<span style="FONT-WEIGHT: bold">Con un sin comentarios a mi me vasta.</span><br />Podría llenar este comentario de adjetivos de extraordinaria dimensión, Pero hay obras que tienen algo que a uno le dejan sin palabras, Su visión enmudece al observador, Podríamos hacer comparativas o hablar de la vida en su color, dejaremos este trabajo en manos de aquellos que tienen el don de la palabra y la crítica. Con un sin comentarios a mi me vasta.<br /> Vean y enmudezcan con su visión.<br />Si pudiera le dedicaría la mejor pared de mi casa.
Esta artista extrae esos cuerpos de debajo de la tierra, no sé si para ello abre tumbas o descerraja féretros o simplemente se trata de enterrados que estaban desaparecidos. El caso es que nos los trae e intenta que esa osamenta desconyuntada nos hable desde lo más frágil de su constitución porosa antes de que se convierta en polvo.<br /><br />Imágenes que nos enfrentan con lo que consideramos que no somos nosotros, que son espectros pasajeros que algunas noches llenan nuestras pesadillas. Pero de lo que no nos damos cuenta, es que son contumaces y que forman parte de nosotros mismos, son las apariciones de nuestro espíritu, ése del que siempre hablamos y nos inspira, mas del que nunca hacemos uso pues desconocemos su función y finalidad.<br /><br />Y esa contextura, aunque de espaldas y en escorzo, no deja de hablar, de advertirnos, de plasmar el rito de un destino que ya es inapelable. Nuestros ojos siguen cada una de esas articulaciones, que solamente son sabiamente sugeridas, y a medida que nos deslizamos por el tronco hacia las extremidades inferiores se van quedando en nuetra retina lo fugaz, lo efímero, ese espíritu que no sabíamos lo que era pero que ya está muerto.<br /><br />La creadora, implacable, no nos permite otra opción que la visión de nuestro ocaso. Lo plástico se ha transustanciado en existencial y viceversa. Aquí ya no hay comunión sino desolación. Y lo peor de todo, desamparo.
La actividad plástica latinoamericana siempre nos está sorprendiendo y en ese aspecto no deja de guardar un cierto paralelismo con ese famoso "boom" literario que en los años 60 dio lugar a al realismo mágico.<br /><br />Algo hay de cierto ello por lo que vengo observando de los distintos pintores de esas tierras y que cuelgan en esta página, sin que por ello llegue a conclusiones definitivas pero sí aproximativas: no se trata de establecer ninguna tesis, ni mucho menos, sino de declarar que la creatividad estética que se detecta en muchísimos de los artistas de estos territorios desvela la doble dimensión que tiene lo visto desde lo real que mide y pesa nuestros pasos y las calles cuando doblamos las esquinas, muchas veces sin verlas, y lo imaginario desde, no la irrealidad, sino otra realidad, la que se condensa en un mundo que se confunde con el sueño, la utopía y la otra mirada. No se trata de surrealismo, ni de simbolismo, ni del pensamiento cartesiano europeo preguntándose siempre por sí mismo, intentando que la forma sea nuestra razón de ser. <br /><br />No, se trata de agarrar la leyenda y el mito de los que forman parte y hacer otra vida con ellos. Se quieren mover en coordenadas de otras existencias, las auténticas, ésas que llevan siempre máscaras que sirven para reconocernos, para centrar nuestro devenir en la satisfacción y consumación de una sensualidad y un goce por encima de falsas quimeras, de éxtasis sin cilicios, de encuentros turgentes.<br /><br />Este pintor representa esa epifanía, quizá la magnifica demasiado y comte ciertos abusos, pero nos ofrece una imagen que a su vez se convierte en palabra y ésta a su vez se transforma en la luz que habla y nos deja con la vista mecanografiada en el lienzo. <br /><br />
ZAKO. Obras de gran impacto visual,donde el recorrido a la memoria se hace presente en cada forma y contenido;de gran oficio el moldear la malla metálica y construir la referencia al gesto,al movimiento,a la acción de la mujer,del hombre en un tiempo y un espacio.
