artistasdelatierra.com
Artistasdelatierra
Miradas, palabras y opiniones que enriquecen el arte.
No dudo del hiperrealismo que nos muestras en esta imagen de tu obra. Casi, un sin comentarios, me gusta su composición,laberinto auditivo centrado, ataduras, presión de sentimientos externos, dificultad añadida a la complejidad del laberinto espiritual. Como Lusewicz quedo a la espera de más obras.
Estamos ante una pintora que confiere a las sugestiones líricas del color el marco de su representación, la cual está impregnada de un fuerte idealismo con algunas de las características que dieron vida y formulación al romanticismo: pasión por lo sublime, por lo maravilloso, por lo fantástico.<br /><br />La clave para apreciar el conjunto de su obra reside la singularidad de su plasticidad, de una evocación poética de la realidad que más penetra en su interior, ya sea paisaje urbano ya sea una naturaleza que nos impone por su belleza y majestuosidad.<br /><br />Esta plasmación de lo que sus ojos sueñan y moldean y su mano ejecuta, se basa en ese enamoramiento de la belleza, en ese idealismo que a través de esa tamización cromática, de esa tonalidad etérea, atrapa un paraíso de formas que construyen espacios cercanos y al mismo tiempo lejanos, que al contemplarlos los vivimos de otra forma, con otros ojos.<br /><br />También concurre en su trabajo el peligro de caer en el preciosismo, en una idealización trivial, evanescente, que podría obstaculizar incluso impedir que los valores que pretende tomen la dirección de esa caligrafía mágica.
Artista versátil y sutil, Orozco introduce el espacio como la medida de nuestra angustia, de nuestra limitación; la geometría desnuda se hace omnipresente, es el gran hermano que metafóricamente se convierte en la duda que nos tortura. Por eso los ámbitos donde desnudos tratamos de cubrirnos, tapar nuestro rostro, tienen esa luz que nos ciega. <br /><br />Es un pintor que a través de estas representaciones donde un ser desvestido y de longitud escueta se esconde, camina en silencio, etc., en universos vacíos, nos quiere desvelar la indigencia, el terror y la soledad a la que se ve sometida la naturaleza humana.<br /><br />Las gamas cromáticas modelan esa dramaturgia hasta imprimirle la fuerza necesaria para dotar a la imagen de su auténtica medida y dimensión, pues ese color y esa luz forman parte del caleidoscopio que se cierne sobre la tierra que es origen y vivencia de estos seres o, mejor, de este arquetipo de humanidad. <br /><br />Obra en su conjunto muy interesante, alejada de los cánones estéticos expresionista europeos, pero que ofrece una singularidad en un medio en el que esta temática no se aborda bajo estos planteamientos. Y al mismo tiempo revela serenidad y equilibrio, no desmesura. Nos llega de puntillas, en silencio, pero al final nos deja su reflexión en la mirada con la que no dejará de evocarla.
Batlles, en esta obra, nos ofrece un ejemplo de estilo: el manierista.<br /><br />Pevsner establecía que los ademanes de las figuras manieristas no se responden entre sí, sino que se repiten, lo cual quiere decir que, en vez de articularse orgánica, vivientemente, se estructuran según las tendencias ornamentalistas y, como consecuencia, se produce una absoluta descentralización motívica, en la cual la figura humana se descoyunta para acoparse a cornisas, triángulos, recuadros y medallones.<br /><br />En este trabajo podemos apreciar las siguientes características estíliticas propias del manierismo:<br /><br />- distorsión de la anatomía.<br />- miembros alargados.<br />- colores fríos.<br />- posiciones complicadas, poses rebuscadas, escorzos acentuados.<br />- desnudos.<br />- figuras comprimidas.<br />- el detalle ornamental.<br /><br />No cabe duda que ello no es óbice para percibir los distintos matices que hacen que este lienzo esté cargado de un cúmulo de significaciones que resuelven en un orden formal muy concreto una representación sobre la sensualidad, la que no necesita rostro. <br />
