Portada · Artistasdelatierra

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-20 00:00:00

Título obra: Amor sombrío - Humberto de Jesús Viñas García

Los cuerpos, siempre los cuerpos. Segúna Gabriel Marcel, debemos el sentimiento de la existencia a la conciencia de nuestro propio cuerpo: "Cuando yo afirmo que una cosa existe, es porque considero esa cosa como enlazada con mi cuerpo, como susceptible de ponerse en contacto con él, por indirectamente que ello sea. El carácter a la vez íntimo y misterioso del lazo entre yo y mi cuerpo colora en realidad todo juicio existencial". Y este es el sentimiento que Viñas nos plasma en este lienzo y en casi todos los suyos. Y es su forma de compenetrarse con la realidad, hacer que esa realidad dé sentido artístico a su existencia. Pero además, en esta muestra, hay un enfrentamiento entre lo que Jaspers, el filósofo existencialista,  llamaba ley del día y ley de la noche: la ley del día dispone el orden, la claridad, la lealtad y la acción constructiva; la ley de la noche representa la oscura vocación de la muerte, la voluntad de arruinarse. Esta pareja de cuerpos, su resplandor, representa a los símbolos de la vida: atracción, amor, unión, morada, etc. La noche, de fondo, es un umbral de muerte, de derrota, de viaje a un destino final. En cierto sentido, se ha cumplido un principio: lo que el artista inicialmente se planteó como un auténtico problema susceptible de una técnica adecuada a su función, después, acabada la obra, se convierte en un misterio que la trasciende.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-20 00:00:00

Título obra: La dama ultajada - Humberto de Jesús Viñas García

Este artista es víctima de una fatalidad pasmosa: la que tiene lugar en un estino condenado a ser fruto de una ósmosis entre él y el fuego de la pasión por el color. Color que en esta obra es casi como una vidriera que representase la figura en ampios mantos que la transformasen en una semblanza en la que la fastuosidad plástica alcanzase el poder de sembrar un misterio que solamente se le concedía a los dioses. Cual Prometeo contemporáneo, Humberto lo ha robado del Olimpo y lo ha descendido a su isla para, siendo un humilde artífice, trastocarlo, metamorfosearlo en habitantes, coterráneos o auctótonos que moran a su lado, conviven con él en un mundo escindido. El color lo entiende como un universo que puebla por si mismo el espacio en el que se materializa la creación, se inscribe en él como aquel elemento indispensable para nuestra vida, el que gobierna nuestros actos, los orienta y los dirige de cara a rebasar dimensiones, horizontes, a que, por fin,  podamos romper con esquemas y visiones que no saben sacarnos de nuestras rutinas. Esta vidriera tiene ese perfume que atrae y pausadamente nos impele a expresar un juicio sobre su naturaleza, que nunca será indiferente. Esta dama ultrajada, de hondas raigambres estéticas, no necesita más envoltura que la plasmada para ceñir nuestra mirada con las tonalidades de la languidez, del abandono, de la inocencia herida, en definitiva, con el abanico (nunca mejor dicho) de la melancolía.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-11-13 00:00:00

Título obra: the bad dream - Ivan Ocaña Castillo

Arte Cinetico  Digitalicemos y superpongamos las imágenes más supuestamente placenteras con la barbarie de la guerra.El resultado es esta obra de ARTE:una EXPLOSIÓN. La conciencia del artista,el ser persona! ¿Es necesario observar todas las atrocidades que hace el hombre , o más bien debemos saber nuestra capacidad de agredir e incluso autoagredirnos? Ante ese mal sueño muchos dormimos plácidamente,enfrascados en el día a día! Gracias al Arte nos hacemos más personas,es más que una profesión,es más que captar una imagen,es mojarse,es dormir poco por la necesidad imperiosa de transmitir algo que puede AYUDAR! loS mal sueños nos hacen trabajar más y reflexionar para que no se vuelvan a repetir.Debemos aprender a saber decir NO. Titulo: the bad dream de la serie dreammer Categoría: Digital Tecnica: Digital Dimensiones: 81 x 100 Realizada en: 2007 Estilo: Arte Cinetico

Críticahernando nossa cuadros - 2007-11-08 00:00:00

Título obra: Mur de façanes - Manuel R. CABESTANY

LAS PALABRAS SON BRISA QUE SE DESLISA POR MIS DEDOS AL TRATAR DE ENCONTRAR UN ROSARIO DE VERSOS QUE DESCRIBAN CON CERTEXA EL SUBLIME ESPLENDOR DE TUS CUADROS. HABLAR DE TU PROPUESTA ES HABLAR DEL MEDITERRANEO DE LA LUZ Y DEL SOL, ES EL ENCUENTRO CON UN MUNDO DESCONOXIDO Y ALA VES ATREVIDO ........................... QUE LLEVA A PENSAR EN SU NO EXISTENCIA. LA PROSA DE TU PROPUESTA SE VE INMERSA EN LOS AZULES DEL MAR  QUE INVITA A LA SIRENA A CANTAR FLAMENCOS EN LAS ESCALERAS DE TUS CALLES, Y EN LA BRISA DE TU SOL, DESAPARECEN LAS GAVIOTAS.QUE EN LOS PLIEGUES DE LA TARDE,  SE ADORMEXEN EN TUS TECHOS QUE COMO ROJISAS OLAS POR TU ACATILADO DE ESPARXE. OBRA COMO POCAS DONDE EL SABOR Y LA ESENCIA DE ESPAÑA SE SIENTE, SE TOCA ,ES UN ENCUENTRO AMOROSO CON EL IDEARIO DE UNA PAZ PERDIDA, QUE SIN PROPONERSELO HUELA A ACEITE DE OLIVA Y EN SUS VENTANAS CUELGAN COMO MANTONES LOS CABELLOS DE TUS MANOLAS Y LOS RITMOS DE LOS FLAMENCOS. TUS LIESOS SON UN CANTO A LA BELLEZA ESCONDIDA QUE SE ENCUENTRA , ES EL CANDOR DE UNA TIERRA, ES LA LUZ QUE NO OCULTAN LAS SOMBRAS, ES  EL SUEÑO DE UN POETA QUE MUERE EN TU TORRE AZUL QUERIENDO TRANSFORMARSE EN FANTASMA  PARA NUNCA IRME DE TUS CALLES.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-07 00:00:00