Felicitaciones a Zako,r,a,v,m,
<br /><br />Orlando Arias, dentro de su robótica nos presenta una obra sugerente, equilibrada, donde la estética en sus manos es música y la creación es poesía bañada en color, donde el mensaje se deja secuestrar por los materiales para que cobren vida los elementos que el pintor hace habitar en los planos, sin escatimar al imaginario los caprichos del óleo que en pinceladas cortas pero seguras se deja llevar como olas en un mar de colores, donde pródigo hace danzar a su pincel en su cometido. <br /><br />Obra llena de misterio, donde la escena la protagonizan tres robots dialogando delante de un túnel oscuro, que se asoma cuando la luz se distrae en su dominio, escena que delata una conspiración de los robots a no se sabe qué, quizá maquinan el asalto a la ciudad, mientras ésta ajena se pierde a lo lejos recortando el horizonte, o quizá planean invadirla cuando duerma, cuando la luz se apague, cuando se ahoguen los colores que le sirven de muralla y que ex profeso el pintor colocó cual ínclitos guerreros para defender la idea. <br /><br />La robotización es un problema actual, como actual es la propuesta del pintor, si se tiene en cuenta que la sociedad se robotiza cada vez más y ante lo cual, el arte no puede quedar indiferente, por lo que Arias Morales, aborda el tema con valentía negándose a la automatización, dejando que su imaginación tome alas y su impronta se deje llevar en una pincelada segura, para que las formas se alíen con el color, para que su aporte creativo se haga arte. <br /><br />A Orlando Arias sólo me queda decirle, ¡qué colores!, ¡qué maestría!, ¡qué dominio del oficio!; su buen hacer y su aguda imaginación, le llevan a crear obras frescas, innovadoras, un nuevo mensaje; dejándonos entre manos una nueva propuesta, su robótica, que la deja volar con un aire vanguardista. <br /><br /><br />
El acrílico adquiere la funcion de escritura plástica,<br />el papel soporta el peso de la pincelada,<br />la oscuridad en un principio lo baña todo,<br />apareciendo un mundo laberíntico como si de una ciudad se tratara y una gran rotonda blanca(pètalos) con puntiagudas esquinas defendiesen la fuente de la vida,el gran Sol,el sentir,la emoción,la emotividad que en esta tierra de artistas bañamos con agua y luz desde cada rincón .consiguiendo que los tonos grises(asfalto) se conviertan y transformen en hojas verdes.<br />ATENTAMENTE<br />Manuel Mata
En casi un año de ver las imágenes de sus obras uno respira un andar muy interesante, sus descubrimientos pictóricos invitan a descubrir su mensaje. Ello es grato y enriquecedor. Los elementos prehistóricos presentes le dan un profundo impacto a la percepción , y uno tiene la sensación de conectar con el espíritu de quien creo la obra. Muy interesante.
Arnold Quintero, en esta obra onírica, nos presenta un mundo de sueños, un escenario futurista, en el que su personaje espera en una estación que llegue el tren que viene a lo lejos agotando la distancia que se resiste a su encuentro, mientras él gira la cabeza hacia la máquina, impaciente, como queriendo decirle que se tarda, que su demora sobre los rieles se pierde a una ciudad que duerme soterrada a oscuras mientras espera, quizá, porque la espera no es otra cosa que un vuelo a la esperanza para retener sus sueños, para que cuando despierte, la realidad que es la vida misma, desenrede su madeja para que sus sueños se encuentren, en alguna estación de tren, en algún sueño. <br /><br />Para ello el pintor, embriaga de sueños a su pincel, llevando a su personaje a una estación de espera, de encuentro, construyéndole trazo a trazo un universo, a mitad entre la ciudad que se refugia en un plano más abajo, -su inconciente, sus recuerdos-, y el cielo abierto, donde florece la esperanza, el amor y los sueños, sin más límites que el infinito mismo. <br /><br />En la soledad de la espera, su personaje no está solo, con él hay dos burbujas, y dentro dos relojes marcando cada uno una hora, -6.15pm y 2.15pm-, dos trozos de vida, recordándole dos momentos, para que nunca olvide, que hay momentos que se llevan atados al corazón para siempre. <br /><br />Por si sea el último tren el que espera, lleva hecho su equipaje, una pequeña maleta donde lleva las vivencias que su corazón no olvida, recuerdos llenos de vida y un único pensamiento, por si el amor que él espera, viene en el tren que humeante traquetea, que se acerca, viene en el tren que él espera. <br /><br />Qué sola está la ciudad ocultándose tras la noche, parece haber dicho el poeta, para que el pintor dibuje los sueños dulcificando la espera, alborotando su paleta para que tomen vida los colores, para que sobre la ciudad que viaja sola, su trazo seguro y certero alce un mundo futurista, donde las formas revelándose a las leyes de la física, configuran un universo de espera, un universo de sueños, cuyo misterio sólo será revelado cuando el tren llegue, trayéndole a su personaje, ese palpito que espera, un soplo de vida para continuar su viaje; quizá es sólo amor lo que espera o quizá es sólo un sueño. <br /><br />Enhorabuena al pintor por presentarnos obras maduras y equilibradas, que no son fruto <br />de la casualidad, sino fruto de su talento y su trabajo. <br /><br />
