Genera energía y movimiento al igual que el mundo, los seres vivos en su conjunto y la naturaleza en sus diferentes intercambios y en el discurrir de cada segundo de la vida. Stella Sidi, en su serie titulada ‘Amores Prohibidos’, realizada en lápiz sobre papel y en esgrafiado y pastel, muestra relatos de la historia universal, sobre relaciones no autorizadas. Emplea la figura femenina como referencia central, presentándola estilizada, sutil, insinuante, buscando la sensualidad, la pose adecuada, encuadrada en lo sugerente. Refleja mujeres solas, que se adivina captadas en situaciones y con personajes extravagantes, viejos, misteriosos o bien con seres impensables, emplazadas de una forma u otra, según sea su composición y la correspondiente alusión que lleva implícita. Meticulosa, elabora sus personajes con suma delicadeza y precisión, permitiéndose varias licencias pictóricas históricas, citando a De la Croix o Tiziano, entre otros pintores. Realiza un recorrido simbólico a través del amor, entendido con letras mayúsculas, fomentando su comprensión, porque al mostrar los denominados amores prohibidos, está reafirmando la vigencia del mismo en todo momento, sin importar persona o circunstancia. Amor a solas, amor y sexo, relaciones amorosas en las que entra todo, desde la actitud sensual, pasando por la potenciación del sexo como elemento carismático de unión, el amor desinteresado y al margen de diferencias sociales y edad. El amor, si nos adentramos en el verdadero significado del mismo, significa estar iluminados, ser elementos y seres de luz que se hallan en transformación continua, en todo momento y circunstancia. Stella Sidi posee la determinación adecuada para verificar la madurez del amor, desarrollando con ironía y claridad, pero, a la vez, con toda naturalidad, amores prohibidos, personificados en mujeres, en composiciones sutiles, cuidadas, donde el dibujo predomina, el color es secundario, el detalle determina y la composición posee una alegoría de fino alcance, que define la belleza de una obra que no renuncia a la historia pero que su temática forma parte del patrimonio universal.

7 obras

Madres: del mundo a la Argentina

En estas obras que presento este año, mi intención fue la de mostrar, a través de mi pasión por el retrato, a aquellas madres de Argentina cuyo origen es de diferentes países o razas. De allí que están retratadas las italianas, vascas, gallegas, libanesas, alemanas, judías, croatas, rusas, etc., sin olvidar a las gitanas, que hay muchas en mi ciudad -Mar del Plata- y, por supuesto, dándole el lugar que les corresponde a la criolla y a la diaguita, ésta última como la presencia aborigen. Y a la nacionalidad que cada una trae le acompañan sus hijos, que muestran la mezcla de razas en nuestra tierra, unificando de este modo a la humanidad. Todas son mujeres reales, entre familiares y amigas.

18 obras

Galería sin obras

Martin Soubiate "Urbano"

ARTE Y COMPROMISO La oportunidad que se me presenta es doblemente singular, encontrarme con la posibilidad de valorar una realidad plástica de contenido expresivo tan viva y evidente, como la que presenta Martín Soubiate, y la posibilidad de opinar sobre la realidad tangible de una conciencia social, tan adecuada para la representación artística como cualquier otra, pero que en la paleta de Soubiate cobra fuerza humana, traduciendo factores sociales en una dinámica de representación expresiva. El expresionismo mantiene una regla básica que une, en la técnica, valores fundamentales comunes a todos los pintores, sea por la fuerza del sentimiento interior que los mueve, como en los colores, la materia y los contrastes. Soubiate muestra en su obra todos los condicionantes propios de la sociedad en que se desarrolla; y en efecto, no siendo ajeno al condicionante estético instalado en gran parte de los pintores del Cono Sur, puede expresarlo con la fuerza y capacidad de síntesis que su juventud le permite, al tiempo que abstraer los sentimientos más profundos de la característica fundamental del sentir latino, del cual forma parte. Fuerza y poder en el movimiento, color en la luz y equilibrio en la composición, confieren a la obra de Martín valores universales que acompañan un motivo trascendente. Para aumentar la expresión, Soubiate, comprime el espacio y provoca el enfrentamiento entre las figuras y el Mundo que los rodea, consiguiendo con ello una realidad doble. Él no forma parte sin embargo, de la realidad que plasma en sus cuadros. Se mantiene al margen de ellos. Su punto de vista se distancia de la metáfora, y ahí entronca con la realidad representada por los impresionistas, pero a diferencia de éstos, carga su paleta colores, desdibujando el ambiente, constriñendo el objeto hasta conseguir que el objeto pintado sea espectador de la situación que los rodea. Parecen decir “Me miras..., pero yo también te veo”. Una inquietud joven, descontenta y fugaz, como corresponde a este pintor joven, que ya en su corta trayectoria, ha demostrado un soporte técnico apreciable, a la vez que un sentimiento profundo en sus pretensiones. Parece haber comprendido, tan pronto, que la cualidad fundamental del artista se demuestra en el sentimiento, y no en la plasmación cotidiana de la realidad. Sus personajes, al igual que le ocurría a Cezanne, expresan sentimientos individuales y concretos, que trascienden a la obra de arte. Todo tiene un trasfondo denso, nada improvisada o casual, porque la intención es decisiva e íntima. Por fin es Soubiate un hombre de su tiempo, capaz de captar realidades lejanas, e interpretarlas como propias, en una yuxtaposición de sentimientos que le hacen pasar de su realidad argentina a una realidad universal, que sus personajes o sus símbolos expresan de manera natural. La vida es pura expresión. Manolo González - Fuengirola, Málaga