Título obra: Sofía - rogeré -

Despertaba enervada en un sudor frío y ácido, arrastrada por una oleada de sangre que inundaba su cabeza. Parecía advertir y temer el peligro en que se encontraba y extendía los brazos en desesperado ademán de amparo. Algo denso, gélido, cercaba a la imagen cada vez más cercana. Veíamos sus ojos derramar sangre. Con frecuencia soñaba ambular por un mundo extraño, franquear un portón y entrar en una enorme casa poblada de oscuridad y silencio. En ella, existencias limpias, serenas, cuyas entrañas ya no sangraban pero en las que florecían las tremendas cicatrices que cerradas dibujan los surcos que fija la muerte y desdeña la vida. La muerte convirtiendo en victoria las derrotas, patrimonio el más fecundo, exento de enajenación y despojo. La actividad creadora correspondiendo a la lucidez real, libertadora, poética, en cuanto imprime a la locura de la vida el equilibrio de serena aceptación de la muerte.   Este es el secreto de este dibujo: un ejercicio lírico de la desolación.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-06 00:00:00

Título obra: PERFECTA CONQUISTA - ramoca ramirez ocampo

La angustia de ciertos artistas adscritos a unas determinadas formas o tendencias (en las que su locución consigue su arrebato) se dilata y traslada a la obra en el interior de una perfección que parece antagónica con esa pulsión que arrastra y devora. Ramoca es un claro ejemplo, con el que osamos traspasar una experiencia  para sentir sus heridas, sus pasiones, sus inquietudes, ésas que le hacen concebir un universo donde protegerse, refugiarse y contemplarse pero al mismo tiempo proponerse a través de unas estáticas e inquietantes formas que concentran nuestra mirada. En esta formulación revive los fantasmas y apariciones que cimentan las vivencias portadoras de hallazgos, mensajes, secretos. Obliga, cual demiurgo esotérico, a que se hagan visibles mediante la magia del pincel, la sabiduría de la mano, la línea del ojo.  Hay una exorcización que fragua lentamente en una obra flotante, ingrávida, que estructura el espacio, lo enriquece con una geometría que  va desvelando un territorio de entes, de rostros, de masas, de esferas, en una interlocución que nos abruma por su presencia plástica, por la definición sutil de un cromatismo que se se conjura para que la idea alcance su mayor expresividad. Una obra rica en el planteamiento y en la resolución, en la composición y en el sentido escénico del espacio, que nos depara sorpresas y argumentos, y lo más importante, que nos agasaja y hospeda. Con ella nuestra mirada piensa y anhela, medita y viaja.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-11-02 00:00:00

Título obra: Odalisca - MARIANO MONTOYA MONTOYA

La obra “Odalisca” de Mariano Montoya, nos remite necesariamente a recordar que su origen viene del turco odalisk: “mujer preferida del harén del sultán”. Ya en 1814, Dominique Ingres pintó el cuadro “La gran odalisca” cuadro que se conserva en el Museo Louvre de París. Montoya, recrea a una mujer joven, con cabellera rubia, larga, muy larga y unos hermosos ojos color caramelo, con brillo, que radiante mira a los ojos, envuelta tímidamente en seda, ataviada con un velo de tul transparente, dejando sus ojos al descubierto. Tul que en su caída deja ver unos pechos tersos, desafiantes, con la frescura de la juventud. Circunda su cabeza una diadema de monedas de oro, a juego con el cinturón que distrae la mirada de la desnudez, para acompasar la trepidación de los muslos y la sutileza del erotismo en su danza oriental. La composición se completa con unos personajes árabes al fondo, en un gran salón que se pierde, mientras ella delante de unas columnas del palacio que le sirve de escenario, nos transporta mentalmente a Estambul donde los colores ocres y malvas, bañados en oro, nos regalan sus virtudes, para que las sedas y transparencias dejen traslucir esta belleza de obra en forma de mujer. Una mujer de vientre danzarín. Una odalisca. Mariano Montoya, retrata lo esencial en la recreación de la figura humana, trasmitiendo su humana condición y carácter, dejando que la realidad alcance su exacta dimensión plástica, un realismo categórico, ostensiblemente predominante en la técnica y su dominio, para que el color en su justa medida nos lleve a la exaltación de la belleza. El óleo aplicado con la sutilidad de su pincel diestro, nos deja la huella de la realidad en la limpieza de las imágenes que se traslucen con transparencia arrobadora, mientras discretos empastes en la seda blanca sugieren la visión de lo real, que se acentúa cuando resalta la imagen principal, el bello rostro femenino y su pulcro atavío Montoya, es un artista con espíritu vigilante de la perfección formal en su búsqueda de la belleza, se mantiene imperturbable en su línea realista, deslumbrante por la fidelidad de la mimesis, y seductora por la excelencia de su tratamiento técnico.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-31 00:00:00

Título obra: La Ciudad es los actos - Humberto de Jesús Viñas García

Los vivos hacen su zafra a costa de los muertos, los incautos y tumbones. Indiferencia humana con ausencia absoluta de comprensión ni esperanza. Algún bronce ennegrecido o algún mármol roto hablan de tiempos pasados rumiando en cabezas calvas. Ciudad subterránea no vista por los turistas. Ciudad de polvo y coral. De nubes preñadas de rayos. Ciudad de sedas y harapos. Vestida de pobre y presumida de rica. Guiño y soflama. Miseria y hastío. Un joven místico de los metales, el agua, las flores y los colores, plasma visiones desveladas en el cotidiano andar. Es un surrealista buscador de un método que lo libere y defienda en la conquista de su universo plástico. Creyente de los dioses pobladores del Caribe se lanzó a las aguas cuando perdió la esperanza.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-30 00:00:00