Hermel Orozco en esta ocasión, como si fuera un escultor de emociones ha ido plano a plano tamizando con su espátula el volumen, separando con maestría el vacío de las formas, para dejarnos la sensación de haber esculpido un sentimiento, una escultura en el lienzo, que hay que palpar con la imaginación mientras se recrea la mirada. <br /><br />Esta obra despojada del artificio, de lo superfluo, no nos distrae con cantidad de elementos innecesarios, vasta una habitación vacía que le presta al personaje un rincón para hacer un ovillo su desnudez, para aislarse de lo exterior, para abstraerse en su mundo, en una actitud ensimismada de aflicción, o quizá retrotrayendo su fuero interno a su mundo primitivo, germinal, de ahí, que busca la posición fetal, para encontrarse así mismo, volviendo al origen, a la postura inicial en la que estamos cuando nacemos, para ordenar el laberinto al que le han conducido sus pensamientos, sus pesares y sus tormentos. <br /><br />La destreza en el manejo de los elementos nos revela que el pintor tiene oficio, de ahí, que atrapa sin tanta parafernalia un estado de ánimo con tres colores; pero acapara nuestra atención la atmósfera en la que el personaje ancla su mundo, no dejando indiferente al espectador el hecho de estar sentado en el suelo cabizbajo, atrapado en su tristeza, sus preocupaciones y su vergüenza, abstraído del entorno, que no repara que su refugio, la habitación que le sirve de universo espacial, tiene una salida que está a mano, con una luz que se ofrece, recreando el verde esperanza, el esplendor del amarillo oro y la paz en el azul celeste, colores que resplandecen ajenos a su mirada. <br /><br />Felicitaciones al pintor por su excelente trabajo, exhortándole que siga haciendo florecer en su pincel lo esencial, las emociones del ser humano. <br />
MI CRITICA ES EL DE ALEGRARME QUE ESTOS DIBUJOS,ROSTROS SIN IDENTIDAD ADQUIERAN EL PROTAGONISMO Y EL NOMBRE QUE SE MERECEN,TODOS TENEMOS UN NOMBRE Y UNOS DERECHOS!!! LA TINTA DA LA SOBRIEDAD Y PERSONALIDAD A LA SERIE Y TEMÁTICA QUE ABORDA.LA ORIGINALIDAD, MOVIMIENTO Y ENCUADRE DANDO LA INFINITUD A UNA SERIE CARGADA DE REFLEXIÓNES.<br />EN MI TRABAJO SOBRE LA VIOLENCIA DE GÉNERO COMO PSICÓLOGO SE TRABAJA CON MUJERES Y HOMBRES DESPROTEGIDOS.AFORTUNADAMENTE LAS PERSONAS,LA SOCIEDAD E INSTITUCIONES SE HAN UNIFICADO CONSIGUIENDO QUE LOS NÚMEROS O ESTADÍSTICAS ADQUIERAN LA DIMENSION DE HECHOS REALES PARA ABORDAR LA PROBLEMÁTICA AMPARANDO,PROTEGIENDO,ASISTIENDO HUMANA Y PROFESIONALMENTE TANTAS FAMILIAS DESATENDIDAS. <br />SERIE PERSONALIDADES DEL HOMBRE..<br />FELICIDADES,RAFAEL!!<br />ATENTAMENTE<br />MANUEL MATA
En la obra de este artista, especialmente en la acrílica y parte de la digital, se advierte la primacía de la inmensidad dentro de lo que podíamos considerar un ideario postromántico, o por lo menos, a mí me lo parece.<br /><br />Las líneas tal altas del horizonte que se repiten en el conjunto de su trabajo abren un espacio sublime, incluso crepuscular, como un reflejo del yo, un yo que quiere estar siempre inmerso en un proceso de liberación, proclamarse autónomo y soberano, libre de angustias.<br /><br />Y por otro lado, la tenue suavidad de la gama cromática pone de relieve ese cosmos subjetivo que pretende integrarse en lo maravilloso, en lo fantástico. El tiempo se ha congelado en un momento indefinido, de la tierra se levanta una montaña/faro/símbolo de eternidad, y también sentimiento de la soledad del hombre en su infinitud. <br /><br />Pintura donde el componente espiritual tiene una honda dimensión, una estructura que conjuga contenido y forma sabiamente, lúcidamente, que se dirige a nuestro yo más íntimo para obtener la mirada que se evade hacia esos vastos infinitos, los mismos que se plasman y hacen realidad nuestros pensamientos. <br /><br /><br />
Nos encontramos enfrente de la fotografía de una gran obra de arte. Digo obra de Arte,por varias razones:La primordial,LA AFECTIVIDAD lo que la pintora sintió y experimentó en el momento en que vivió el acontecimiento.<br />El cuadro representa con creatividad una dinámica relación con la naturaleza,la MARIPOSA vuela y se superpone con perspectiva, adquiriendo un primer plano lleno de LUZ Y VIVACIDAD.Desde la libertad emocional ya que no es copia e integra con ayuda la confianza que tiene de su propia capacidad.Tenemos que aprender mucho de esta pintura expresionista.<br />Felicidades MARIAROSA!!!!!!<br />Atentamente<br />Manuel Mata