0 obras

Ivone Tejerina "Transparencias"

El poder evocador de la aguada. Las acuarelas de Ivonne Tejerina exhiben bodegones ‘mínimos’, evocando el poder de la aguada en un entorno sutil y sensual, en el que los objetos de cristal, jarrones, copas y fruteros predominan, mostrando frutas, zumos de fruta y pétalos de flores como nota de color. Nacida en Coronel Dorrego - Prov. de Buenos Aires -Argentina, Ivone nos deleita con la magia de sus transparencias en la serie que expone. Galardonada en varias oportunidades ostenta al momento el 3° Premio Galería de Arte, II Salón Artelite. Año 2001. Mención Concurso Arte Silvestre, Fundación Vida Silvestre Argentina. Año 2003 y 3° Mención en Pintura, Salón Apertura 2004, S.A.A.P. Año 2004

8 obras

Galería sin obras

Adriana Mufarrege, persona, situaciones, mente e instantes.

Adiana Mufarrege, estará presente durante el mes de Julio, mostrándonos resaltar instantes que se suceden, de forma aparente, de diferente manera en entornos urbanos. Nacida en la ciudad de Córdoba (República Argentina) en 1962. En 1987 egresó de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, pero de hecho su único maestro ha sido el pintor cordobés Marcos Milewski. Ha trabajado como docente, ha hecho serigrafía y diseño web, pero su verdadero amor es la pintura, en especial el realismo, vale decir, la representación más o menos fiel del mundo visible. El amplio término "realismo" suele asociarse erróneamente a los adjetivos "objetivo" y "fotográfico". No existe la objetividad en el arte, y pintura y fotografía son dos lenguajes diferentes. El realismo no es lo que aparenta. Su primera exposición individual fue en 1999, en Córdoba y Buenos Aires. Se llamó "Una mirada sobre Borges" por tratarse de una serie de retratos de Jorge Luis Borges en el centenario de su nacimiento. La segunda, titulada "Tango", fue en Julio de 2005 en la Academia Nacional del Tango, Buenos Aires. Actualmente la representan en Buenos Aires las galerías Edea Arte Argentino y Frida Frida (primer galería temática de tango). En Córdoba, Artis Galería. Hipólito Restó & Arte Sarmiento 948 Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Argentina. Lunes a Viernes de 8 a 19 Horas.

0 obras

Galería sin obras

Stella Mezzadri, paisajes del alma

"En su nueva obra, Stella nos muestra la esencia y sostén de la vida; su creación habla de lo que no siempre observamos, de lo que mantiene en pie la diversidad de verdes follajes, habla de la importancia de lo que, muchas veces, pasa por desapercibido, del ser, de nosotros. Cada una de las obras refleja momentos de nuestras vidas, juegos de formas, luces y colores ilustran situaciones muy intensas. Desde el bosque hasta el despojo absoluto, Stella, con sus óleos y desde su metafísica nos produce todo tipo de sensaciones, desde la ternura hasta el odio, desde la companía hasta la soledad, desde la seguridad al temor, y no es poco, logra hacer vibrar a los observadores con lo cual cumple en demasía su propósito." La muestra estará abierta hasta el 6 de Julio del 2007. Jorge Vera Fernando Magnalardo Hipólito Restó & Arte. Sarmiento 948 Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Argentina. Entrada Libre y Gratuita. Lunes a Viernes de 8 a 19 Horas.

0 obras

Alvaro Buira

"Mis Payasadas" Hasta el 1 de Junio del 2007 Hipólito Restó & Arte Sarmiento 948 Buenos Aires Argentina “¡Insurrección! Auto jaque-mate Tú has ganado El ajedrez es tan simple.” En memoria de Bob y Roy (y a sus enseñanzas) A Mahel, tu adeudado regalo de cumpleaños. “Madre” tu regalo no tan mexicano. Nora, por el empuje y por tu cumpleaños. Gerardo, por la paciencia y también por tu cumpleaños. Especial para Victoria; amor, luz, el orden y el caos, el combustible de este absoluto. A familiares. A insurrectos. A los payasos de todos los días. “Dibujador”, investigador y un canal. Discípulo de muchos maestros, aunque últimamente sigo a la naturaleza. También estuve por la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y la Escuela Nacional de Cerámica Nº 1. Ésta, mi primera exposición individual, es un punto intermedio entre el pasado soporífero y el constante despertar a lo individual y verdadero. Comenzando con concursos y premios, la actividad como ilustrador y actualmente esta muestra-plataforma hacia lo venidero. Una alegre expresión de color. Me caí al mundo por Parque Patricios, un jueves 11 de febrero de 1983. Pero tuve una feliz y fértil infancia en Santos Lugares, Provincia de Bs. As. Ahora transcurro entre la Capital con sus grises y bares y Longchamps con sus colores y aires. La vida paradójica.