Título obra: sin titulo - Daniel Claver Herrera

Tuve ocasión de encontrarme con Daniel en la reciente Feria de Arte Independiente de Madrid, en la que él era expositor. Es un hombre con una pasión insospechada, la que le provoca precisamente a indagar constantemente, siempre a indagar por el secreto de la materia, ese secreto que él trata de hacer salir a la luz para que pueda deslumbrarnos. Sobre esas capas de polvo de mármol, arena, óxido, conforma una contextura que se desangra más allá de su envoltura física, que reinventa y reescribe lo que ya estaba hecho pero vuelve a dictar hasta que ese santuario fluye y gotea con el dolor del negro, el plasma del rojo, el alba del amarillo, la virginidad del blanco y la turbiedad del ocre.  Las obras, vistas físicamente, dan fe de una mapa mural ante el cual percibimos el silencio de una ceremonia que guarda el secreto, lo repito, ese secreto que él trata de desvelar hasta cierto punto porque la esencia se fragmenta en cada pieza hasta logra un todo armónico. Claver Herrera es un informalista puro y duro y no lo esconde. Lo reivindica con un magisterio de artista llamado a un ayuntamiento con lo físico, con lo telúrico, con las propiedades de la tierra, con sus sustancias, con el primitivo lenguaje del que él se hace eco para desgranar una a una sus orografías y sus paisajes.   Según él, es un labor que no tiene fin, cada día descubre nuevas posibilidades, nuevas texturas, nuevos fulgores y entonces una pasión no agotada, sino en calma, vuelve a renacer. Que así sea.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-10-24 00:00:00

Título obra: Com un llibre obert - Pons Tello

Ese libro abierto rebosa SABIDURÍA. La semicircunferencia espera SER completada. Las líneas que configuran un triangulo o una V,hablan de una VERDAD. Simbología positiva de APERTURA. El punto donde se unen las dos líneas es FUENTE DE PLACER La Oxidación le da TRASCENDENCIA. El color de la tierra donde el Azul o el Verde PUEDEN FLUIR LIBREMENTE. La T es el EQUILIBRIO. Enmarcación de un mapa DE LA BÚSQUEDA DE LA PERFECCIÓN. El medio de presentación o comunicación ,es una combinación de Mar,tierra laberíntica del sentido y comienzo de la vida. Actitud de escucha y aprendizaje,acompañado de un comportamiento plástico riquísimo y una emoción serenamente inteligente.  PONS TELLO nos invita a ABRIR NUESTRAS MENTES. GRACIAS.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-10-24 00:00:00

Título obra: LA DANZA DE LOS ESPIRITUS - ADOLFO VILANOVA RATZKI

"La sombra se colora con la pincelada roja y fugaz del disparo surgiendo de las ruinas", Vicente Blasco Ibañez, en "Noche Serbia". “La danza de los espíritus”, es un homenaje a García Lorca, una obra tremenda de contenido, sublime en la representación del episodio, el fusilamiento del poeta. “La materia toma vida en el óleo para dejar que fluya el imaginario, dejándonos el blanco color de los espíritus en su danza,…donde se puede adivinar la escena si se mira con detenimiento, donde el rojo es un reguero salpicado que se pierde a lo lejos en la oscuridad”, dejándonos ver  el fogonazo amarillo del disparo que aún huele a polvora.   En esta obra, la forma se muestra como el eco de una presencia del episodio, donde la imagen se debe en primer lugar a la mancha que sugiere definiendo sutilmente las figuras que no son rígidas, sino evocadoras del objeto de la idea en la materia, pigmentos en tonalidades, blanco, verde, amarillo, rojo y negro, que nos dejan ver como resultado imágenes testimoniales a punto de desvanecerse en la insinuación, donde la mancha le gana el pulso a la forma que atada huye de la mimesis. La obra es un deseo por determinar la idea a partir de una configuración que se aproxima a la abstracción insinuada, existiendo un ligero atisbo de su evidencia en la topografía determinada en el lienzo, solapada por el devenir cromático del contraste de colores, dotado de matices tonales exquisitos que le otorgan expresividad a un hecho cruento que no se olvida, recreación que gravita alrededor de la escena, una demostración eficaz de lo que se representa a partir de lo que sugiere el episodio, la ejecución del poeta. El dibujo de Adolfo Vilanova Ratzki, sirve de guía a sus sutiles y certeras distorsiones cromáticas para lograr una equilibrada composición, donde el óleo es una herramienta eficaz en la concreción artística del tamíz que codifica la lectura de lo real y activa la necesidad de una contemplación detenida en un baile de insinuaciones, “la danza de los espíritus”, que solivianta su danza al disparo, atestiguando el desenlace, mientras al centro, el poeta cae abatido. En esta obra, el pintor no ha perdido la precisión de la línea, sino mas bien, que en la soltura de su trazo logra una eficaz retención del episodio, donde el aspecto inacabado de los elementos desdibujando la escena para retener la idea, nos muestra un lenguaje personal cuya lectura en el conjunto de la composición nos deja ver un testimonial homenaje al poeta granadino. Vilanova Ratzki, nos deja una obra en la frontera lábil que separa la abstracción de la figuración, para que nuestra imaginación complete el contenido expresivo.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-24 00:00:00

Título obra: Autorretrato - Juan Guillermo Garces Sigas

Perfil hondo que se desdobla en una ventana a través de la cual adivinar pensamientos. Perfil cual icono vertical que nos impone su presencia, su ensismimada y enérgica presencia, por eso le facilita el espacio preciso para convertirla en una realidad física, poderosa y al mismo tiempo dudosa de la oportunidad de su existencia en el lienzo. El artista es duda por encima de todo y su obra es fruto de esa duda Es el autorretrato de un creador que tiene que dar forma a la materia informe que le sirve de fondo y complementa su figura. La reflexión se acuna en su mente, quiere retratarse a sí misma como la circunstancia plástica que se produce ante el hecho diario de colocarse ante el blanco de la tela.  Se trata de perpetuar ese momento porque es el núcleo del que parte la génesis del artista, la dimensión por la cual lucha, se hace a sí mismo, genera la energía y la tensión necesarias. Se trata de de que nuestra mirada se pose en la fuerza de esa realidad interior, de que el factor desconocido hecho de crepúsculos vividos con ardor, de horizontes más pensados que sentidos, de drámaticas oposiones -muerte-vida, negro-blanco- salga a la luz. Y creo que lo consigue mediante esta obra donde hay silencio, introspección, meditación,  hondura y ejecución plástica de indudable magia.