<br /><br /><br />Al mirar esta obra de Daniel Claver Herrera, parece que nos adentramos en un universo lleno de misterios, un mural donde dos grandes cruces blancas se alzan delante como vanguardia para el imaginario de quien las contempla; un universo recreado con un cromatismo de contrastes que resalta lo matérico, avivando los enigmas de su lenguje, y que el autor nos invita a descubrir. <br /><br />Estas cruces se yerguen uniéndose por un mismo brazo, dejándose ver, imponiendo su presencia, cobijando pequeños símbolos, que guarecen delante de un fondo marrón que nos sugiere un muro de tierra por su color y su textura; donde destaca la destreza de un potente trazo que somete a la materia, que acentúa lo corpóreo en su insinuación gracias a la textura de polvo de marfil. <br /><br />Como fondo, al centro en lo alto, la composición nos sugiere un paraíso perdido en una arboleda ensombrecida por el color negro, que deja poco sitio a la claridad del blanco que se resiste a perder su espacio vital en el ángulo superior izquierdo, delatando la infinitud de la escena. <br /><br />Debajo de los brazos laterales de ambas cruces, llaman la atención, entre otros signos dos pequeñas cruces, una en color blanco y otra en color negro, que parecieran adherirse a la pared, advirtiendonos su presencia, como si quisieran dejar testimonio en la mirada, un mensaje, para que se vea, para que se lea, que trasciendan el tiempo a pesar de su pequeñez; una iconografía, un desafío para la imaginación. <br /><br />Se aprecia también, en la composición, símbolos en color rojo, que sumado a lo dicho, nos conduce necesariamente a hacer reminiscencia al maestro Antoni Tapies, quien, igualmente incorpora materiales y signos con estos colores en sus obras. <br /><br />Claver Herrera, reinventa su pintura para que florezca el arte, con sus signos, sus colores, su buen hacer y su concepto, apoyándose en los materiales, para componer versos matéricos en sus lienzos. Felicitaciones y mucha suerte.<br />
En estos tiempos que corren, en que todo se robotiza, en que la máquina sustituye al hombre, haciendo que sea prescindible en un mundo de humanos con el pretexto de que es más rápida, más precisa, más fuerte. El hombre en una lucha desigual, trata de imitar a la máquina y actúa como un robot, deshumanizando su comportamiento, dando origen al hombre robot, al hombre máquina y como tal a una sociedad robotizada. <br /><br />Arias Morales con su robótica nos deja una buena muestra de que el arte sigue vivo, que aunque parezca que en la plástica todo está hecho, hay artistas como él, que crean obras destinadas a trascender el tiempo, como ésta, en la que nos recrea a un grupo de robots humanizados conspirando contra lo humano, o bien podrían ser humanos investidos de robots conspirando para dominarlo todo. <br /><br />En medio de estos robots, un mundo nuestro, un mundo humano, donde la línea por su geometría sigue de lejos los linderos del cubismo picasiano, y el trazo nos lleva a vestir los planos con una pincelada segura, equilibrada y eficaz, donde tienen cabida todas las gamas de colores, para que la composición tome vida en la iconografía del universo del pintor, “La Robótica”. <br /><br />La atmósfera en esta obra es una hermosa explosión de color, diría más bien, una sinfonía de colores, donde el pintor no escatima nada a su imaginación, subiéndose en el vuelo de su pincel, para dejar que éste busque el duende de la creación, para que los pigmentos encuentren su sitio en el lienzo, para que la belleza vaya de parto en su encuentro con el color; sin duda arte, arte puro. <br /><br />Orlando Arias, nos hace una propuesta nueva, innovadora; en esta obra sencillamente genial, nos introduce en un mundo donde los robots son los protagonistas, pareciera advertirnos que estamos dejando que la máquina gobierne nuestras vidas, o bien, que los humanos nos estamos robotizando tanto, que vamos como máquinas. <br /><br />Enhorabuena al pintor por su excelente trabajo, que además de estar técnicamente muy logrado y llevar al color a su máxima expresión, permite al observador adentrarse en la obra y hacer una reflexión de lo robotizados que vamos por la vida. <br />
No es una obra fruto del automatismo psíquico, está bien ideada y planificada. Incluso hay unas referencias mítico-teólogicas, un propósito de utilizarlas en otro escenario, lo que se hace patente en la construcción geométrica que rodea a las figuras en contraposición a un techo plagado de formas inquietantes y que quieren dar un mayor realce a los protagonistas que se encuentran en el centro del plano.<br /><br />Hay una utilización del color en complicidad con una perspectiva que conjuga el tridimensionalismo para hacer más eficaz la representación, la cual también toma indicios alegóricos en un ámbito visual que busca intencionadamente el artificio.<br /><br />Existe la determinación por parte del artista de mostrar una escena extraída del acervo religioso en un marco futurista remarcado por las formas y volúmenes espaciales en los que supuestamente se representa (¿alusión a un imaginario de ciencia-ficción?). Incluso el dúo que es el objeto primordial es ambiguo por cuanto el personaje masculino, con su ropaje, simboliza un enviado del cielo, mientras la figura femenina, en pleno trance, vestida con una túnica transparente, puede ser una Eva invertida.<br /><br />En definitiva, obra que con una técnica muy depurada, un tanto artificiosa, nada espóntanea, despliega una magia imaginativa, que tiene el riesgo de limitar con el preciosismo en su ansia de atraer y buscar el aprecio del espectador.<br /><br />Es preciso esperar a ver más obras de este autor para comprobar si realmente su trabajo se construye sobre la base de crear un mundo plástico original y sólido, en el que el equilibrio y la coherencia le proporcionen la hondura que necesita.<br /><br />Se puede muchas veces triunfar con grandes cualidades solamente técnicas pero normalmente carecen de espíritu y son amaneradas.
