Portada · Artistasdelatierra

CríticaAntonio Guzzo - 2008-01-18 00:00:00

Título obra: Guerrera Angel - Manuel Mata Gil 924Arte

Guerrera Ángel Manuel Mata Gil se ha apropiado del espacio para llenarlo de fantasía. Con 182cm de estatura lo que nos muestra es un posible ser humano del futuro o su réplica. La ciencia ficción nos invade pero Manuel Mata Gil la absorbe con la misma ductilidad que los materiales utilizados en la obra para armonizar con la época y mentalidad que nos toca vivir. Presuponiendo una de las tantas posibilidades para un futuro incierto. El arte desarrollado nos introduce, incluso, a una posible moda del vestido y accesorios, más aún, la esbeltez del personaje y la transparencia de su cabeza nos habla de la verdad, la claridad, el desafío a fuerzas opuestas. Las tres dimensiones de esta obra generan un movimiento mental del hoy hacia el mañana abarcando tópicos tan disímiles como pueden serlo la guerra, la moda, el ser, la historia, la ética... incluido el arte en todas las formas y ámbitos La creatividad de Manuel Mata Gil no tiene límites. Solo están los físicos de materia, tiempo y espacio. Mas él no los tiene en cuenta, crea y realiza como si no existieran dichos limites. De ello estamos agradecidos.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2008-01-18 00:00:00

Título obra: Retratos comparados - Sofia Calipsophie

Los rostros han sido siempre los grandes enigmas de lo humano en el arte, el cual ha desplegado en todos los siglos toda su pericia para descifrar su plasticidad conforme a las distintas vertientes desde las que ha sido abordado: la naturalista, la idealista, la expresionista, la cubista, etc. Y es además en esos rasgos donde supuestamente radica lo que lo identifica, lo que se percibe como una forma imaginaria de participar de la divinidad, de la creación, de la inteligencia de lo cósmico o universal. Esta pintora, con una fuerte a inclinación a revelar otros diagramas de esas facciones, el misterio, la ira o el sufrimiento que hay detrás de ellas, propone unos patrones muy singulares y personales sobre como en ella se expresan, adquieren contenido y plasticidad. No podría ser menos si se quiere aportar nuevos hallazgos en la definición de esta materia.   Y respecto a su impacto visual y emocional, esos rasgos evocan a esos viejos débiles e impotentes que se transforman en fantasmas terribles a los que las creencias primitivas consideraban malignos. En todo caso, se postulan como una realidad que sentimos en nuestra mirada porque con los ojos queremos cerrarnos a ella.   Son iconos perturbadores, inquietantes, cuya habilidad y maestría en la constitución de su forma se apodera de nuestra capacidad de ficción para hacernos inteligible lo que al principio, cuando nos encontramos con ellos, es pura alucinación.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2008-01-16 00:00:00

Título obra: Moviluz - Tolentino Tolentino

La interesante obra de esta pintora la encuentro como una plasmación de lo que Mallarmé declaraba: "nombrar un objeto es suprimir las tres cuartas partes del gozo del poema -en este caso, del cuadro-, que está hecho de la felicidad de adivinar poco a poco; sugerirlo, ese es el sueño...." Porque la podemos encuadrar dentro de una neofiguración pero también es fruto de un simbolismo de contextura carnal y erótica, sin desdeñar lo que tiene de onírico, de sueño o pesadilla que conduce del fondo oscuro a la luz grisácea. Se decía que los simbolistas eran místicos que dan primacía al soñar, al inconsciente, a la imaginación, a la intuición y que son hostiles a la claridad, a la lógica y al positivismo (Gimpel). Aurier, el critico francés, decía que esas formas, esas líneas y esos colores, el artista siempre tendrá el derecho de exagerarlos, atenuarlos, deformarlos, no sólo según su visión personal, sino también de exagerarlos, de atenuarlos, de deformarlos según las necesidades de la idea a expresar. Y efectivamente, todo ello se resume en lo que Maurice Denis proclamaba: el tema del pintor está en él......todo el arte consiste en representarnos a nosotros mismos. Tolentino personifica como nunca estas aseveraciones al completar una obra extraña, desconcertante, inquietante, que tenemos que adivinar paso a paso para equivocarnos más y mejor.

CríticaAntonio Guzzo - 2008-01-16 00:00:00

Título obra: Sin titulo4 - Mirta Benavente

Mirta persiste con los colores que le son gratos, son parte de su lenguaje con el que busca expresion y lo hace en abstracto, un abstracto en el que el intento de simetria distrae de un algo rasgado, un algo vivo que esta latente y mueve la oscuridad con cierta armonia, con cierto ritmo, pero el centro separa las dos entidades gemelas pues cada una tiene vida propia, son distintas en la unidad. Obra para meditarla.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2008-01-10 00:00:00