CríticaAntonio Guzzo - 2007-10-23 00:00:00

Título obra: S/T - Mirta Benavente

Esta obra nueva de Mirta Benavente llena de movimiento un espacio que virtualmente divide en tres y a cada uno los rasga descubriendo o encubriendo un mundo de fantasías abisales como si en cada una de las tres instancias narrara lo que le dicta su extraordinaria imaginación... con visor de imágenes he podido acercarme para ver la obra casi al natural... y esta tiene un mundo para fascinar a quien se detenga a indagar en el, es una obra que atrae en conjunto y en detalles que suman. Es mucho más que un abstracto, es figuración de un mundo en ebullición.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-23 00:00:00

Título obra: Los desprotegidos IV - Rafael Piedehierro Holguera

De Piedehierro es difícil que  ya se haya dicho todo. Pintor, escultor y poeta, es un ejemplo de artista renacentista del siglo XXI, que ha encontrado su madurez y que está absorto en la creación de una obra que quiere ser signo del tiempo y la humanidad contemporáneas; pensativo y abstraído en la estructuración de un lenguaje que haga comprensible la plástica de esa premisa y ensismimado con los frutos que va consiguiendo, pues el enfrentamiento ante el blanco de la tela, del papel o la madera,  es un duro pugilato del que no siempre se sale sin magulladuras o aturdimientos. El se empeña en que la obra sea una incursión en lo desconocido, en el enigma de la creación, para también hacernos ver que ese desconocido somos nosotros, que somos nosotros los que nos desconocemos, y de ahí esa serie de las personalidades del hombre, que se nos revelan producto del escepticismo, del pesimismo y del desconcierto. Más que nunca se advierte la soledad infinita del conjunto de este trabajo, deshojado pieza a pieza y que es el resultado de lo que él sostiene contra viento y marea: pintar, crear, es una manera de reflexionar sobre la vida, de hablar sobre la vida, de interpretar la vida, en un silencio que se propone como medio de comunicación con los demás. Quizás también sea la fuerza de la razón la que está representada, la que nace y prende en la defensa de unos valores, aquellos que son la esencia de una dignidad herida, mutilada, pero que todavía está viva. Salud, maestro.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-10-22 00:00:00

Título obra: EL VUELO DEL ALAZAN - arnold quintero salazar

El arte de imaginar sólo florece en libertad, la libertad excelsa existe sólo en el universo de los sueños, los sueños son una experiencia apasionante, soñar despierto se mece entre lo bello por vivir y la ilusión por imaginar, si el mundo fuera obvio, el arte no existiría. “El vuelo del alazán” es una obra interesante y bella, donde Arnold Quintero se vuelca en el desarrollo de la idea, siempre fiel a su estilo, dejando detalles de su propia identidad. En esta obra, el alazán cruza en su vuelo un espacio que se abre entre siete burbujas transparentes que flotan en el aire formando un anillo que gravita circundando como si fuera un espacio planetario alrededor de un caballo en pleno salto, un vuelo existencial con atisbos de libertad, donde las deshabitadas arquitecturas futuristas parecen un coliseo artificiosamente articulado para atar la idea, sobre el cual el equino huye en su salto de sus ataduras evitando el contacto con lo intrincado de su laberinto. Obra que fluye en un onirismo que acompasa su contenido con un hiperrealismo surrealista, donde el pintor hace cohabitar la exquisitez de su talento con sus excelentes dotes, una pincelada prodigiosa, una técnica depurada en el dibujo y en la aplicación del óleo; a todo ello habría que sumarle además una sublime capacidad de inventiva e imaginación. En la composición el cielo y las nubes le dan un aire de infinitud, una dimensión mucho más amplia a la rigidez que la obra aparenta a primera vista; el caballo acerca a la mirada del espectador su destreza para que la observación intime con la belleza de su vuelo, que se abre paso en medio de estructuras y elementos, como los conos y las bolas transparentes que son parte de su iconografía del pintor, y que le dan ese halo de misterio que toda obra necesita. Un universo surrealista que el pintor domina, dejando que su imaginación le devuelva al terreno de su talento para que nos regale obras generosas y bellas.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-22 00:00:00

Título obra: Suburbio - ALMUDENA PINTADO

La realidad se esconde en la inocencia. Es lo inefable. La ciudad se despliega entre casuchas y calles sucias.  Las construcciones ulceran como lepra cianótica que deja su lividez. Algo se devora. Tal vez aquel fervor místico que impartía su fuerza a una naturaleza que rescataba su propia naturaleza. La ciudad se enturbia y es incapaz de recobrar su perdida coloración. Todo se va. La entraña. También ella está condenada a perecer. Extiendo sobre los muros una mirada exploradora. Las dos ciudades se definen. La de los tugurios, la de los bares, la de los prostíbulos baratos. Y la otra. La fastuosa, la de los palacios. Los mármoles, los cristales, los bronces, las finas maderas. La de las luces y la flora. Ambas se distancian y reúnen cuando el sol hunde su disco de fuego en un mar turquesa. La atmósfera es sensual  y promisoria.   La vida nos deja innumerables minutos de contemplación que querrían ser eternos ante lo que se crea y construye, ante las metamorfosis que se encuentran en cada minuto. Esta es una de ellas. Viene el descanso.  Que nos acompañe duarnte nuestra ceguera.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-19 00:00:00