En este artista confluyen elementos que pertenecen a distintos planteamientos de orden plástico: el fuerte cromatismo a lo fauve pero mucho más controlado y moldeado, las formas angulosas que caracterizaron a los expresionistas y las asimetrías picassianas, incluso esos remolinos vangosianos.<br /><br />La efigie es antiparnasiana, anticlásica, es su contrapartida, la que surge de una visión feísta, la que nos desnuda con una mirada que se condensa en una geografía de la mortalidad.<br /><br />La expresión facial es un mapa que a través del color nos va revelando su propio paisaje interno, el de que la verdad y la mentira dejan un rastro de patetismo que limita con la aspiración de una belleza que es imposible que sea comprendida si no se va más allá. También es posible que ni lo pretenda.<br /><br />En el retrato siempre se trata de ir configurando un símbolo, unas señas, una marca, simultáneamente a lo que paralelamente ha de ser su arquitectura, que no es línea sino óvalo, elipse, curva, ángulo, hasta llegar a la fusión total: a un mundo convulso, desasogado, deshumanizado, le corresponde una estética que deshace la armonía y la belleza en la que estaba anteriormente soportado.<br /><br />Frecuentemente estos retratos no sabemos como interpretarlos, como encajarlos en nuestro repertorio de imágenes, pues subconscientemente atizan nuestras angustias y ansiedades, nuestro conformismo y aceptación. Pero si llegamos adentrarnos por la ruta que nos proponen, tendremos la oportunidad de apreciar la gran verdad que reside en ella.
Buen enfoque, colores captados, luz, con contrastes a la vez...
Miles de expresiones por definir semejante OBRA DE ARTE.
No todos los artistas tenemos la capacidad de captar el momento y trasladarlo en el lienzo, es el poder, el sentido, algunos tienen la suerte de nacer con ello.
Una obra de arte y especialmente el paisaje no se logran con pocas telas pintadas, ni con pocos pinceles gastados, hace falta mucha paciencia y dedicación por lograr un buen paisaje. Aquí es donde entra Llorenç Danés, no hace falta que nadie nos diga el tiempo y años que lleva dedicándose en el paisaje, solo tienes que contemplarlo un momento.
El paisaje de Llorenç Danés no te lo tienen que explicar, dedicando unos minutos a analizar el color y la pincelada, para ver así, que respetando la técnica de los mas viejos paisajistas, e, incluso llegar a mejorar algunas cosas, se logra una obra de arte de un simple paisaje.
El filósofo francés Jean-François Lyotard decía que los pintores después de Cézanne se preocuparon POR PONER A LA VISTA LO QUE HACE QUE UNO VEA Y NO LO QUE ES VISIBLE.<br /><br />La obra de Diciero es una evocación a través de la luz y del color, que ilumina rincones y dentro de ellos las formas de unas presencias, de unas formas que en abanico conforman partículas abisales, marinas, cuevas profundas, estallidos vegetales fósiles.<br /><br />Es una pintura que muestra lo que no se ve más que en el viaje de nuestra mirada por los dominios de una dimensión de la realidad que se nos hace irreal, fantástica, prodigiosa.<br /><br />Es como sumergernos y penetrar en la representación de un mundo que ennoblece nuestras referencias y sometimientos a lo real. <br /><br />Ambitos de placidez y de emoción nos envuelven y llegamos a la conclusión de que se trata de una textura táctil, sensorial, que inunda nuestro sentido de la percepción y del tacto, que facilita el entendimiento de lo que se capta más allá de nuestras limitaciones.<br /><br />Y además es una obra que se retroalimenta a sí misma, se funde en múltiples espacios que se regeneran en cada lienzo.<br /><br />Un trabajo modesto pero interesante. <br />
Esta obra nos remite a una ya tradicional tensión creativa, entre la definición y la indefinición. La misma artista nos desvela su preocupación, cual es el que le sigamos en el proceso de construcción desde el momento en que se enfrenta a la superficie del lienzo. Empieza por establecer un fondo intemporal coloreado desde el cual emergen unas borrosas figuras. Ahí se origina ese conflicto entre la abstracción informal que solamente quiere ser una mancha de color uniforme con la introducción de una figuración que abre el espectro cromático y de representación. Al final, plantea que la integración, la unidad es la culminación de esa formulación.