Título obra: MI PRISIONERO - hermel orozco

“Mi prisionero”, un retrato interior desde la celda de nuestra mente. Pareciera decir el personaje, ¿dónde estás libertad que no te veo, que no te encuentro?. Interpelación que surge cuando “la libertad la llevamos dentro, muy dentro en el interior, encerrada en la cárcel de nuestras dudas y temores”. Expresionismo en estado puro atado a la figuración, la figura es sólo el pretexto para dejar que fluya el sentimiento que Hermel Orozco quiere expresar. El personaje está detrás de unos barrotes que sólo están en su imaginación, cárcel que le roba su libertad interior, por eso, los barrotes son de color negro sólo a lo largo de su anatomía, luego se prolongan volviéndose blancos denotando su inexistencia. Al fondo, el rojo en ebullición, alborota la turbulencia de la idea desplazando la insinuación tenebrosa del color negro, para que la expresión del sentimiento sea presencia viva en el personaje, que despojándose del detalle en la representación de la mimesis, se aferra al gesto, a la expresión que en el rostro se dibuja. Hermel Orozco, armoniza en una anatomía deforme la representación de la expresión viva de la aflicción y la angustia, reflejadas en los ojos y la boca; el pintor, le da protagonismo a unas grandes manos alargadas en primer plano en inequívoco gesto de desesperación, que siguiendo la orientación de los hombros se alzan en actitud de resignación, como queriendo preguntarse ¿y ahora qué?. La escena representada, es todo un episodio generado en la psiquis del personaje, que prisionero de si mismo, ha construído en su cabeza sus propios barrotes más allá de la realidad, barrotes en la imaginación del personaje que los colores dislocados y la exageración de la línea han sabido canalizar. La obra “Mi prisionero”, es la representación de “la cárcel de nuestras dudas”, donde Hermel Orozco, descarna los fantasmas que habitan en la oscuridad de las dudas y los miedos.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2008-01-09 00:00:00

Título obra: Degüello de yugo y cruz - Humberto de Jesús Viñas García

Este cuadro de Humberto es como un vestigio apocalíptico religioso de lo medieval. Mejor dicho, es una recreación esquematizada de aquellas escenografías donde la cruz, el bien y el mal monopolizaban las preocupaciones intelectuales de la época. No hay merma ni pérdida de su estilo y originalidad, hay simplemente un trabajo que representa a través de las imágenes un simbolismo; para ser más precisos, nos retrotrae a un mensaje simbólico procedente del origen del Cristianismo pero que continúa presente. La configuración plástica de la que hace gala -verticalidad y alargamiento de cuerpos, estructuración de tríptico- no los transmite con toda la fuerza, no nos ahorra extravío en la visión que nos inunda y hace que nuestra mirada saque todo el provecho de una representación que es la alegoría de un particular vía crucis. No obstante, al ser una obra cargada de matices y significación, también postula con la forma y el color el signo de un misterio que no se concibe sino estando en contacto visual con su materialización, con el degüello de esos cuerpos primigenios que siguen siendo nuestro propio retrato.     En conclusión, lo mejor es que cada espectador entable díalogo con ella y saque sus propias consecuencias y enriquezca sus personales acervos.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2008-01-09 00:00:00

Título obra: Azules - Antonio a

Ésta es la obra de un artista inquieto, que no se ha decantado todavía, que está en plena búsqueda, pero con capacidades y habilidades técnicas e intelectuales para dar a su trabajo una impronta muy vital y seductora. Este cuadro, fruto de una ensoñación con cierta reminiscencia oriental, es el resultado del encuentro con una vena lírica, de una poesía fraguada en la ligera, incorpórea esencia del color y de la luz. No hay rupturas ni falsas teorizaciones sino el seguimiento de un estilo, de una concepción basa en el plasticismo de lo que tenue y mágicamente se inscribe en el plano y de la que emana sensualidad y fantasía. No engaña con pretendidas ontologías de la materia sino que pide el gozo de la visión, y no es poco. El color, su cadencia, su gama y topografía,  tiene vida y sentido por sí mismo, y en eso creo que ha consistido la intención del pintor, en aras a establecer una atmósfera de intimidad y emoción interna. En definitiva, ensueño de la inteligencia y la sensibilidad al encuentro de una introspección, cuya expresividad está en relación con la carga emocional del artista.

Críticajulia m. tello - 2008-01-05 00:00:00

Título obra: BAJANDO - hermel orozco

Una temática muy compleja la que escoge el artista; perturbadora captura en el marco de su trabajo, su melancolía tiñe una semblanza al personaje desnudo y anónimo dejándonos engullir por su perspectiva de un mundo de laberintos imposibles. Con técnica pobre y llena de un colorido inaudito nos presenta la representación de sus ideas que nos hace penetrar en un complejo sueño explicito, la sutileza con la que maneja su espátula do es practico y único; demuestra la sensibilidad de su talento al escoger la escena de su trama. orozco trata de plasmar la persecución a la que esta sometida una persona con la critica o solamente el juicio al que nos somete las miradas de rededor en un escáner de nuestras debilidades por parte de la sociedad tan rigurosa e indolente. Sus pinturas son la expresión pura de lo sentimental, acoge la poesía de la ironía y el sarcasmo, dejando un espacio de reflexión al espectador. Saludo a Hermel Orozco por su obra y que nos siga dando ese contexto de la humanidad.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2008-01-03 00:00:00