Título obra: Incomprensión gregaria. - Humberto de Jesús Viñas García

Humberto, más que nunca en este cuadro, reivindica las raíces de su herencia cultural y antropológica. El Caribe es una mixtura de encuentros estéticos que se autoalimentan, se enriquecen, desarrollan modos y maneras plásticas que conjugan la vitalidad con la elocuencia, la luz con la negritud, el drama de la cotidianedad con la alegría de un espíritu indomable. Esta obra trata de reflejar ese ideograma sobre la fisionomía de unos rostros y unos brazos y manos que se expresan con un llamamiento. Diría que es una representación interactiva en lo que tiene de gestual, de teatral inclusive, máxime cuando un mínimo de definición abarca un máximo de proyección. El misterio, quizás, radique en que esos semblantes máscaras tienen todo un legado detrás suyo, es como si fuesen viajando en el tiempo hasta llegar al momento presente para dar fe y constancia de que todavía existen, que se transfiguran, que se metamorfosean, con el fin de que no se pierda su memoria.   Por eso, esa transmisión se hace entre luces y sombras, en un plano que se acerca hasta el espectador para que se adentre en ese imaginario, conviva y se comunique con él, establezca una relación condensada con esa alegoría que abarca esclavitud, opresión, hambre, adoración y muerte. No estamos ante una obra insólita pero sí ante un quehacer en que la habilidad técnica está al servicio de un proyecto de sólida trascendencia, de hondas resonancias, incluso de sorprendentes revelaciones. Ante la que es fácil sumergirnos y que nos desnude a través de las emociones que nos suscita.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-19 00:00:00

Título obra: Connexio VII - Daniel Claver Herrera

Vuelvo a reincidir con este artista a propósito de esta obra porque me ha producido un estado de condensación de sensaciones, en gráfica expresión de Matisse. Polvo de mármol, látex y tierra natural constituyen, entre otros, los materiales de un nuevo orden, llámese como se quiera, tachismo, informalismo, etc., desde el que se descubren múltiples aspectos de una nueva realidad. Realidad que se vislumbra haciendo de esa materia otra naturaleza en la que existir y vivir se convierten en una crónica diaria de contemplación y experiencia. Pues este lienzo, aunque no irrumpe en un territorio virgen, revela y nos sugiere innumerables ecos con los que confrontar nuestra percepción: el ocre terroso y raspado (¿vejez, decrepitud?) esconde el negro mortal que a través del signo impreso -¿un epitafio mortuorio?- quiere dejar la huella imperecedera de su paso. Materia pictórica a lo vivo, bruta, mineral, descarnada, negando a la mirada todo suerte de transposición.      La pared, muro, o telón de estalactitas o estalagmitas, nos provoca el atravesar otra dimensión estética, fuera de la convencional, que la subjetivizamos en la misma medida que nos la apropiamos como parte de nuestro quehacer espiritual. Ahí reside su belleza, como resultado y conclusión de un método creativo muy depurado, cuyo virtuosismo técnico le permite sacar a la luz una propuesta que utiliza  la materia como fuente de sí misma, como personaje que expresa emociones y vivencias. En su día afirmé que este pintor y escultor tardaba en hacer avances respecto a su trabajo; hoy, a propósito de esta obra, observo que ya se están produciendo y es que se sienta o no, se quiera o no, una solidaridad universal une todos los gestos e imágenes de los hombres, no sólo en el espacio, sino también y sobre todo en el tiempo. El arte de todos los tiempos, el arte de todos los lugares, se penetra gradualmente (Elie Faure).

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-10-19 00:00:00

Título obra: Negro encierro - Andres Piatek

“Negro encierro” atrapado en entera libertad, una idea del caos en un espacio infinito vestido de blanco. Una oda al caos que se asoma ataviado de negro involucrándonos en su viaje, un guiño de expresión, arte. El mensaje de la obra de Andrés Piatek, viene precedido por el gesto del artista, que con un trazo potente nos deja su talento en espléndidos latigazos de color, utilizando el negro para domar la mancha que se abre paso en una diáfana geografía,  congelando la idea en determinados puntos con un empaste generoso, sobre el cual, para afinar su sello personal, espontáneas líneas como surcos arañan el óleo dejándonos al descubierto sobre el lienzo grafismos que se curvan para dejarnos gritos callados. Un lenguaje. Abstracción que se apoya en el impulso creativo, los trazos fuertes sin vacilaciones y de primera intención, parecen contener los misterios de un lenguaje que navega entre lo espontáneo del impulso y la intención de la impronta del pintor que fluye virginal ajena a la contaminación figurativa, consiguiendo que la luz de la no representación pensada, sea el reflejo incorruptible de un abstracto que rechaza en su pincelada la intención representativa, siendo cualquier vestigio tan solo el pretexto para dejar que fluya la idea. El movimiento en entera libertad  que este artista imprime en sus obras, nos lleva necesariamente a buscar en la espontaneidad de la intención, el camino para descifrar un lenguaje que dice tanto en medio de tanto silencio representativo, donde el trazo tiene tanto que decir en este tipo de arte, que nos invita a abstraernos de todo para entenderlo, para escuchar la voz callada de un abstracto casi puro, en una obra cuya lectura es un deleite, una poesía que acaricia, que agudiza lo sensitivo de nuestro universo interno. La libertad en el pensamiento para armonizar el color que vuela sin ataduras, nos aproxima a una abstracción cuyo soporte hay que buscarlo en su lenguaje, que delata su intención en el caos ordenado de la idea que cae iluminada en la mancha, en el trazo generoso, dejándonos la sensación sublime del imperio del brochazo talentoso que el azar se encarga de encumbrarlo a la categoría de arte. Felicitaciones al pintor por arriesgar en el laberinto de su trazo, por llevar al límite el lenguaje de la abstracción para que nos pueda decir algo nuevo.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-10-19 00:00:00