<br /><br />Incluso utiliza la perspectiva para destacar un significado que tiene lo plano y el color como protagonistas de una interlocución que procura un equilibrio entre lo lejano y lo cercano. La verticalidad del cuadro desconcierta porque se aprecian distintos niveles que señalan el recorrido visual pero también la carga de signos que nos quiere transmitir. <br /><br />En pleno siglo XXI es lógico que nos hagamos eco de lo que fueron ensayos, resultados y trabajos de las distintas vanguardias del siglo pasado, son la base sobre la que estructurar nuevos códigos y hallazgos. Pero también constituyen los argumentos de dudas, de indecisiones, de múltiples rumbos. No se quiere repeticiones, se persiguen innovaciones, nuevos imaginarios. Y sin olvidar la espontaneidad y la cultura de la mirada que se esconde y está latente en los auténticos protagonistas: los artistas. Aunque en muchos aspectos la pintura ya es un producto primordial del espíritu o la mente. No es un alarde de nuestros sentidos.<br /><br />Esta artista y muchos de los que cuelgan en esta página se esfuerzan en la lucha con métodos, procedimientos y repertorio, manteníendonos expectantes. Otros ya se han decantado según su capacidad, habilidad y penetración: su camino e impronta domina su quehacer, ya establecido (se puede decir que se ha producido la unificación entre lo exterior y lo interior).
Obra de gran impacto visual, se ve a una mujer solitaria sin ropa, que parece desnudar su alma ante la mesa, y como únicos testigos sus zapatos de tacones rojos, compañeros de mil batallas en su día a día; escena sometida a un expresionismo implícito, donde la protagonista desnuda su alma a solas y en silencio, donde su pesar y su vergüenza no es su desnudez, sino, quizá la desesperación o el laberinto de sus pensamientos que la atormentan, el peso de su conciencia. <br /><br />La composición, austera, un personaje que parece haber sido esculpido con escoplo, una atmósfera que retrata el desespero, que perturba al pensamiento, nos deja al descubierto a una mujer abatida, sentada en el suelo sobre sus piernas y reclinada sobre una mesa a falta de un hombro en quien apoyarse, donde con un brazo cubre su rostro para ocultar su dolor, su pesar y con la otra mano se cubre la cabeza en señal de recogimiento ante tanta soledad. <br /><br />Obra revestida de una enorme carga emotiva, donde podría verse a una mujer que nos esté recreando un cara a cara con la pobreza al estar desnuda y descalza, pero no, la presencia de los zapatos de tacones y su color rojo, es un mensaje oculto de su realidad, que nos sugiere que se trata de una prostituta que está ahogando su grito callado en su lucha con la soledad; atrás queda lo efímero del éxito reflejado en las escaleras que se pierden a su espalda, a lo lejos en la oscuridad. <br /><br />En esta obra, que nos recuerda las mejores épocas del expresionismo, Hermel Orozco, con pocos elementos nos recrea las sensaciones más íntimas de su personaje, atrapando en una burbuja un sentir, un estado de ánimo, al mismo tiempo que arriesga al límite en la composición, el trazo y el color; aquí rompe la perfección de la forma en la recreación del cuerpo y sublevándose a lo académico, transgrede el sentido natural del color de la piel, un color que no es puro, que está en la frontera entre el gris, azul y violeta, quizá porque la mujer se siente así, impura en lo más profundo de su ser. <br /><br />Excelente interpretación de un tema poco abordado y una muestra diferente y personal del arte expresionista que practica este talentoso pintor de América Latina.
H. Rousseau fue el pionero de un movimiento que en su día recibió el nombre de "ingenuismo". Desde su mente transmitía al lienzo una calma y una voluptuosidad en contraposición a la representaciones convulsas, cubistas y abstractas que en ese momento dominaban la escena pictórica europea.<br /><br />Este artista, dentro de esa tradición, pero desde una perspectiva que se origina en ese entorno que él quiere recrear, erige, con esa magia del color, un cosmos floral y animal que solamente contempla vestigios del hombre. <br /><br />La luz deja que el color sugiera y construya ese silencio que habla desde su inmovilidad hacia nosotros, y desde un paraíso que ya no se comparte, pues su visión es una realidad que no se somete al presente, que está más allá.<br /><br />Este pintor tiene la habilidad y la capacidad para mostrarnos, al modo de un retrato de familia, la síntesis de una geografía que es también una alegoría romántica y hasta simbólica de lo que pudo ser y nunca fue. Por eso nos la trae y lo hace con el fin de que nunca dejemos de disfrutar con su contemplación, pues entonces, y ahí puede estar la clave, nuestra voluntad y determinación será un tanto más estética que ética.