9 obras

Francisca Blázquez, armonía sin límites.

Francisca Blázquez, armonía sin límites en un Restó de Argentina. En un mundo pleno de conflictos y contradicciones, Francisca Blázquez es una artista que ha encontrado un lenguaje que intenta transmitir la paz existente en la armonía del universo. Esta artista madrileña, multifacético y pluridisciplinar, nos lleva con su arte más allá de los límites de lo cotidiano, produciendo un singular efecto en la mente y el espíritu del observador, similar a la meditación en algunas obras y a la exaltación interior a la que nos conduce la plena vivencia de lo positivo en otras. Al contemplar sus creaciones podemos creer que es posible el orden en medio del caos existente. Y es que Blázquez desarrolla un arte altamente intelectual sin dejar por ello de ser sensible y delicada. La geometría por sí sola no es su búsqueda, sino la unión de los estados más puros del ser. Para ello hace acopio de todas las formas, colores, luces, sombras, planos y profundidades sin caer en limitaciones sino más bien acaparando todas las direcciones, todas las dimensiones de lo estético en la que se basa su estilo que nos propone una sabia conjunción de los opuestos con un sutil mensaje filosófico para un mundo que reniega de lo diferente y que hace gala de intolerancia y extremismos a través de la historia en todos los espacios y tiempos. Los límites son buenos, para salirse de ellos; como decía Hockney: “No hay nada malo en limitarse, si luego uno es lo bastante valiente para salirse de los límites, pero para ello hay que ser muy valiente”. Esto es lo que sucede con nuestra artista, que gusta del reto de lo diverso y no encasilla sus inquietudes en determinada manifestación artística. Al contemplar su trayectoria se evidencia la capacidad no sólo de trabajo, sino su afán por aprender, desarrollarse y arriesgar. Todas estas cualidades le permitirán, sin dudas, ir decantando su arte hacia grados siempre superiores y llevarnos a la contemplación de la armonía de la dimensionalidad en la vida y en el arte. María del Socorro Morac de Asmat Crítico de Arte-Profesora de Historia de Arte-Artista Plástica- La propuesta de este Restó de acercar la obra de Francisca Blázquez, en una muestra de acceso libre, es abrir en el público, diferentes puertas y ventanas a nuevas percepciones. Almorzar o saborear un café, en un espacio donde reinan la prisa y los intereses observando la obra de esta artista, nos hará tomar la llave de la sensibilidad que cada uno poseemos y la decisión de entrar a la Dimensionalidad de nuestra propia Luz. Arte altamente intelectual sin dejar por ello de ser sensible y delicado. Hasta el 4 de Mayo la luz, las formas, la materia y la simbología estarán presentes en la agenda cultural de la Ciudad. Hipólito Restó & Arte Sarmiento 948 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Argentina.

24 obras

Italo Ferraris "Luz, Espacio, Color y Romanticismo"

"HOMENAJE" Hasta el 30 de Marzo se exponen 21 trabajos de este artista argentino. Flores y Paisajes son el atractivo de esta muestra homenaje. La luz, el espacio y el color encuentran grato cauce en este depurado artista y se vierten en paisajes muy bien logrados, con un enfoque siempre creativo y su fino expresionismo. Italo Luis Ferraris fue pintor, músico y mago. En pintura fue discípulo del maestro Demetrio Urruchúa y luego cursó esta especialidad en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Realizó más de doscientas sesenta obras, ciento cuarenta y cuatro muestras colectivas, cincuenta muestras individuales y obtuvo cuarenta y cuatro premios, lo que señala una fecunda y reconocida trayectoria. Sus obras fueron aceptadas en Salones Zonales, Provinciales y Nacionales, figurando, varias de ellas, en colecciones privadas del país y del extranjero. Oriundo de San Andrés de Giles (Prov.Bs.As.) nació el 26 de Julio de 1934 y falleció el 20 de Diciembre de 1999 en su ciudad natal, dejando una vasta producción de pinturas, música, diseño de objetos e instrumentos no convencionales. “…paleta depurada hasta lo exquisito…” (Albor Húngaro). “…muy fino expresionismo…” (S.Linares – Oleo y Mármol) “…expresión personal reveladora de la finura de su estilo que linda en el ámbito de lo romántico…” (Reynaldo Gómez).