Título obra: suicidio artístico o exploración pictórico-cerebral - Toni Batlles

Pintura realista,humor negro,imagen Quijotesca con Lanza en sien y escudo-paleta ensangrentado de un arco iris emocional.De frente el artista pregunta:¿qué aportamos los artistas a la tierra? Nuestra capacidad cognitiva y emocional convertida en creación pictórica ,representación de nuestro mundo. En esta obra el artista se convierte en lienzo ,madera,parte integral,en MASTIL QUE SOPORTA LA TENSIÓN de la tela,de la piel de los nervios.Enmarcación perfecta en la que la exploración pictórica -cerebral llega a sumergirnos hasta el punto de poder ahogarnos sin darnos cuenta. El artista se desnuda ante si mismo y expresa su emoción de forma fria y calculada:introducciéndose el pincel en la sien,sangrando la paleta-cerebral que es donde reside las redes neuronales y la alquimia de los colores. Homenaje al pincel,prolongación de nuestra mano que acaricia o mata.Me permito fusionar esta obra con esta humilde crítica y la Poesía de Rafael Alberti.A la pintura 1945-1952. AL PINCEL A tí,vara de música rectora, concertante del mar que te abre el lino, silencioso,empapado peregrino de la noche,el crepúsculo y la aurora A tí,caricia que el color colora, fino estilete en el operar fino, escoba barredera del camino que te ensancha,te oprime y te aminora. A tí,espiga en invierno y en verano, cabeceante al soplo de la mano, brasa de sombra o yerta quemadura. La obstinación en tí se resplandece. Tu vida es tallo que sin tierra crece. A tí,esbelto albañil de la Pintura. SALUD Manuel Mata Gil

CríticaAntonio Guzzo - 2007-10-17 00:00:00

Título obra: Alicia - Martín La Spina

Martín La Spina Amalgama con solvencia de maestro materiales, soporte, dimensiones, tonalidades, colores, formas… para mostrar y hacer palpable a través de los ojos, como es la realidad actual de “Alicia” la del cuento hecho mito, la del “País de las Maravillas”. Alicia se había instalado en la mente y en el corazón de Martín, por eso hechó raíces y tomó de él los colores que conoce, que la rodean, ocres, grises, azules amoratados… sombras y también tomó los duendes, mariposas y hadas mas estos salieron teñidos con el mundo en que vive. Como en todas sus obras Martín nos muestra su sentir y nos hace sentir. Y nos hace ver con cuan poco una niña subsiste y aun puede tener alguna idea de cosas maravillosas… pero estas se escapan, escapan y va quedando la oscuridad. Alicia casi no muestra su rostro, Alicia tiene manos antiguas, gastadas. Alicia muestra su realidad y la muestra desde el corazón y la paleta de Martín. Desde el momento de ver esta obra quedamos comprometidos con las “Alicia”. Buscarle un país de maravillas El arte es esencia y acá tenemos esencia, la esencia de una realidad muy cruda Excelente obra.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-17 00:00:00

Título obra: Fusión de amor - Humberto de Jesús Viñas García

El pintor, al igual que en la época románica, se sirve de imágenes para representar la esencia invisible de las cosas de este mundo y para ofrecer de ellas una visión poética subjetiva. La imagen se aparta fácilmente de la percepción que nos da la experiencia cotidiana. Pues está admitido que el artista se halla autorizado para desdeñar los datos objetivos de la naturaleza dotando en consecuencia a tal objeto de un contorno que no tiene en la realidad, modificando su forma o dimensiones (en relación con los otros objetos), dándole el color que prefiera. Humberto, con carácter general y en este caso en concreto, ejemplifica una creatividad sin reglas, sin que por ello toda su obra pierda un ápice de coherencia, por el contrario, discurre a través de un misterioso encadenamiento que la hace más expresiva y elocuente. Ahí reside la auténtica dimensión de la insumisión a los cánones y la magia de la libertad.  En estos últimos cuadros, la sinfonía de color continúa siendo la protagonista que modela, depura, dibuja y esculpe la composición y perfila la forma. La gama cromática, amplia y casi líquida, proporciona a la imagen el simbolismo de su fusión, nos deja la retina deslizándose por líneas que como regueros hacen de vehículo hasta conformar la efigie, que en su volumen esconde su hábil geomería. Prestidigitación, ilusionismo, sensibilidad y sensación se dan cita en estos lienzos, a los que nuestra mirada no deja de interrogar, mirada que no se cansa en elevarse y recrear con su propio fondo toda la sustancia imaginaria que le es propuesta, pues para llegar a una comunión con la visión del artista debe, en su seguimiento, actuar visionariamente (Georges Salles). Espléndida obra.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-10-16 00:00:00

Título obra: Under the sky - Pons Tello

Azules, ocres y verdes, náufragos sobre una pieza metálica sobreviven en un diálogo metafísico, donde la danza de los átomos en el fluir de la materia encuentran en la corrosión del soporte el escenario para manifestar su transformación, y ésta, en las manos de Pons Tello alcanza la dimensión de arte. En esta obra, los colores mutan y se reinventan en su baile con el óxido, nos dejan ver los caprichos de las formas, nos sugieren un paisaje misterioso con un cielo azul añil distraído por verdes que llevan a imaginar una vegetación que equilibra lo austero de los ocres que invaden los planos en su lucha particular con la corrosión, seguramente avivada por el paso del tiempo, o tal vez, por la acción del agua de la lluvia, el sol y el viento, para dejarnos colores que sólo el azar en la descomposición de la materia es capaz de originar. Pons, tiene en la evolución de las moléculas un camino para reinventar la materia, y ahí va, en busca de relieves, texturas, formas y colores, revelaciones que se manifiestan caprichosamente permitiéndonos apreciar recreaciones naturales, un arte orgánico que emerge de la degradación molecular, un proceso natural, un viaje que emerge de lo inerte de la materia y su transformación, de lo intrascendente de la chatarra a su reciclaje, para darle un sentido trascendente, el arte. Pons, rescata la materia que se transforma, reinventando su ciclo para que su utilidad se revierta en arte, desvelándonos un universo lleno de sensibilidad, de vida, que inquieta al imaginario, que excita a los sentidos, haciéndonos levitar con cada color, con cada textura, mostrándonos una obra en pleno baile de átomos y moléculas, donde la corrosión es el hilo conductor que nos lleva a encontrar un arte que pervive en la oxidación, una belleza imposible de imitar. Pons Tello revive el desecho, el despojo de la materia, en sus obras nos invita a descubrir un lenguaje silencioso de la naturaleza, se puede ver en sus huellas las cicatrices del tiempo, llevándonos a imaginar un paisaje en la geografía del soporte metálico, tonalidades que son el parto de los efectos del paso del tiempo y sus elementos, que desenmascaran lo trivial para revelar la belleza en lo que no siempre se repara, los caprichos de la naturaleza Enhorabuena a Pons Tello por traernos una propuesta diferente en el camino del arte