En esta obra hay una clara referencia a la nueva objetividad, a Dix y a Grosz, a una tendencia quer tenía una clara intencionalidad política y social. Eran años y momentos de acero en Europa los que motivaron a un conjunto de artistas a intervenir desde un planteamiento estético que entroncaba realismo, futurismo y cubismo.<br /><br />En este trabajo de César Leal, que parte de unos fundamentos similares, se propone con una simbología caricaturesca, una semblanza plástica de lo que ha sido un fenómeno presente en Latinoamérica en estas últimas décadas: el militarismo. Un perfil duro, cruel, sordo, manipulador (la lengua como arma), mantiene abrazado a su víctima, que está vendada y amordazada, inerme, que con esa corona de laurel está pidiendo la paz. <br /><br />La organización de la composición, su fuerza cromática con ese contraste verde/blanco, con dos figuras abarcando todo el lienzo, y ese primer plano, tratan de ejercer sobre el espectador la tensión que le lleva a una realidad histórica que se manifiesta día a día, a ver en esa representación una humanidad incapaz de comprender a sí misma, a unas fuerzas que únicamente saben dominar, destruir, enarbolar enseñas de guerra. Y sus víctimas. Un realidad tan cercana que no queremos verla y que esta imagen evidencia.<br /><br />Un trabajo que nos impresiona por su pasión, sinceridad y autenticidad, derivado de una maestría plástica indudable. <br />
Guennadi Ulibin, otro de los maestros que tenemos el placer de admirar en artistas de latierra. <br />La técnica majestuosa que inunda las obras de este autor hace que casi no te pares a contemplar todo el conjunto de dicha obra.<br />Realiza los metales, arena, piedras, piel humana a la perfección. <br />Nos manda el menseje persistente de la tecnología y humanidad. Tecnología y naturaleza. ¡Qué difícil combinación en la realidad!<br />La frialdad de la máquina, el mostruo de la tecnología nos domina y nos sobrepasa como humanos, débiles y desnudos ante ella. Estamos al servicio e invadidos por máquinas que se olvidan de la parte imprescindible de la naturaleza.<br />La belleza no es olvidada por el autor, que manda el mensaje que la podemos perder, si seguimos poseídos por la tecnología, si no la controlamos y permitimos que destruya lo más básico para nuestra supervivencia. Mensajes que llegan a la preocupación.<br />Por poner algún pero, Guennadi ofrece parte de su alma, su inquietud y se reafirma en sus obras. Dicha reafirmación hace que la obra en su conjunto sea un poco monotemática. Apetece ver otra parte del autor que con tanta precisión y buen hacer nos llega.
Hay artistas que buscan sus señas de identidad a la hora de interpretarse a sí mismos plásticamente en un contexto determinado. Ellas son las que les permiten volcarse en una creatividad fluida que les explica, expresa e identifica.<br /><br />En este caso y en otros muchos esa búsqueda se encuentra en los orígenes mítico-religiosos que envuelven su solar, aquél que desde su génesis les ha engendrado como hombres pertenecientes a una tierra en un momento histórico y cultural dado.<br /><br />Este pintor bucea en esta tradición, se remonta a la civilización de la que parte su mundo actual y a ese acervo colectivo, para perfilar una obra plena de hallazgos, una estética que funde lo primitivo y lo contemporáneo, lo antiguo y lo actual.<br /><br />Características como la abstracción, el esquematismo, el sentido orbamental, la potencia expresiva, conforman un trabajo visual que prende nuestra mirada, que nos obliga a no resistirnos ante la emoción de hallarnos en una dimensión cargada de color y signos que ensancha nuestra visión, que la cubre de una epifanía, que da sentido cierto a la historia de la pintura.<br /><br />Y a este respecto me atrevo también a cita a otro pintor peruano, Rafael Huaman, que también cuelga su obra en esta página, cuyos trabajos muestran una misma similitud en las bases y ejes que configuran esta obra, sin que con ello también se perciban otras diferencias. <br />
<p>AYUDAME A OLVID-ARTE es una obra hiperrealista que acaricia la mirada con valentía creadora y habla de ese PRESENTE que intenta record-arte(lo).Las palabras callan detrás de un fular bañado de pliegues e insinuantes blancos.Contorno de intimidad.<br />Eliminando los sentidos y potenciando uno de los dones de los ojos,el de CONMOVER.<br />Atentamente<br />Manuel Mata<br /></p>