A partir de Alberti, en el siglo XV, los teóricos de la pintura intentaron codificar los modos en que las figuras en la composición podían ayudar a expresar el significado total de una imagen pictórica reflejando sus sentimientos particulares. Leonardo y muchos otros, hasta el académico francés Charles Le Brun a finales del siglo XVII, dedicaron ímprobos esfuerzos a reflexionar sobre la cuestión de la expresión facial, los signos externos que señalan los movimientos del alma, haciendo visibles los efectos de la pasión.<br /><br />Traigo a colación esta introducción a cuenta de esta magnífica obra de Carlos Blanco, cuya expresión no está referida a significados sino a sentimientos. <br /><br />Pero quizás lo primero que tenemos que apreciar es el orden compositivo, su centralidad y a partir de ella, girando, el mundo muy propio de él, el que crea a partir de la curva, de la órbita, del círculo, de la espiral y la vuelta, hasta hacer fluir los símbolos icónicos de las emociones, ésas que reflejan soledad, tristeza, amor y muerte. No hay rectas, destrurían el marco conceptual sobre el que se construye la iconografía. Huye de lo convencional de la belleza, de arquetipos, de las perfecciones inmaculadas, para mostrarnos, igual que Picasso, que nuestra naturaleza ha nacido con signos de vejez y extinción, y por eso, su belleza se encuentra en el rostro de su propia fragilidad y miseria.<br /><br />Pintura del tiempo del fin sobre el tiempo de la angustia. Es nuestro retrato y un momento perenne de nuestra historia plástica queda grabado. ¿Serán nuestro odio a la mortalidad? <br /><br />Fascinante.<br /> <br />
<p>La imagen estalla y la pintura se convierte en creadora y destructiva en un mismo tiempo.<br />La mirada de la guerra es de dolor.<br />Pinceladas punzantes que manifiestan tensión contenida e indignación.<br />Felicidades!<br />Atentamente<br />Manuel Mata</p>
<span style="font-weight: bold;">satisfacción en la pincelada</span><br />Africa abstracta, un buen título para una buena obra. Es un placer ver crecer la obra de Margarita María. Y más cuando nos obsequia con un cuadro como este.<br />Su alma le regalo esta imagen para poder ofrecerla a nuestras pupilas. En ella se respira la satisfacción de haberla creado y ello llega.
<p>Rafael quiere entender el mundo!!!<br />Su obra se hace participe en ese deseo de EXPRESAR ,<br />autenticidad,sensibilidad,visión,pensamiento,pasión,amor,...<br />el arte se convierte en parte de su teoría que es una serie de dibujos y esculturas abstractas acerca de la PERSONALIDAD de su relación con un amplia muestra de personas,hechos y acontecimientos de su vida para explicarlo plásticamente.<br />Critico al critico plástico, al artista creador de ensueños,al filósofo sin palabras,al pintor sin colores,al escultor de nubes,al criticón que todo le parece mal,al que calla,al que cree que todo está creado,al que parece que no tiene pasión ,al que no deja respirar al de al lado,critico al que no se hace preguntas como: ¿quién soy? Todos formamos parte de un engranaje y todos somos necesarios para que esto sirva. Mi crítica parte del más profundo respeto Y COMO DICE UN COMPAÑERO ARTEURGENTE,REFLEXIONURGENTE.<br />Felicidades, Rafael Piedehierro!<br />Atentamente<br />Manuel Mata<br /></p>
Decía Julian Bell que, con frecuencia, en nuestra imaginación la narración en la que vive una figura es más importante que el espacio que la habita.<br /><br />En este caso, por el contrario, el espacio, su envoltura vaporosa y volátil, es el que nos introduce en la esencia del icono. Enfatiza la dimensión irreal de la que emerge, hace que su estatuario perfil, casi hierático, conforme una disposición misteriosa, una efigie que delicadamente asoma para conturbarnos con una presencia entre la magia y la ensoñación.<br /><br />Bien es cierto que hay una depuración de formas y modos renancentistas en la concepción, un homenaje a ese tiempo en que la pintura se hacía carne, pero al mismo tiempo un deseo inequívoco de perfilar otro imaginario, que no es tanto una evolución en el tiempo como una interrelación de la experiencia estética con la materia de los sueños.<br /><br />Es una obra muy lograda, con las tonalidades propias de un fresco romano, produciendo con ello un contraste entre lo que estaba y lo que ahora se descubre. <br /><br />Es pronto para saber si el desarrollo de esta resolución pictórica nos deparará más emociones aunque no cabe duda que ya recorre ese camino. <br /> <br />
Aparentemente es el retrato de un ente o incluso de un ser, vendado y metalizado su busto y entrecruzado por miles de venas y vetas, del que buscamos signos, es decir, cosas que nos miran mientras nosotros las miramos. Tenemos necesidad de conocerlos por amor, miedo, odio, soledad, compañía, deseo. Y en este caso tratamos de dilucidar el misterio que hay detrás de esa máscara, ¿o es que es así?<br /><br />Su creador define bien los contornos gracias a la facilidad y flexibilidad que permite el dibujo y utiliza una modulación abstracta en blanco y negro para no revelarnos más que aquello que considera imprescindible, pero también, en el marco de esa composición organizada por tensiones horizontales que dan posición y fuerza al rostro vertical, nos presenta una alegoría: la que de que el sujeto que nos observa y hace de espectador es ese ente que nos contempla a través de esas ranuras en forma de ojo. Se han invertido los papeles. Nosotros somos su objeto, sobre el que ejerce el dominio de su secreto, el que reside en nuestra falta de conocimiento sobre él. <br /><br />Subyuga y al mismo tiempo desconcierta y desasosiega ya que no podemos asegurar su humanización, y también puede ser fruto de un delirio que ha creado un robot de madera y metal con visos de predicción amenazadora.<br /><br />Quizá el artista modeló lo que vino a su subconsciente y no se preguntó sino que reflejó su resultado. Hasta podría ser él mismo, su autorretrato, visto desde sus tinieblas; o la faz de un Cristo todavía vivo en la cruz.<br /><br />En definitiva, obra muy interesante que augura una serie a tener en cuenta.