Título obra: PRESENCIA DE LA NADA - ADOLFO VILANOVA RATZKI

Presencia de la nada, rojos y amarillos disputándole al vacío el espacio que el color negro hace suyo sirviendo de escenario a la idea. La insinuación es sólo el pretexto delimitado por atisbos de blanco y celeste en forma de pequeñas larvas, para que el pensamiento busque en lo inexistente una presencia, en un escenario ataviado de un fuerte cromatismo bicolor encausado con espontaneidad. Vilanova Ratzki, con trazo potente deja que el óleo discurra en libertad, ondulando como si fueran serpenteantes cauces, para que la nada tome vida, sea presencia, dejándonos ver en un empaste generoso, una huella reveladora del impulso creador. Trazo seguro, que somete al impulso y al color en su desvarío, que en espontáneo parto liberador hace emerger de la nada una presencia, para que el imaginario entre en clara actitud perturbadora en su búsqueda. Vilanova, busca en la insinuación del abstracto la fuerza de un contenido carente de intención figurativa, deja correr el pincel con soltura sin pretensión, con la espontaneidad de armonizar el trazo sometido por el impulso, con libertad en el pensamiento para atizar unos colores que vuelan sin ataduras, aproximándose a una abstracción lírica que se expresa en la presencia de la nada, donde el color desposeído de mimesis, se ciñe sólo al impulso de comunicación y a la magia de la sugerencia de lo abstracto. La manifestación pictórica en esta obra, se desarrolla en una corriente de expresionismo abstracto, que ligeramente insinúa, donde el trazo surge espontáneamente tras el impulso rumbo al hallazgo creativo, un lenguaje estético como soporte de la idea, donde el pintor, imprimiendo su personal carácter en lo indeterminado, encuentra en el rasgo de la nada la presencia sublime del todo, para que el arte se libere de contenido, sea expresión pura si cabe. La presencia y la nada, una paradójica unión que Vilanova hace coexistir en el lienzo, para que la expresión del reclamo de lo que no existe se manifieste.

CríticaAntonio Guzzo - 2008-01-02 00:00:00

Título obra: Enseñanzas de la vida - Sara Diciero

Sara Diciero y Las enseñanzas de la vida... un tríptico para mantener unido... Las enseñanzas de la vida muestran muchas cosas y Sara esta dispuesta a exponerlas con su habitual fuerza expresiva. En esta obra aparecen personajes que conforman un triangulo... figura que según la geometría es la mas estable e indeformable por excelencia y Sara lo asume como hecho irreversible en las relaciones humanas. Es por ello que el tratamiento de la obra lo realiza con sienas y terracotas dando intensidad pero sin el estallido acostumbrado de su paleta, al contener la obra en si el drama y la pasión unidas... De esta manera pasan a ocupar un espacio mayor en sus obras la figuración y la expresión personal sobre hechos y circunstancias de Las Enseñanzas de la vida.  Considero esta obra muy buena

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2008-01-02 00:00:00

Título obra: sin titulo - Daniel Claver Herrera

Decía el experto García-Viñó, hombre muy religioso, que el informalismo es el antiorden, la antiarmonía, la anticreación y la destrucción. Que el culto por sólo un componente de la obra, el material, no deja de ser manifestación de un purismo, producto de una postura esteticista. Y va más allá, al proclamar que no hay arte sin misterio y por consiguiente el informalismo no es arte porque carece de misterio; no hay misterio en una mancha o en un corte transversal  dado a una piedra o a un trozo de madera; es simplemente un juego de formas sin espíritu.     Pues me permito disentir totalmente. La materia forma parte de nuestra naturaleza, tanto que en una obra como la que se ve, se transfigura en espíritu. El verdadero artista la dota de facultades para comunicar y emocionar, para estimular nuestra imaginación y fantasía, para ocupar nuestro pensamiento y también nuestra sensibilidad. Esta muestra incluso nos ofrece una capacidades que desarrollan nuestro tacto, el que junto con el del creador configuran la obra hasta infundirle vida y realidad. Y no será un objeto estético sin más, será la expresión de un afán de enriquecer nuestra propia existencia con un ente que la hace más pletórica.  No hay que dogmatizar bajo presupuestos religiosos, hay que entender, pensar y disfrutar. Que así sea en el 2008.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2008-01-01 00:00:00