12 obras

Diana Ficca, paisajes más allá del mar, sensaciones que prevalecen en la atmósfera

Cielos turquesas o violáceos, arenas doradas, puertas y ventanas que dejan escuchar las voces del silencio. Así es la obra de Diana Ficca, una artista plástica, nacida en Nápoles, en 1938 y que vive en la Argentina desde 1947. La pintura de Ficca es despojada, enriquecida con la potencia de los pocos elementos. Un atardecer, una canoa o una cabaña bastan para situar al espectador en una atmósfera en donde sólo reina la poesía. La figura humana también es despojada. Una mujer embarazada, el dialogo entre una pareja, un solitario caballero de galera enfrentan la inmensidad de la naturaleza y, por ende, sus propias inmensidades. La paleta de la artista es obra de las grandes protagonistas de las Voces del Silencio. Azules, rosados y marrones realzan cada puesta del sol, cada momento de plenitud. El clima cromático que logra Ficca es intenso y embriagador. "Ficca pinta lo que siente - ve: a veces, dentro de una suerte de musicalidad de efectos. Un poco como lo pretendía Braque. Otras, dentro de un orden onírico, con resabios de memoria-sueño, como anhelaba Magritte", escribe Taverna Irigoyen en el catálogo de la exposición. Por eso, Reencuentro, La espera, Canción del Silencio o Castillo de Papel en la arena, por nombrar algunas de las obras, alegran la memoria, suavizan la nostalgia y nos hacen disfrutar del placer de soñar. Del largo curriculum de la artista- estudió Historia del Arte con Eduardo Gallo y Pintura y Dibujo con los artistas Poupee Tessio, Miguel Dávila y Guillermo Urbano-; cabe mencionar sus exposiciones realizadas en Italia, Uruguay y en Paraguay. El silencio tiene sus voces. Hay que saber escucharlas. Ficca, con su extraordinaria técnica y sin querer hacer docencia, nos invita a escuchar esas palabras. Son palabras que no se las llevan el viento ni el silencio. Quedan grabadas en la memoria del mar, de la arena y de la luna. Judith Robles Urquiza. El Cronista Cultural Joan Lluis Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte La obra pictórica de Diana Ficca, basada en paisajes en los que el mar es protagonista, va más allá del mar, pero no puede prescindir de su referencia. Es un símbolo considerado en abstracto en el que se inspira el desarrollo de su acción temática. Emplea óleo sobre tela, sin abusar de la densidad matérica, buscando emplazar paisajes desprovistos de elementos, seres humanos, casas y otros símbolos de civilización. Son paisajes solitarios porque la idea que quiere comunicar es la de serena soledad, aislamiento o sentimiento anímico. Su intención es elevar a la categoría de sentimiento el paisaje, de ahí que la presencia de parejas de enamorados en el atardecer sea una consecuencia de su intención inicial. Es decir que su voluntad se encuentra en línea con el hecho de mostrar la soledad como concepto interior, dado que, aún a pesar de la presencia de las parejas, queda en el ambiente un sentimiento de serena profundidad. Hay también músicos que tocan la trompeta, mirándose mutuamente, siguiendo el ritmo invisible de las olas. Hay una clara adscripción de los paisajes al terreno del espíritu humano; mientras que la mente viaja más allá, aunque no se atreve a indagar en los prolegómenos del viaje del alma. Porque se trata de representar estados del espíritu, que son los preámbulos de los verdaderos estados del alma. Su disposición de las barcas de pescadores nos revela su intención de ir más allá de los límites temporales, porque representan estrategias formales que están ahí para aumentar la perspectiva de su composición, pero también tienen su explicación energético-esotérica. Una barca solitaria a la derecha de la imagen, en la arena frente al mar, nos muestra la necesidad de potenciar energéticamente su visión del mundo. Es el símbolo de la espiral, girando con determinación, buscando la ascendencia de la energía hacia otras dimensiones. Mientras que la agrupación de barcas en triángulo supone la necesidad de conexión con el mar allá, con la entidad superior, representada por la forma geométrica en cuestión, estando emplazadas las barcas en la parte superior de la obra. Las tres barcas en el centro de la imagen constituyen la representación de la armonía y el equilibrio. La barca entre el personaje femenino y el masculino representa el nexo de unión entre el ying y el yang, el polo positivo y el negativo. En definitiva su creación pictórica es alegórica, con una gran carga simbólica, pero, en el fondo prevalece el sentimiento contenido en el paisaje y el mar como claro hilo conductor.

8 obras

Alvaro Izurieta: Gauguin, el salvaje de Hiva Oa.