Las cosas, ante el hombre, pueden aparecer en una de estas tres formas: como muros, en cuyo caso se produce el fenómeno de la incomprensión, de la angustia, de la inutilidad del objeto ante el sujeto; como espejos, lo que se da en el mito de Narciso: no tiene verdadera existencia sino el hombre, las cosas existen para ayudarle a sentirse y a comprenderse a sí mismo; o como ventanas, que es cuando los objetos adquieren existencia propia, pero sólo como puentes para un lanzamiento hacia las profundidades del ser (Cirlot).<br /><br />Pues bien, este artista nos coloca ante una ventana, para lo cual propone una obra polisémica, abierta a múltiples significados que dimanan de esa representación, que son como diagramas que subyacen a un planteamiento estético basado en las siguientes premisas:<br /><br />a) un virtuosismo técnico insuperable tomado de la visión fotográfica.<br /><br />b) un sentido de lo panorámico con una escenografía colosal, operística, que ha nacido con el propósito de impactar, de hacernos entrar en el círculo de una imágenes que despliegan una visualización fascinante.<br /><br />Sobre esa fascinación y ostentación visual el pintor establece la contraposición del mundo del ser humano, visto en su desnudez, languidez y belleza, con el planeta de la gran máquina, con su presencia aterradora, amenazadora, mastodóntica, quizás engendradora de destrucción.<br /><br />Las relaciones de esa contraposición son múltiples, pues tratan de la interconexión entre paisaje (siempre arenoso, rocoso, marino), ser humano (preferencia del personaje femenino) y máquina.<br /><br />Incluso diríamos que estamos ante un escenario de ciencia-ficción, de un ámbito narrativo que se escribe en un lienzo porque así alcanza mayores cotas de expresividad y de elocuencia. Su punto débil quizás se encuentre en un cierto exceso de espectacularidad.<br /><br />Lo que sí es cierto es que estamos ante un trabajo de gran envergadura y con una formulación estilística original. <br />
Marco es uno de los mejores pintores que podemos contemplar en la actualidad por su técnica, composición y dominio del color. Podemos destacar, el valor que otorga a la belleza y plasmarla con rotundidad. <br />Admirador de Venecia, sus paisajes y carnavales, de la mujer y de los juguetes de la infancia...todo lo plasma con un realismo y naturalidad sorprendentes, sobre todo sabiendo la edad que tiene. <br />Demuestra inteligencia y buen hacer en cada uno de sus lienzos.<br />Con respecto a su técnica sólo tenemos que aprender de él.<br />Sin embargo, su edad también le delata en la pintura. En algunas composiciones llega al abigarramiento y hace que la obra sea un poco angustiosa. Dicha búsqueda de la estética y de lo bello, pasará, cuando tenga más edad, a buscar en rincones que le de menos miedo representar. Cuando el artista meta su alma llegará a impresionar al mundo.<br />La evolución está por llegar y espero tener el privilegio de poderlo ver.
En toda la obra de este artista colgada en esta página hay una intencionalidad clara en la construcción de un lenguaje propio, el cual surge en la forma de creación de unos rasgos estilísticos con vocación de lanzar un mensaje, un contenido.<br /> <br />Son signos que conforman una semántica intimista que el creador nos ofrece para que nuestra mirada se abra a un espacio en el que converge otra realidad, emana otro núcleo de nuestra existencia, que necesita ramificarse en distintos y diversos imaginarios para poder seguir anhelando metamorfsis en la expresión de uno mismo.<br /><br />El autor trata de que compartamos ese universo plástico desde la perspectiva íntima del silencio, de la gravitación, del ensueño, pues plasma un escritura que no necesita desentrañarse sino confundirse con nuestro sentimiento hasta alcanzar otro grado de comprensión de lo auténtico.<br /><br />Y también hay magia, la que hace que ese lenguaje sea la órbita por la que se conduce nuestra mirada, repose nuestro pensamiento y navegue nuestro movimiento.<br /><br />Acierto en lo lírico, personal y recóndito de un trabajo que está tan compacto en sí mismo que tiene difícil continuación. <br />
Interesante carboncillo y nunca mejor dicho,porque tanta mirada gráficamente orientada hacia un punto, crean fuego,lumbre,abrasan por donde quieran que pasan.<br />Manifestación de calor psicofisiológico que impera y anula el rostro del Angel.Pero hay entre las cenizas,brasas.<br />El ojo izquierdo que es frio como el hielo y busca serenidad ante tanto dolor.<br />Tecnica de Imperar las SENSACINES,rompiendo lo figurativo y apostando por lo sensitivo-emocional.<br />Todas esas miradas proceden supuestamente de los más cercanos,su nucleo familiar que es para todos los artistas,críticos y en general, todas las personas,fuente de conflictos, felicidad e inspiración.<br />Atentamente<br />Manuel Mata<br />Te invito a seguir compartiendo más obras,gracias!