Título obra: ORQUESTA - 1 - FERNANDO RODRIGUEZ ROJAS

El artista,el creativo,el inventor,Fernando Rodriguez Rojas,el instrumento afinado que quiere,desea,expresa un mundo por compartir y disfrutar con los demás.Una reflexión materializada y profesionalmente ejecutada para ser comercializada y llevarla al mayor número de personas tanto niños como adultos.La música es universal,el arte es Vida. No hay mejores palabras para expresar la intención de la Obra y en este caso ,del Lenguaje pictórico musical que la del propio creador,inventor,,,Felicidades!! Titulo: ORQUESTA-serie Notas Musicales tocando Instrumentos musicales SERIE NOTAS MUSICALES TOCANDO INSTRUMENTOS MUSICALES. Obra Número 1887.Artistasdelatierra. La metáfora musical es otro invento realizado por mí, se trata simplemente de crear figuras con las representaciones graficas del sonido y los símbolos o signos de duración del mismo lenguaje musical y ponerlos a tocar los instrumentos musicales de los cuales se han originado. De tal forma que: el sombrero es un silencio de blanca, la cabeza es una negra, los brazos y manos son semicorcheas, las piernas y pies son dos corcheas unidas por barritas. En varias figuras se puede ver que tienen imágenes de sombreros similares a los que se usan en la realidad, esto lo decidí para enfocar la figura dentro del lugar donde corresponde el ritmo que esta ejecutando, es decir: un sombrero vueltiao para los que interpretan el vallenato, que es un ritmo lento y expresivo originario de Valledupar, capital del Departamento del Cesar, los instrumentos que se utilizan para su interpretación son el Acordeón, la Guacharaca, que es un idiofino de fricción fabricado con una caña hueca, y un tambor llamado caja vallenata. Y los sombreros Panamá para los intérpretes de los sones Afro Colombianos, Cubanos. Otros sombreros típicos de nuestra región Andina para los intérpretes del tiple, guitarra, bandola y requinto, etc. También he creado los músicos clásicos: Pianista, Violinista, Contrabajista, saxofonista, trombón de varas, flauta traversa, trompetista, etc. A los intérpretes del rock, les he colocado cabello, baterista, guitarra y bajo eléctricos. Es una serie de unas 35 figuras aproximadamente. Conclusión: llámese metáfora, surrealismo o fantasía, lo que pretendo es crear unas figuras insólitas de notas de bellos colores, que habiendo nacido de los instrumentos musicales, las adapto a ser ellas mismas las que hagan sonar los instrumentos, donde lo único real son las imágenes de los instrumentos que tocan, para deleite de las personas que van en busca de algo nuevo en el Arte. No se que opináis al respecto, pero espero que os agraden. Mi opinión es de agrado,la música despierta nuestros estados de ánimo y es un lenguaje de unión y crecimiento.Fernando Rodriguez ,le da el empujón coherente a su sensibilidad creando luz en un escenario en que los verdaderos protagonistas son el Hombre ya sea individual o en colectivo pero lleno de vida,de música,en definitiva lleno de COMUNICACIÓN. Expresar las emociones para sentirnos más libres, es el escenario perfecto ,para empezar este nuevo año 2008!!!

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-12-27 00:00:00

Título obra: Crepuscular - Pons Tello

La obra “Crepuscular” se manifiesta en un abstracto de ensueño, dejándonos en su afán los caprichos de la insinuación un crepúsculo vestido de grana. Obra que encarna una oda preciosa al crepúsculo, que en su agonía nos deja un tapiz de colores grosella y grises en un amplio cielo que cede su protagonismo para que el sol ocupe la parte medular en un gesto de huída hacia el ocaso, de ahí los colores rojizos, que los rayos del sol dejan como telón de fondo a la escena crepuscular, un parto en el infinito, un instante mágico en el que el sol se despide dejando los más bellos matices en el firmamento. Nubes que se pierden en el horizonte y un mar sereno que sirve de lecho a un sol que acaricia el instante con sus colores, mientras cae en éxtasis lentamente dejándonos una tarde crepuscular vestida de fuego. En esta obra, Pons Tello se ve en la obligación de reflexionar acerca del paso del tiempo sin relojes, para entender el fluir de la materia en su transformación permanente sin atarse a la voluntad del hombre, para ello escoge al crepúsculo como motivo de temporalidad representado con la sola libertad de la materia viva. Texturas arañadas de la nada que desvelan un horizonte generoso, materia que diluye en alborotado trance el fluir de los colores, matices que rompen la soledad de tonos fríos y cálidos, luminosos y oscuros,  una atmósfera lírica para la contemplación. Obra que se resiste a morir en la representación a pesar del ocaso, sus colores rojizos se imponen, son espíritus vivos en la destrucción contínua que se aferra a la transformación de la materia para renacer. Enhorabuena para Pons Tello por lograr despertar interés y encandilar en sus obras.

CríticaAntonio Guzzo - 2007-12-26 00:00:00

Título obra: Pasión contenida - Sara Diciero

Pasion contenida En esta obra de 2005 Sara, como siempre, amasa. Amasa el fuego, amasa los colores, los ondula y llena de detalles donde late el corazón y estremece el todo desde la base donde el fuego esta unido y las fuerzas superiores bifurcan, acongojan, oponen... asi la pasión se aglutina en un todo y busca liberarse... Muy buena obra

CríticaToni Batlles - 2007-12-20 00:00:00

Título obra: LA IRRITACIÓN (La irritació) - ROSA VIRGILI ABELLÓ

Titular una obra es como escoger un marco, o por decirlo de otro modo el título enriquece la obra como puede hacerlo una buena crítica, un buen marco y un buen entorno. Los cuadros de Rosa Virgili Abelló rizan el rizo con sus títulos. Abstracciones que cuentan, manchas que explican más de lo que a simple vista en un monitor se puede apreciar. Lo abstracto en internet  pierde infinidad más de volumen y dimensión que lo figurativo donde uno puede apreciar mejor la virtuosidad del artista. La abstracción en una pantalla de ordenador es equiparable a la visión de una escultura en el mismo medio, necesita de un esfuerzo mayor del observador para imaginar las sensaciones que puede llegar a dar el tocarlo con la vista. Por lo tanto es muy de agradecer que la obra este tan bien titulada, nos ayuda enormemente en nuestra imaginación y nos acerca más a la realidad de su obra. Títulos como: JARDIN DE FLORES. CON ESTANQUE-2, BUSCAME EN LA RED. SENSUALIDADES CONECTADAS, HAGAMOS LA PAZ. PENSAMIENTOS COLOR AZUL-LILA, ESPACIO DESPROTEGIDO. FONDO MARINO, HORMIGUERO. HORMIGAS AL SOL-5  y tantos otros muestran claramente el camino a nuestros ojos para ver tan magnífica obra a aquellos que no podemos verla insitu.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-12-20 00:00:00