La obra de esta artista queda retratada, con mucha anticipación, así hay que reconocerlo, por Leonardo da Vinci, cuando dice:<br /><br />" Si observas algún muro lleno de sucias manchas o en el que destacan piedras de diversas sustancias, y si te propones idear un paisaje, podrás ver allí, sobre ese muro, las imágenes de distintos países, ornados de montañas, peñascos, árboles, llanuras, grandes valles y cuellos de múltiples formas; podrás ver allí, todavía, numerosas figuras de batallas y de rápidas acciones, extraños aspectos de rostros y actitudes, y otras infinitas cosas que podrás integrar en formas de arte".<br /><br /> Y apostilla Cirlot:<br /><br />" Queda en estos conceptos expresado el sustrato del que parten, plásticamente, las formas posibles; la numerosidad del movimiento, la gris articulación caótica de la que puedan emerger, si el espíritu decreta la ordenación, la claridad de las formas vivas".<br /><br />Creo que no hay que añadir más. O sí, que estamos ante una metafísica de la materia que siempre se está preguntando por la perennidad o por la misma eternidad. <br /><br /> El conjunto de la obra es una muestra que se abre y cierra en si misma, no da otras alternativas.
En la línea del vorticismo y del orfismo se encuentra el núcleo de esta obra. El color como la materia pura, lo que define el ámbito sensorial de un un dinamismo que vibra, que logra un ritmo donde la forma es la idea, donde el concepto quiere ir más allá de lo que el lenguaje determina.<br /><br />Esta estructura estilística se genera como un ideario en que el espacio tiene una vida de referencias tonales, de letras que se expresan con gamas y pigmentos, que mutan el lenguaje hasta hacerlo sonoro cromáticamente.<br /><br />Nos dejamos envolver por las manchas, las tonalidades, intentamos descubrir dentro de ellas nuestros presentimientos, nuestras elucubraciones, nuestra mirada baila a su son y tratamos de que nuestro paisaje y entorno reales se contaminen por esta espesura de color.<br /><br />Nos invita a no cercenar, a no limitar, al contrario, hace un llamamiento a ver con otros ojos, a contemplar con otros signos, a percibir con otra perspectiva. Podría engañarnos, hay una cierta trampa que lo hace desear, pero somos nosotros, los espectadores, los que confundimos un valor con lo que representa, pues tan sólo pretende orientarnos en la inmensidad que trata de desplegar.<br /><br />Es una obra compacta, coherente y sugerente, mas también necesita una dotarle de una mayor creatividad.
Un rostro tuerto y unos miembros que ocultan el tronco, mejor dicho, lo anulan, quieren dejar constancia de que el cuerpo humano se puede convertir en una visión del horror, del esperpento, y, sin embargo, desde esas bases construir otra belleza, otro canon. <br /><br />Lo monstruoso es una fusión de múltiples elementos intangibles y tangibles, la dificultad reside en su expresión, en interrelacionar la mirada con el pensamiento, la agonía con la lucidez, y después que ese resultado ofrezca el retrato acorde con ese pathos.<br /><br />Este pintor tiene su retina fijada en la distorsión, le fascina lo que puede, con su concepción plástica, transformar con el fin de que lo que antes tenía una visibilidad convencional se presente ahora sin esa máscara. Lo oculto ya no oculta, la significación invisible de un concepto existencial se hace visible. En definitiva, es un retrato pero también admite otras lecturas, las que nos acercan o las que nos repelen. De esa contextura está hecha esta obra, diría que el conjunto de su obra.<br /><br />Siempre, en un mundo que ya parece que ha agotado todos los modos y maneras estéticos, es extremadamente penoso encontrar un hueco. Este pinor lucha por conseguirlo.
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