Luego de muchos años se presenta en Buenos Aires el maestro Alvaro Izurieta con su muestra “Gauguin, el salvaje de Hiva Oa”. Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte escribió al respecto: “Álvaro Izurieta exhibe en su serie pictórica homenaje a Gauguin su predilección por el desnudo femenino, siempre mostrando al pintor francés con las indígenas, objeto de su atención artística. Pero, además, en sus acuarelas, pasteles y óleos de esta serie se constata la disponibilidad de la obra de un gran pintor, que domina la aguada, el color, la materia, la superposición de capas y las trasparencias. Su trazo sensual, su manejo de las curvas y gestos de los personajes, del propio personaje central de la temática, Gauguin, haciéndolo creíble, o la obra en la que muestra su propio autorretrato; el de un pintor que pinta de memoria, que se circunscribe al círculo de los inspirados, de los creadores que son originales, porque se mantienen fieles a su propia necesidad de ser antes artista que pintor.” Nació en Buchardo (Córdoba)Argentina. A los cinco años comienza a dibujar caballos y a partir de allí no se apartará de su vocación. En 1968 ingresa a la Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta y realiza su primera muestra de dibujos en la galería Feldman de Córdoba. En 1970, por sugerencia de Don Carlos Stutz, se traslada a Buenos Aires para asistir a los cursos que en su taller de Flores dicta el escultor Antonio Pujía. Conoce a muchas de las figuras importantes de la plástica argentina: Alonso, Berni, Castagnino, Seoane; concurre a museos y exposiciones en un momento de auge de las artes plásticas. De regreso en Córdoba, se relaciona con los maestros Francisco Vidal y Henry Aran, con quienes comienza a pintar al óleo y al pastel. Encuentra en el retrato un camino de interés para el estudio de la figura y, a la vez, una posibilidad cierta de vivir de la profesión. Sus exposiciones en el país se suceden con frecuencia hasta la actualidad. En 1975 se traslada a San Pablo (Brasil) para conocer la importante colección de su Museo Asís Chateau Briand. En 1978 viaja a España para estudiar en el Museo del Prado a los grandes maestros, de quienes realiza copias; visita las colecciones de Toledo y Barcelona, Museos de Arte Moderno, Museo Miró. Se interesa por los retratos de Joaquín Sunyer. En 1979 funda el taller Victorica, donde dicta cursos de dibujo y pintura. Ese mismo año es premiado por la Bolsa de Comercio como uno de los "Diez Jóvenes Sobresalientes del Año", y el Diario Córdoba lo distingue con el galardón "Los hombres de la cultura". En 1981 se instala en Unquillo, donde reside en la actualidad. Incentivado por su entorno, se inicia en el estudio del paisaje serrano. Su casa es visitada por jóvenes que buscan consejo y orientación. En 1995 la Presidencia de la Nación adquiere su obra "La Virgen Niña", que figura actualmente en el Museo del Vaticano. En ese mismo año es contratado por la Fundación Favaloro para realizar el retrato del prestigioso cardiólogo. La Universidad Nacional de Córdoba, la Academia de Ciencias de la misma ciudad y la Academia de Ciencias Morales y Políticas de Buenos Aires conforman su Galería de Rectores y Presidentes con retratos de Izurieta. Sus dibujos han ilustrado distintas publicaciones, entre ellas el libro "Shalacos" de Jorge W. Abalos y "La Conquista del Desierto" de Carlos Di Fulvio, para CBS Columbia. En 2002 expone en las ciudades italianas de Prato (Café del Teatro) y Florencia (Galería Mentana). En 2003 y 2005 expone en Cerrito Galería de Arte (Córdoba). En 2005 su imagen sufre una transformación expresionista, con una paleta más intensa y de mayores contrastes. Lugar y fecha de la Exposición: Hipólito Restó & Arte (miembro de Circuito Restó & Arte) del 09/10 al 03/11/06. Dirección: Sarmiento 948 – Buenos Aires Teléfono 4322-0802 Horario de Lunes a Viernes de 8 a 19 hs. Entrada Libre y Gratuita

9 obras

Elizabeth Eichhorn, la alegoría de la belleza contenida en los rasgos y la creación del monumento a Diego Armanado Maradona.

Elizabeth Eicchorn presenta su muestra "CATAMARCA, TIERRA OLVIDADA" en Hipólito Restó & Arte, ubicado en la calle Sarmiento 948 de la ciudad de Buenos Aires - Argentina. En la muestra se expone una serie de acuarelas, tintas y carbones de nuestra lejana Provincia de Catamarca. En sus tiernos y cálidos personajes, nos transmite la simpleza de la gente, los niños con sus dulces miradas, las marcas del trabajo y el paso del tiempo en los rostros, la inocencia y el olvido, la soledad y la lejanía, la simpleza y el amor, el sufrimiento y el dolor, todo ello con una belleza incomparable, dando a conocer los personajes que pueblan nuestro territorio y que son tan olvidados. Destacada escultora, fue invitada a realizar el proyecto del monumento a Diego Armando Maradona. Creado por la escultora Elizabeth Eichhorn, será presentado en sociedad el 29 de octubre. El propio Diego decidirá en qué lugar será emplazado. Y los admiradores podrán colaborar para que el Diez tenga un merecido reconocimiento. El taller en donde trabaja Elizabeth Eichhorn es un lugar agradable. Entre la música clásica que suena y la innumerable cantidad de obras exhibidas, la de Diego sobresale por estar oculta bajo unas telas: la idea es que nadie la vea hasta que esté terminada. Cuenta la artista que cuando Julián le propuso el desafío, no dudó en aceptarlo. "Lo que queremos representar con la obra es al personaje emblemático. Todos sabemos que es un icono del deporte, pero también queremos graficar la parte humana, la parte sentimental y nos hemos enfocado en hacer un fiel retrato de él. Que no sea solamente el rostro, sino sus manos y sus piernas: que sea realmente su retrato. Y que tenga su expresión, porque incluso nos interesa mucho más la expresión, para que -a través del carácter- se vea que es Diego, verdaderamente", enfatiza. Luego de descartar el bronce como material para trabajar ("aunque se merece una de oro, los costos se nos iban por las nubes") Julián, Leandro, Lionel y Gastón no dudaron a la hora de decidirse por cuál de todos los Maradona se iban a inclinar para tener el modelo definitivo: el Diego modelo '86 era el más indicado. Fue cuestión de acercar innumerables fotos de esa época. "Sabemos que Maradona es el personaje más fotografiado del mundo, así que material nos ha sobrado. Ya tenemos el retrato y la expresión que queremos rescatar y transmitir. Y cuando me hace falta conocer algún detalle, acá tengo a los chicos, que han hecho una especie de doctorado. Lo conocen de memoria", ironiza la artista. "La estoy haciendo con una arcilla especial, que hace 60 años que está mojada y es muy plástica. Tiene un armazón de hierro, madera. Es bastante complejo y con eso la estoy modelando. Mide 2,20 metros. Después –cuando termine de modelarla- haremos un molde que deberá ser tratado para posteriormente trabajarla en el material definitivo que va a ser de fibrocemento plastificado símil piedra, pero con una terminación que al tacto parecerá bronce.". La explicación técnica que Eichhorn le hace a LA CAPITAL tiene a "los Cuatro Maradonianos" asintiendo con la cabeza. Y los ojos les brillan cuando se habla de una cualidad de Diego que no estaba en los planes de nadie, o al menos de quien escribe estas líneas. "El Maradona del 86 tiene un tipo de físico y de rostro escultórico, lo que permite que se pueda trabajar con mucha expresión y con mucha fuerza. Posee un físico fuerte que permite trabajarlo con plasticidad", señala. Mirá vos, Diego. Encima de todo, hasta es bueno como modelo escultórico…