Título obra: Amèn - Emmanuel Cruz Muñoz

Las lágrimas son las aguas de cuatro ríos que yo conozco los ojo son la naturaleza donde emana el ciclo de la vida El primer río : Ojo reprimido, va hacia mi garganta, ¿cuántas veces me he tragado las lágrimas? que sabor tan agrio pero a la vez tan refrescante. El segundo río: Ojo triste, va hacia mi lagrimal, ¿Cuántas son las lágrimas que han limpiado mi cara? Tobogán natural formado por nariz y pómulo. que sabor tan dulce pero a la vez tan doloroso. El tercer río : Ojo cansado , va hacia mi sien cada una de las dos partes laterales de mi cabeza comprendidas entre la frente, las orejas y las mejillas. Si estoy tumbado la lágrima cae pero es en este momento cuando el mapa de mi piel me dislumbra un laberinto de dentro hacia fuera. No será que lo desconocido nos da MIEDO y empezamos casi siempre de fuera hacia dentro ,no escuchando nuestras emociones y creándonos en muchas situaciones grandes desconocidos en nosotros mismos e incluso nuestros mayores enemigos. Amén :es el vivo deseo de que tenga efecto lo que se dice, lo que se dibuja, lo que se canta, lo que se recita, lo que se fotografía... El último río: Ojo sin brillo, es el que se puede secar y es mi obligación prevenir para que esto nunca suceda. No dejemos nunca de expresar, desear, amar y aceptar nuestras emociones en el más amplio sentido de la palabra. Seremos más inteligentes y sentiremos sensaciones positivas para después poder compartirlas. Artistasdelatierra ¡¡FELIZ NAVIDARTE!! Manuel Mata Gil

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-12-15 00:00:00

Título obra: ENCRUCIJADA - arnold quintero salazar

Encrucijada, título sugerente que invita a volar en la imaginación, una ensoñación hecha poesía, versos llenos de color. En esta obra, Arnold Quintero le roba a sus sueños la materia para dejar cabalgar a su impronta por los vericuetos de lo irreal, los sueños, que gestan en la conciencia mundos oníricos, hilos que teje y maneja con maestría con su pincel, para que su personaje tome vida; un universo íntimo que sólo él conoce, pero que lo quiere compartir, mostrándonos a una mujer atrapada en una encrucijada, sumida en un dilema. Una mujer absorta en la nada, llena de dudas, que acude al mar metida en su burbuja para contarle sus penas cada vez que le asaltan las dudas; pensamientos, distancia en el corazón que debe salvar; por eso da la espalda al tren que se asoma, como se asoma la vida, sabe que es su tren, pero la duda la ata, duda si debe abordar o quedarse sentada en lo que tiene, nada, está desnuda, vacía, quizá sin amor, no se da cuenta que tiene una puerta abierta, que está ahí, llena de luz, ávida de ser cruzada. El pintor recuerda a su personaje que hay mucha vida más allá del dilema, de ahí, el edificio alto que se yergue en la ciudad con 1531 razones para delatar su presencia, quizá trayéndole recuerdos, reclamándole que vuelva, una ciudad humeante que dibuja en el cielo nubes que se juntan simulando un beso, para darle ilusión, mientras ella duda, pasa el tiempo pensando, cada vez que su vida es un calvario, una lucha interna, cada vez que su vida no es vida. El tren está ahí, no viene solo, hace de comparsa una luz de un mundo nuevo que tiene el color de la nieve, blanco puro, impoluto, que resplandece para ella, mientras ella subida en un muro del que es prisionera, medita, no sabe cómo huir, cómo salir del laberinto que tuerce su destino, como se tuerce la mole de granito que tiene a la vista, que le cierra el paso a la vida dejándola en lo frustrante, sumiéndola en la tristeza; un vuelo de pájaros ausentes en medio del limbo, que le han robado el amor, que ni el mar que acompasa sus silencios le puede ayudar. Obra vestida con una pincelada limpia, donde el trazo seducido por la imaginación busca en la perfección de la línea el camino para encontrar la belleza en el onirismo fúlgido del pintor.

CríticaChristian Wiedersheimi - 2007-12-15 00:00:00

Título obra: Nostalgia - Jordi Bonet Bollo

Puedo decir con un 70 % de certeza que su pintura ataca al racionalismo y le hace quiebros a la mente, debo admirar su obra objetivamente y me ofusco en percepciones al contemplarla, le cito a usted porque veo que plasma en la imagen un sentimiento posconservador y nubla la percepción empírica del público con elemento banales, usted sería catalogado como un gran photoshopista por el hilo narrativo de su pintura. Hay que ver como abraza el tratamiento cromático con majestuosidad, su obra en general merece un vítore y seguramente citando al unísono puedo decir que la composición, la perspectiva y el claustro tutorial que presentan algunas de sus obras son afirmativamente culminatorias para el buen sabor de boca final.