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-16 00:00:00

Título obra: Africandus - I - Mercedes Urda

Cada obra reclama una mirada diferente, o por lo menos así me lo parece. Es una contemplación que añade algarabía, silencio o simplemente sosiego. Argumentos que no implican razón, sí emoción. Por eso, andamos un camino que quiere acompañar la meditación del pintor con el pincel y al mismo tiempo rescatar para nosotros lo que se vierte desde ese lenguaje. Esta obra es síntesis y poesía. Vemos Africa con los ojos del artista y acabamos viéndola con los nuestros pues esa es su propuesta, extraer la esencia plástica de la luz, del desierto, de los seres que lo pueblan y colocarla ante nuestros ojos. Parece que están estáticos pero caminan fijando su mirada en la nuestra, devienen casi sombras sobre un terreno que es fuego y agosta lo que hay sobre él. Un lienzo que pide diálogo entre dos mundos, o mejor, entre dos formas de concebirlo, partiendo de la intuición y de una dimensión estética que aúne la visión de una pintora que está allí, que se ha imbuido y metamorfoseado dentro de él, y la nuestra, más sofisticada, más cosmopolita. Esta creadora le ha imprimido a lo ancestral la condición de presente, nos lo ha recreado y dejado como un hallazgo y un imaginario visual. Y nos sumergimos en ese fondo de luz y sol ardiente y paseamos junto con esa caravana y al lado de esas siluetas tristes, sombrías y esclavas de su propio estupor por la sumisión de un rumbo que no tiene redención posible.

CríticaAntonio Guzzo - 2007-10-08 00:00:00

Título obra: Tarde de domingo _ Chelin Sanjuan - Chelin Sanjuan

Chelin Sanjuan y decir mágico, decir maravilloso es un solo pensamiento. Como también podemos agregar, al igual que en literatura, "realismo mágico" y también podemos decir surrealismo maravilloso, donde las imágenes hacen de cada obra un verdadero ensueño. Las transparencias no ocultan nada, realzan la calidad del dibujo, su realismo y la calidad de los colores empleados donde la luz penetra en cada personaje lo necesario para mostrar la esencia de cada uno y la profundidad de sus pensamientos, el resto se disuelve y nos deja solo las formas fantasmales de pensamientos superpuestos. Todo es un fluir melodioso donde vemos el universo interior de Chelin, sus caminos. Hermosa Tarde de domingo

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-10-02 00:00:00

Título obra: De preguntas concebidas. - Humberto de Jesús Viñas García

En este artista se produce una sutil compaginación de intelecto e intuición, de inteligencia y emoción, de razón y magia, de mente y sueño. Su pintura, en ese sentido, es fruto de un método perfectamente concebido y calculado, por el que la creación fluye a partir de un ritmo reposado de líneas, un equilibrio espacial notorio y una armonía de color que se extiende fulgurante por todo el lienzo, dando lugar así a un universo personal enraizado en su propia vivencia. El éxito radica en la cohesión y/o fusión final en la mente del espectador, después de pasear la mirada fragmentariamente a lo largo del lienzo, en que, resultado de todo ello inevitablemente, se procede a su análisis y organización conforme a nuestra propia visión e instinto. Luego sintetizamos y tratamos de relacionar en la estructura general todos los elementos que nuestros ojos han juntado, hasta llegar a esa impresión global que desemboca de algún modo en una reacción emotiva. Este cuadro es una buena muestra de ello, pues la suavidad de la gama cromática nos hace penetrar, como una radiografía, en el misterio del símbolo que esa figura fascinantemente alargada representa. Ella es el personaje protagonista y todo su entorno es el mundo que su ensimismamiento evoca y al que sabiamente nos convoca. Nosotros solamente tenemos que dejarnos llevar.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-10-01 00:00:00

Título obra: "LORCA, EJECUCIÓN DEL POETA" - ADOLFO VILANOVA RATZKI

“Lorca, ejecución del poeta”, una bella semblanza, una obra valiente, un homenaje al autor de “Poeta en Nueva York”(1930). Bajo la evidencia de la realidad existe siempre la certeza de un significado latente. En primer plano, sobre un tapiz de color verde hoja, un personaje con camisa blanca cae abatido de rodillas con las manos levantadas y enfrente la silueta de su verdugo, de pie, con polainas ocres y ataviado todo de blanco, como un fantasma justiciero. Al fondo, la expresividad de un firmamento mitad rojo mitad negro, rojo como la sangre derramada y negro que captura la oscuridad eclipsada por el fusilamiento del poeta; sobre el fondo pequeñas siluetas de seres fantasmagóricos revoleteando como almas en espantada, testigos de excepción de la escena. En esta obra de Adolfo Vilanova, queda latente la influencia de su época de Nueva York, nos presenta un episodio cruento, en una recreación fantasmal atisbada por pequeños seres expresivos, entes representativos en el lienzo de un universo que hace presencia en el espacio, ignatas constelaciones de un firmamento escénico, vago mundo de pequeños seres en un microcosmos de fantasmas que expresan un mensaje capturado bajo el prodigio del pincel del pintor; talento que busca el equilibrio cromático con el impulso representativo, para transmitir el mensaje estético. Una obra con una iconografía muy personal, donde el color es el que define las áreas de materia que sugieren las formas que toman vida en el espacio, siluetas tan expresivas como eficaces en la representación, que dejan al descubierto en el lienzo el desenlace de la escena. En este sentido, la pincelada parece reconstruir una realidad autónoma y dependiente al mismo tiempo, por un lado cada mancha de color permite seguir la huella del artista y la intención del trazo y por otro lado, esa misma pincelada sólo adquiere pleno sentido al delimitar el esbozo que coquetea con lo abstracto para determinar la composición. En Vilanova, el espíritu de las formas se manifiesta a través de las vibraciones con las que él las representa, al margen de su reproducción mimética; vibraciones de su mundo interno que justifican sentir la necesidad de llenar de vida un lienzo en blanco, para que el impulso no quede solo, sino, que la necesidad de materia haga que su pincel recurra al óleo para reflejar en los planos la idea como gesto intuitivo. Vilanova Ratzki, que anduvo por Nueva York en los años cincuenta del pasado siglo, quizá siguiendo los pasos de García Lorca, quiso hacerle un homenaje, unos versos con su pincel, recreó su fusilamiento eliminando de su mirada la retención de lo dramático, con sutileza, sin borrar el tinte trágico, sin deformarlo al hacerlo expresivo en su plasmación lindando la abstracción.