9 obras

Susana Saporiti - Austeridad y Belleza -

Susana Saporiti. NATURALEZAS. Exposición:21/08/2006al 10/09/2006. Hipólito Restó & Arte. Buenos Aires - Argentina - Susana Saporiti, integración formal y cromática, austeridad y belleza Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte Los paisajes de La Boca de Susana Saporiti nos transportan a un universo formal, elaborado en base a escenas de interior, el puerto, calles, edificios singulares, con el mar de fondo. En unos casos reflejado en las pinturas en cuestión, en otros se intuye y en los más, está ahí, aunque no se puede ver. La Boca es un lugar emblemático para la creadora plástica argentina y se nota. Su acción pictórica se concentra y canaliza hacia la consecución de elementos que, una vez desarrollados, conforman los cimientos de paisajes que poseen una gran personalidad. Procura simplificar el contexto general que los conforma, destacando la ausencia de figura humana. Se adentra en los ángulos y zonas más emblemáticas, con precisión, pero sin importarle el ángulo, buscando posiciones complejas, algunas poco usuales, pero, siempre, dentro de una claridad compositiva. Emplea el óleo sobre tela, sin abusar de la pincelada gruesa, tampoco del gesto, ni del empaste matérico, pero siempre con la intención de determinar el alcance de la propia elaboración. Consigue de esta forma una armonía entre forma, composición, ángulo, zona, color y distribución de elementos. Es una constructora formal, claramente sintética, porque con cuatro elementos conforma un paisaje, que, sin embargo, no está desnudo, sino que posee mucha vida interior. El color es variado, luminoso, resaltando las horas de sol, la iluminación del astro rey incidiendo con mesura en los edificios y casas, asentando una obra situada en la dinámica compositiva entendida con determinación, armónica, mostrando el equilibrio general existente. Sus paisajes de La Boca son muy especiales para la pintora argentina, nacida en Buenos Aires, dado que viaja hacia los interiores laberínticos de la propia forma, que es abstracción pura. En algunas obras es capaz de abstraer la forma de tal manera que lo que se contempla es la forma en estado puro. En otras, los ángulos de la composición escogidos muestran paisajes, unas veces con claridad, porque hay mayor cantidad de elementos descriptivos, mientras que, en otras, su discurso se vuelve más austero formalmente hablando. Por otra parte continuamos viendo el discurso de la forma en su obra basada en el desnudo femenino. Se adentra con precisión, buscando la calidez, la forma por la forma, dentro de los cánones de la belleza, del equilibrio general en el que zonas claras e iluminadas se alternan con otras zonas más elegantes y bellas directamente estructuradas. El desnudo, que es esencialmente femenino, destaca por su calidez, dado que los colores que utiliza resaltan la armonía de formas en un entorno bien distribuido. Hay una ausencia clara de elementos de complemento, porque a la artista le gusta resaltar la composición basada en el desnudo como expresión de pureza y estructura. Sus otros paisajes, siguen las directrices generales de su discurso más emblemático, basado en el equilibrio de formas, la utilización comedida del color, pero sin renunciar a su calidez y a la intensidad de tonos. En realidad elabora paisajes dentro de otros paisajes, porque pinta fragmentos de los mismos, que le introducen a otros paisajes, cambiando el sentido general de lo observado. Y ello es así, no por presentar nuevos planteamientos de paisaje en línea con la actualidad, sino que lo que realmente realiza es una aproximación de la composición a partir de la teoría de que cada paisaje encierra a otros miles y millones de ellos, como la dinámica que conforma la vida misma. Estamos compuestos por millones, trillones y trillones de células, cuatrillones de posibilidades formales, pero, sin embargo, una visión más clásica nos reduce a unos pocos planteamientos. Sus series dedicadas a interiores y sus bodegones exhiben nuevas posibilidades combinatorias en las que forma, color, perspectiva, ángulos, líneas, estructuras y arquitecturas inciden en un planteamiento, en el que tiene mucha importancia la luz y la perspectiva. Según la cantidad de luz, respecto a la consideración general de la iluminación de la zona, la cantidad de ángulos que intervienen transforma la idea. Un mismo objeto, ramo, florero, etc. se oscurece o ilumina según la luz, cambiando la forma. De ahí que la iluminación de todo lo pintado dependa de la cantidad de luz e incida en el resultado formal final. Es una artista que cuida las perspectivas, la distribución compositiva, los ángulos, el color y las líneas, buscando los apuntes de originalidad formal y cromática a partir de la esencia de su visión.