CríticaChristian Wiedersheimi - 2007-12-15 00:00:00

Título obra: Cuento de una ballena - edgar Noe mendoza mancillas

Una crítica destructiva y devastadora a la pintura mediocre del siglo XXI, es una unión perfecta entre el saber de la mayéutica y el excentricismo surrealista más Lombardiano, noto como usted se curte y disfruta, creando un símil entre realidad y ficción. Caballero alabo su producción artística con una esperanza obtusa y me rindo a sus pies por como culmina la faena, me gustaría felicitarle por la producción y la técnica tan perfeccionada a la hora de crear arte y como fulmina la percepción humana del ángulo viral del cuadro, definiría su obra como Neosurreo-imaginativa debe seguir por su camino y seguir mordiendo la tela tal y como lo esta desarrollando no caiga en convencionalismos y continúe siendo un talibán de la pintura, como consejo personal le recomiendo que siga utilizando una composición gaussiana porque es mas expresiva.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-12-14 00:00:00

Título obra: Loca - walter Felix

“La loca”, título revelador del estado psíquico de la joven representada, quien con cabellos desgreñados y la mirada extraviada en sus ojos, se pierde navegando en el desierto de sus delirios, esperando que el tiempo en su mirada pase como una sombra, mientras su mundo es una película desquiciada que absorta consume silenciosa, al son de una lágrima que congelada queda. En esta obra, Wálter Félix nos muestra otro registro de su quehacer pictórico; empezando desde la figuración se sirve del dibujo en la búsqueda de su particular manifestación artística, donde alborotando el impulso, va más allá de la perfección de la línea que es sometida al caos como evolución, va más allá de la mera representación formal anclada en la mimesis como orden estético. Este pintor argentino, trastoca el trazo en su pincel, que protagonista, a diestra y siniestra va dando bandazos en su andadura, buscando que el óleo haga de las suyas hasta encontrar el equilibrio en el caos, pinceladas sublimes que a la deriva buscan la idea para representarla. Sobre un fondo donde la primacía la disputan el negro y el color naranja-rojizo, recogiendo este último la expresión de un rostro absorto, con cabello alborotado en amarillo, como telón de fondo para el verde coralino de unos ojos tristes, abstraídos en su mundo, iluminados tan sólo con la luz de una lágrima que se asoma en su caída. Wálter, no se resiste en esta obra a echar mano de pinceles y espátula para liarlo todo con el óleo, pinceladas y trazos completamente libres para que el caos se revele, ordenando el desafío indomado del impulso creativo, dibujando y desdibujando, a fin de imaginar lo que le trasmite su personaje “la loca”, dialogo inesperado desde su propia locura.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-12-09 00:00:00

Título obra: Dansa de l'invisible - Pons Tello

La creación es danzar, ponerle imagen, darle forma a lo que sentimos Todos. No sabemos ni cuándo, ni cómo, ni por qué VOLVEREMOS A SENTIRLO! Solo sabemos que ahora poseemos el poder del conocimiento;podemos acudir a él cuando queramos,tenemos su control. El otro día me pude permitir el lujo de ir a una chatarrería, es uno de mis centros comerciales preferidos.Mi mente empieza a danzar con infinidad de objetos o montañas de objetos.Me acompañó otro hombre, que por cierto le voy a ayudar a que empiece a expresar lo que tiene dentro y desarrollar aún más su sensibilidad artistica,él también danzaba. Ante este contexto, ante esta Danza de l´invisible, un hombre se me acercó y me preguntó: ¿Para qué quiere eso? En ese momento me di cuenta, paré de danzar, pensé que donde unos ven chatarra, otros ven tesoros, paisajes,palabras que salen del corazón. Dancemos!! Hagamos que dancen!! Pons Tello nos hace danzar y lo que es invisible ella lo materializa con hierro,pintura sobre madera. Salud os!!

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-12-08 00:00:00

Título obra: Encuentro - Movimiento fugaz - Julio César Belmont

La obra de arte parte de una realidad autónoma que se forma en la propia resolución del creador de hacer de ella un espectro imaginario que tiene vida propia y desarrolla su evolución conforme a un tiempo y espacio dados pero integrada en el contextro histórico de su tiempo. Este artista es fiel discípulo de esa premisa aunque incorporándola desde una base narrativa de ensueño e intemporalidad. Sus personajes, descarnados, silueteados, conviven en un mundo de fantasía, en una realidad soñada, pero que él nos la hace muy cercana si bien evita su concreción a través de una granizada estelar que marque la esencia de lo que se fantasea y lo que se adivina. Bajo tal sentido, la composición siempre se ejercita sobre vertebración de un núcleo central rodeado por la densidad de una atmósfera que enmascara bajo la magia del secreto. Hay un poso meláncolico en esa nebulosa donde tiene lugar la representación, una tristeza congelada, una despedida premonitoria, pero también se echa a faltar algo más de fuerza y solidez en el empleo de esos recursos.          Crear un universo propio es difícil y no son muchos los artistas que lo consiguen; sin embargo, en este caso, se advierte el inicio de un rumbo que puede conducir a esa consolidación. Que así asea.