CríticaToni Batlles - 2007-10-01 00:00:00

Título obra: de las aguas - Manuel Mata Oliver

Esta parece ser una de las imágenes con que se despidió el mes y amaneció en el presente, un nuevo artista, que nos presenta una forma indiscutible de ver y entender la fotografía. A conseguido con esta instantánea arrojar un bote e pintura a la cámara fotográfica impregnando así el negativo o ccd de la misma de la plástica de la pincelada. Con impaciencia esperamos que poco a poco llene de contenido un espacio en nuestra mirada y nos sorprenda tan gratamente como asta el momento.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-09-30 00:00:00

Título obra: Sexismo - ALMUDENA PINTADO

Almudena nos enfrenta a un mundo real,con luces y sombras.Color intenso y blancos llenos de vida y fuerza como en esta obra rica de matices.Os invito a ver la coherencia en su pintura y la fidelidad a su tecnica personal y fluida. En relación a la simbología que determina el concepto que todos creemos saber,me gustaría aportar definición y reflexión tal como viene en la red y a la cual todos podemos acceder. Se suele llamar sexismo a la discriminación de las personas en base a su sexo en lugar de por sus méritos individuales, si bien el término también puede aludir a todas las diferenciaciones sistémicas basadas en el sexo de los individuos. La pornografía .Algunos expresan el punto de vista de que la pornografía está contribuyendo al sexismo, porque en las interpretaciones pornográficas convencionales para espectadores masculinos las actrices están limitadas a y son presentadas como «objetos de placer». La feminista alemana Alice Schwarzer es una representante de este punto de vista, que ha estado planteando repetidamente desde los años 1970, especialmente en la revista feminista Emma. Lo inverso, cuando las espectadoras femeninas objetifican a los actores masculinos, también ha sido identificado como sexismo. Por otra parte, algunas famosas actrices pornográficas como Teresa Orlowski y Tímea Vágvölgyi han afirmado públicamente que no sienten que sean víctimas del sexismo contra mujeres. De hecho, muchas estrellas pornográficas feministas y feministas sexuales liberales consideran la pornografía progresista, pues es una industria que paga enormes cantidades de dinero por realizar actos consensuales. También hay muchas mujeres directoras y gestoras en la industria pornográfica. Las feministas sexuales positivas apoyan a menudo su opinión señalando la situación de las mujeres en país con leyes estrictas sobre la pornografía (por ejemplo, Arabia Saudí) frente a la de las mujeres de países con leyes liberales sobre la pornografía (por ejemplo, los Países Bajos). Con todo, otras feministas fuera del feminismo sexual liberal y del feminismo antipornográfico temían que censurar la pornografía comercial llevaría a censurar la legítima expresión femenina altruista de sus experiencias sexuales. Esto se debe a que históricamente las leyes sobre decencia han sido usadas en varios países para censurar la educación sexual, que es vital para independencia sexual de las mujeres y la propiedad de las decisiones de sus mismos cuerpos. La espiral geometrìa creativa dentro del cuadro parece tener un aspecto POSITIVO Y MOTIVADOR de apertura y claridad,de desarrollo y crecimiento.La artista comunica equilibrio y mejoría lenta pero ya palpable ante todo lo que conlleva discriminación. Felicidades!!Salud Manuel Mata Gil

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-09-27 00:00:00

Título obra: EL HUEVO CÓSMICO Y LA MUSA - arnold quintero salazar

“El huevo cósmico y la musa”, titulo que nos lleva a imaginar: ¿en qué estará pensando la musa?, quizá en la teoría acerca del origen de la vida, quizá en la teoría de la gran explosión, el “Big Bang”, o tal vez, intenta descifrar el mito del ser superior “P’an – Ku” (el mito del enorme huevo cósmico) en la leyenda china del libro de “Xu Zheng” del periodo de los tres reinos (220-265 años d.C.) En esta obra, el escenario en el que Arnold Quintero deja volar sus fantasías, es un escenario irreal, onírico, donde la protagonista es una joven que en actitud pensativa contempla el “huevo cósmico”, despojada de todo, sin mas ropaje que su piel, sentada junto a un gato que se duerme mientras recibe una caricia. La composición, es la captura de un sueño, cuyos misterios se intenta descubrir en el huevo cósmico que en lo alto es motivo de contemplación por parte de la musa; una recreación muy bien estructurada, donde sobresale una estructura de vanguardia en forma de garra orientada al mar que nos recuerda al “peine del viento” de Eduardo Chillida, un escenario surrealista para que la mirada escudriñe y el pensamiento recree en su vuelo lo que se quiera imaginar. Llama la atención la arquitectura futurista que se alza buscando en la irrealidad el contenido que la imaginación necesita para que la escena tome vida en apariencia onírica, para que la mirada llene de colores las formas dibujadas que el imaginario del pintor nos regala en su pincel; ensoñaciones del pintor que nos invita a contemplar. Arnold Quintero, dota a la obra de una serenidad visual gracias a colores suaves cromáticamente equilibrados en su pincel y al virtuosismo que hace gala en el dibujo; colores amarillos que se mueven en todas sus gamas mezclándose con tonos pasteles rosas y naranjas con algún que otro azul para equilibrar la sensación óptica. Obra muy bien pensada y mejor ejecutada, facilitada en su ejecución por la técnica depurada de la que hace gala este excelente pintor.

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