10 obras

El Paisaje Interior de Liz Cáceres

Liz Cáceres artista plástica Argentina. Exposición del 31 de Julio al 18 de Agosto del 2006. Joan Lluis Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte Exhibe acuarelas de paisajes que poseen una impronta de libertad, no exentas de un cierto bucolismo, altamente sensuales, mostrando cascadas atractivas, salvajes, lejanas pero, a la vez, civilizadas. Asimismo se adentra en el interior del bosque, en el que halla la explicación del misterio, aunque no nos lo muestra. Mantiene el interrogante, dado que se interesa por los prolegómenos, se adapta a la sutilidad de sus esencias, para sustentar la pregunta, la incógnita de la existencia. Podemos adivinar sus intenciones, porque, aunque se interesa por la forma exterior, su cuidada selección de elementos no es fruto del azar. Intenta ser ella misma convertida en vibraciones, en paisajes, cascadas, cielos y caminos recónditos. Nos muestra una clara civilización interna, sutil, encumbrada en la posibilidad de la persistencia de la memoria elegante de una artista que indaga en los prolegómenos de la caricia del sentimiento. Contemplamos flores de gran tamaño, plano americano, primer plano, abiertas, esperando ser polinizadas, paisajes, árboles, verdor contenido en el marasmo de la vegetación. Un ángel, cara de ángel, espíritu de ángel, esencia de ángel, labrado en piedra, que mira, nos mira, que se constituye en símbolo, en signo de una pureza que refleja en su obra de paisaje. Es una buscadora de la naturaleza, de los elementos naturales de los que procedemos, mitificándolos, envolviéndonos en atmósferas reales, pero que desprenden un halo de misterio, casi por descubrir. En su primera exposición Liz Cáceres ha optado por la fuerza de la suavidad cromática de la aguada. Verdes, violetas, blancos, azules, marrones y rosas, en conjunción, buscando su ubicación en la zona en blanco del espacio. No pretende dibujar excesivamente la composición, dado que lo importante es generar la atmósfera adecuada, calibrar su estructura, afrontar la predisposición en apuntalar la determinación de la sutilidad, en la manera de ubicar los elementos que forman parte de la misma. Es una buscadora de ideas, que luego transplanta en bodegones, paisajes naturales, escenarios de casas, flores y vegetación. En ocasiones no sabemos a ciencia cierta si es la idea y luego el paisaje o bien es el paisaje que le nutre de ideas. Lo que está claro es que no busca la mera representación de la naturaleza o de los elementos de la realidad, sino que los emplea para conseguir el efecto alegórico deseado. De ahí que no sea determinante en su pintura a la acuarela el dibujo, aunque si es importante, porque parte de una referencia que no quiere traicionar. El empleo del color está muy pensado, porque en su pintura no hay nada vano, sino que las diferentes gamas, tonos, transparencias, están dispuestos con naturalidad, pero con eficiencia para apoyar la sensación, el sentimiento o la caricia de la singularidad de los estados de la conciencia. Sus atmósferas se nutren de agentes atmosféricos, derivados de las connotaciones del paisaje, pero, además, producidos por la idiosincrasia de los distintos estados de ánimo de la creadora. De esta forma, sentimientos y formas se funden. Hipólito Restó & Arte Sarmiento 948 Buenos Aires - Argentina-

18 obras

Sakiko Horita - El poder enigmático de la naturaleza.