CríticaCarlos Salvador - 2007-12-03 00:00:00

Título obra: FRACTURA - Oscar Gagliano

Exhibición de fuerza expresiva en abstracción. El rojo fuerza y calor, el azul tranquilidad excitada, el amarillo destella y el naranja en su locura divide y quiebra el helado blanco, La abstracción expresa un sentir sin dialogo alguno empujándonos contra nuestra espalda. El peso de nuestra mente presiona la lógica, La persecución insaciable de la frescura elaborada. Frases para expresar un sentir Frases para expresar lo inexpresable Que los literatos hablen sobre ella Mil disculpas Por intentar competir con la fuerza del color que ahora y aquí solo hablo por hablar siento por sentir Y me emociono con la fractura de una abstracción.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-29 00:00:00

Título obra: menton - Francisco Agusti

A partir de los años 50, con la aparición del informalismo en España se configuró la grafología de una interioridad que trataba de hacerse expresiva mediante la revelación de una realidad emocional en trance de manifestarse. Por su misma contextura era un movimiento más de raíz existencial que de una mente calculadora, esquemática, geométrica. Era una exaltación extrema de la liberalización de la posibilidad expresiva. Podía ser de orden onírico, incluso de concomitancia surrealista, o sencillamente de origen expresionista.    Eran los años de  Tapies, reconocido como el paladín de la tendencia, Manolo Millares, Lago Rivera, Cuixart, Feito, Tharrats, Canogar, Lucio Muñoz, Juana Concepción Francés, Antonio Suárez, Guillermo Delgado, María Paz Jiménez, Ignacio Iraola, Salvador Victoria, etc, y muchos más. A este pintor, a través de esta obra, lo podemos encasillar, (y pido perdón por ello pues siempre, por principio, rechazamos esas reducciones) dentro de esta corriente sin que pueda por ello considerarse un desdoro.  Quizás se haya dicho todo por lo que respecta a esta formulación pictórica pero sin embargo continúa ofreciéndonos atisbos y conjeturas sobre una realidad que seguimos necesitando. La fuerte texturización del espacio nos sumerge en una topografía que se hace casi táctil, demoledora en su carga emocional, vislumbradora de un fondo subterráneo que cuando emerge es para ofrendarnos la densidad de nuestra sustancia, que no es liviana sino de un trágico lastre.      En definitiva, todavía está ahí, ante nosotros.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-28 00:00:00

Título obra: paulo azul - daniela palacios

Moreno Galván decía que la necesidad interna de cada pintura es la que establece el juego de sus factores, y cada obra tiene la dosis de expresividad, de formalismo o de equilibrio que precisa. Su valoración sólo puede tener en cuenta si, con ese juego de factores puestos en marcha, tal pintura ha logrado descubrir una realidad. Esta obra, de la que se ve su raíz monumental, su vocación muralista, se adscribe a una síntesis de lo abstracto con lo figurativo, si podemos denominarlo así, síntesis que proclama la vertiente formal cromática rica en contrastes con la vertebración de una figura que permanece en la veta telúrica de la que emana, pues no renuncia a ser más que una efigie, la propia nacidad de esa necesidad interna. La expresividad pausada reside en ese fresco cromático cuya diagramación conforma una realidad que pretende evocar y reafirmar el vínculo con la tierra, con su mito y la pasión de su leyenda. Por lo tanto, es una creación que se formula como una referencia de nuestro entorno, como una inequívoca señal de su presencia, como la que se multiplica ante nuestra mirada para hacernos partícipes de una dimesión de la que no debemos abdicar.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-27 00:00:00

Título obra: NEGRO Y AZUL - Monica Viviana Peralta de Svars

Hay efectivamente distintas ópticas y diferentes opciones para encarar la obra de arte. Existe una visión más académica y otra más enlazada con la modernidad o la vanguardia. Es decir, que se produce una permanente dialéctica entre ambos campos, que fatal o felizmente desemboca en un eclecticismo que es el sello de nuestra época. Esta obra puede abordarse desde las dos miradas y yo diría que saldría airosa (curiosamente apenas tiene aspectos comunes con el resto de lo expuesto en su página), pero también interesa destacar lo que tiene de más característico: el planteamiento de una idea y de un problema. O de una base y un proceso evolutivo. La línea nos marca un seguimiento a través de como ir resolviendo el problema de lo que se quiere plasmar, de lo que se quiere conseguir, y va dejando que la construcción del esqueleto nos vaya guiando; la idea se va concibiendo a medida que el proceso de disposición va encuadrando la solución hasta generar innumerables prismas, vibrantes perspectivas desde las que contemplar una estructura densa en sugerencias, en sensaciones, en vivencias que confluyen en nuestro imaginario. Moreno Galván pensaba que la pintura, en bloque genérico, como cuerpo vivo multicelular y supra-personal, exige exploraciones de campos desconocidos para montar sobre nuevas vivencias su propia vida. Y ésta es una muestra palpitante de ello.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-23 00:00:00

Título obra: Genio y figura. - Humberto de Jesús Viñas García

La pintura de este artista es fruto de una vocación estilística ya consumada y secuenciada en distintos ciclos. Su estética mantiene un dinamismo que explota todas las posibilidades de mutación y a cada nueva entrega nos proporciona una solución que se adecúa a la realidad de fondo de su imaginario. Esta obra, organizada verticalmente en función del sentido místico y fervoroso que le imprime, plantea una visión alegórica sobre la mortalidad, la vejez, la muerte y la pérdida de la fertilidad, con una vertebración sabiamente modulada e insólita. La figura se vuelca hacia la bóveda celeste en acto de contrición y desesperación, incluso de perdón, con una manos implorantes que aprietan su cuello y cara, un reloj de corazón marcando los angustiosos latidos que le quedan y un miembro anudado al brazo que necesita ya sostén como medio de seguir mostrando su condición viril. por otro lado, la definición cromática fija y concreta cada uno de los elementos de la composición de forma que se llegue a obtener la expresividad que precisa la arquitectura de la imagen. En definitiva, rica en matices, con una versatilidad plástica que rompe cánones, esta pintura recupera la proyección de un hacer basado en la existencia humana y su dolor.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-22 00:00:00

Título obra: Serie Originals 07 - Gemma Gineste Fournier

Esta artista sigue aferrada en desarrollar lo que la diferencia en su singular postura estilística: una caligrafía poética en la que el pincel, de una forma silenciosa, deja huella de su paso con unos trazos envueltos en luz, con unas vivencias que quieren expresar el ensueño en que se sostiene. Quizás ese sentido de la atmósfera mediterránea atrape de tal manera que únicamente a través de esa luminosidad y esa significación de tenues y líricos signos se exprese la contextura interior de la misma. Es un arte que no plantea problemas y sí soluciones, y las formula con la actitud de trascender lo obvio para acceder y descifrar lo esencial. El enfoque y la perspectiva son los instrumentos, ya consolidados, por lo que sólo resta lo que esta pintora desea trasmitirnos mediante un clima de sensaciones ofrecidas en esa cadencia cromática, que encadena la simplicidad con la contundencia del sentimiento, su realidad interior con el anhelo de compartirla con la vivida por nosotros, los espectadores. Esos trazos, que son como una foto fija de capas en movimiento, definen ese sentimiento como un ideario basado en la adecuación integral de libertad y naturaleza, que continuamente está amenazada y se ha de rescatar por el espíritu genuino del arte.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-11-22 00:00:00

Título obra: Así Estamos en Venezuela - Blanca Amelia Gabaldón Venegas

UNA IMAGEN VALE MAS QUE MIL PALABRAS,   EL TOMAR UN ELEMENTO SIMPLE Y TRANFORMARLOES ARTE Y  ES A MI FORMA DE VER ,TOCAR UNA REALIDAD QUE  MUCHOS LLAMARAN FANTASIA, LA POLITICA Y LA PROTESTA DE UNA IDEA ES  Y DEBE SER (PARA TODO ARTISTA) UN SENTIDO DE DESCARGA EMOCIONAL QUE DA POR ECHO UN "ALGO QUE ESTA SUCEDIENDO"EL ARTISTA DEBE SER TESTIGO DE SU TIEMPO,ES UN CRONISTA EL CUAL REGISTRA LA ACTITUD EMOCIONAL DE UNA CIRCUNTANCIA QUE EVOCA UNA REALIDAD Y LA TRANSFORMA EN PROTESTA, INDEPENDIENTEMENTE SI SE ES DE IZQUIERDA, DERECHA ,ARRIBA O ABAJO DEL QUEHACER POLITICO DE DONDE LA IDEA EMERGE Y SE TRANSFORMA. BLANCA AMELIA DEJA EN ESTA OBRA UN LIJERO SABOR AMARGO DE UNA VIVENCIA QUE AFECTA SU SENCIBILIDAD PLASTICA,DANDO POR SENTADO UN ECHO QUE SEGUN LA OPTICA DEL OBSERVADOR ASI SERA SU LECTURA, ESTO DEMUESTRA UNA VES MAS QUE EL ARTISTA NO ES EL QUE MEJOR PINTA SINI EL QUE MEJOR PIENSA,Y SI SUCITA CONTROERCIA, ENTONCES YA NO ES UNA SIMPLE DEMOSTACION DE UNA TECNICA , ES EL REGISTRO ,EL CONCEPTO DE UNA REALIDAD TRANSFORMADA POR Y PARA EL ARTE.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-11-21 00:00:00

Título obra: lucha - - ANRI

La representación mimética ha desaparecido por completo y ya transitamos en otro orden, en otro escenario diferente, aquel que nos aproxima a un paisaje que no tiene ninguna referencia.   El espacio se puebla de una luminosidad que transmite caricias a nuestra mirada, la definición cromática se hace sentir en nuestro ánimo, lo aéreo de estas formas produce una ingravidez empírea. Es un marco de tonalidades suaves, vaporosas, casi evanescentes, que multiplica el caudal de sensaciones, de sosegada sensibilidad y de sutil creatividad, que nos incita a ver más allá, a recrear continentes, islas, territorios en los que la luz, esa luz que emana del fondo, nos calienta y nos incita al sueño. No hay tensión, hay placidez, no existe caos sino armonía, equilibrio y belleza. Su simplicidad es compleja y su estructuración, minuciosa. Se puede uno hasta querer aventurarse en ella, observar como se sigue moldeando, como esa impresión de movimiento que nos depara es real, pues su estructura está compuesta de un tejido celular que nunca se detiene, que siempre está en un permanente proceso de transformación. Ese es su fondo, el de nuestra propia materia.

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