Hasta el 30 de Julio se lleva a cabo en nuestro espacio Hipólito Restó & Arte, situado en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires -Argentina- la muestra de la artista plástica Sakiko Horita. Sakiko Horita refleja el poder enigmático de la naturaleza, su fuerza misterio que le impulsa a desarrollar sus energías con total libertad. Capta la esencia de las mismas, apoyándose en el color, irrumpiendo en la dinámica sensual del mismo, en la voluntad de conseguir evidencias, constataciones, en el sentido de ir más allá de los límites, de las fuerzas que determinan la propia necesidad del saber estar en el filo estructural. Es un poeta del color, que bebe de la sabiduría Zen, que avanza en la enigmaticidad de lo salvaje, para posicionarse en la voluntad del camino energético, en las zonas en las que se transforma la propia esencia de la vida. Capta la luz, desde sus paisajes impresionistas, luminosos, pasando por las temáticas de los ríos que plasma con la densidad cromática sensual sugerente, en las que siempre están acompañadas por la presencia de flores, que son símbolo de vida, de expresividad singular en un entorno de agua, de millones de gotas en movimiento, que simbolizan el poder transformador de la energía. Otras escenas muestran la austeridad de la noche incidiendo en lo vegetal, componiendo una melodía de enigma estudiado. Trabaja en óleo, acrílico y en ambas técnicas a la vez, posibilitando un cambio total de posicionamientos, en el sentido de viajar más allá de lo aparente, dado que es circunstancial, indagando en la fenomenología de la propia esencia de la existencia dévica. Muestra paisajes, recodos, altos en el camino, caminos con gente en los bordes, siempre procurando hallar el medio para alcanzar el fin, que es exaltar la naturaleza, que es y somos nosotros mismos. Realiza una excelente síntesis entre oriente y occidente, entre la meticulosidad cromática de los impresionistas, caracterizados por el cuidado de la luz y la mitificación del color y la captación de la posición natural de la meditación plástica contenida en la síntesis de la composición, propia de la filosofía oriental, del cultivo del Zen, del amor por la meditación en la naturaleza, partiendo de ella, surgiendo con ella, para alcanzar la propia voluntad de la energía. Trabaja la densidad del color, con sutilidad, estableciendo zonas más o menos nutridas, adquiriendo compromisos con la gama variada de tonos rojizos, verdes, azules, marrones y amarillos, cada uno representando una parte de la dinamicidad de la esencia que capta. Amante del detalle, lo supedita a la importancia del color, que refleja la animosidad y los sentimientos contenidos en la propia efervescencia que conforma el paisaje. Cada elemento de la naturaleza, bien sea salvaje y visceral o construida e influida por el hombre -casas, escenas urbanas, amaneceres, tornados, recodos de ríos solitarios, puertos, barcos anclados- son un recurso a la propia prodigalidad de la naturaleza circundante, que reflejan la fortaleza de lo que nos influye, contribuyendo a alcanzar una capacidad alegórica inusual, apta para avanzar en la posición adecuada, situada en el lugar preciso, en el punto de encuentro de las energías que establecen su propio recorrido. Busca el misterio, incluso en los ángulos más específicos, aquellos que se refieren a la propia idiosincrasia de la verdadera sensualidad. Un misterio que se convierte en llave que abre la puerta al enigma, cuando transmite la fortaleza de los ángulos de sus escenas urbanas, de las casas de las urbanizaciones, de los límites de la playa, en la manera de abordar los caminos habitados, siempre los ángulos. El ángulo, es la terminación de la estructura, conlleva en sí misma menos riesgo de confrontación formal y denota una clara ausencia de pretensiones materiales dogmáticas. De ahí que no se recree en la fortaleza de la materia, pero, tampoco, en la ampulosidad de las casas. La presencia constante de barcos apoya la idea espiritual de viaje, del viaje hacia lo inmaterial, dirigiéndose a otras dimensiones. Los amaneceres, el atardecer, la influencia de la luna, la espesura del follaje, la presencia de plantas exóticas acrecientan su voluntad sensual de alcanzar la vida a partir de un cierto hálito de trascendencia. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

12 obras

Exposición de Aurora Tomeo

Muestra de la artista plástica argentina Aurora Tomeo. La creación de Aurora Tomeo es realista, busca centrar la composición, empleando colores suaves, otros más intensos, también degradados de acuerdo con la escala de tonos que precisa para cada recoveco y ángulo determinado. No hay nada fuera de lugar, porque trabaja con técnica depurada, buscando la exhibición del control compositivo, en el sentido de fomentar una obra de orden, que de elegancia a la belleza de lo representado. Porque su actitud entra claramente dentro de la mirada de la belleza de la vida. La existencia está compuesta de elementos, características, situaciones, adjetivos, calificaciones, paisajes, seres, materias, elementos que son la expresión misma de las voluntades interiores. En este aspecto Aurora Tomeo es una pintora clásica que no renuncia a la obra centrada, que determina sus preferencias por lo bien hecho, entendiendo como tal la adscripción a aquellos aspectos de la realidad más ecuánimes y más armonizados. Nota: Fragmento de la crítica realizada para la Exposición de Aurora Tomeo en Hipólito Restó & Arte. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

6 obras

Galería sin obras

Exposición de Mabel Wallasch

Muestra de la artista plástica argentina Mabel Wallachs. "Toda la obra de Mabel, obedece a sus sentimientos, aunque aflora en su paleta de colorido irreal y en las figuras, algo de esa fantasía mística, que le da gran personalidad; de carácter fuerte y siempre ansiosa de hurgar el alma de sus semejantes, sabe escuchar y acepta opiniones, pero no se dobla. El motor principal de su pintura es el sentimiento." Maestro Hector Bonino Copyright 2005 - Mabel Wallasch - Todos los derechos reservados.

0 obras

Hipólito Restó & Arte

Exposiciones de artistas plásticos argentinos contemporáneos.A metros del Obelisco de la Ciudad de Buenos Aires -Argenina- un espacio que acerca el arte a la vida cotidiana. Sarmiento 948 Buenos Aires - Argentina Tel: 54 11 4322-0802 Directores: Jorge Vera/Fernando Magnalardo www.hipolitorestoarte.com.ar

6 obras