¿Cómo llega a fraguarse la obra de un pintor en una dirección determinada cuando sus coordenadas están muy lejos de ella, cuándo su tejido socio-cultural no debería inclinarle hacia ese ámbito estético?<br /><br />El caso de Alejandro encierra una cierta extrañeza: un hombre del trópico y de ancestros precolombinos que se adentra en la racionalidad del neoplasticismo y del suprematismo, de origen europeo.<br /><br /><br />Se mueve entre Kandisky, con creaciones donde lo improvisado y dinámico denotan la musicalidad del color, Mondrian, con su organización espacial despojada de todo aquello que no sea línea, triángulo, rectángulo, superposición, frialdad de la esencia y Malevich, ascesis total.<br /><br />No obstante, este pintor añade algo, un cierto lirismo, una poesía que se escribe con sugestivas filigranas, con flechas, rayos, motivos que parecen ser parte de las huellas de su propio entorno, el que se asienta en una recreación de la tradición indígena y americana.<br /><br />Bien es verdad que en el conjunto de su trabajo se percibe un cierto desequilibrio cuando los elementos más racionales se sobreponen a los más poéticos, a los kandinskianos, donde la libertad de la forma produce imágenes de mayor condensación, más volátiles y soñadoras.
<p>Mirian,desgarrante composición,en la que queda palpable la agresividad y la violencia del que ejecuta la acción así como la imperiosa necesidad de expresar la sumisión e indefensión del que la padece.Lenguaje Visual en el que el título de la obra queda enmarcado con lo deshumanizante,lo enfermizo.No me dispares en los Ojos es el deseo de ver LUZ. </p>
Tono y color, aire y resplandor, realidad y ficción., El disfrute de una pincelada que acaricia los ojos. La ficción se encuentra en la sutil caricaturización del color para acercarnos a la realidad, como sino podría fabricar ventanas para ser colgadas de la pared y permitir a nuestros ojos, a trabes de ellas enfocar el horizonte en la dimensión plana de un lienzo. Llorenç Danes Batlle Un pintor de la Vall de Bas, nos ofrece en su obra un paseo por los parajes de su tierra natal, De la cual poco más se puede decir después de ver como la pinta.
Baltasar Rodolfo hablaba del sentimiento esencial del atleta y el luchador, emparentado con la aspiración a una sobrehumanidad realizada en este mundo, por el mero camino de la belleza física y de la fuerza. También la obra de este escultor hay una referencia velada al impulso neopagano del Reich alemán y el realismo socialista soviético.<br /><br />Cirlot entiende que este colosalismo grandioso es el resultado de un hambre cósmica, lo que no está en contradicción con lo que representa este forzudo y la alegoría política de la que es protagonista. El soporte somboliza la isla, el territorio, y el coloso el pueblo que la habita. No hay derrota sino afirmación a través del banderín enhiesto y anclado sólidamente en esa tierra, no hay otro destino que el de una nación que no se deja doblegar, porque su fuerza es hercúlea y su determinación insobornable.<br /><br />El cíclope es rudo, torpe, voluminoso, pero férreo y monumental, tiene que dar imagen de solidez y vigor, y de una virilidad (especialmente en otras esculturas) en todo su esplendor. Y está desnudo porque es pobre. Epopeya y apología se unen para transformar la materia en idea, la forma en ideología, la creación en simbiosis.<br /><br />Constituye una estética de agitación, testimonio y convicción, no muy sutil porque su propósito es ir directo a los ojos y la mente del espectador.
Este pintor tiene claro que su obra está basa en la supremacía del color, de la forma y de la textura. Prescinde de todo elemento ajeno a esta tríada y en base a ella acomete un proceso de investigación, de depuración, con distintas técnicas (lápiz, ácuarela, digital, etc.) hasta que que el soporte fuertemente impregnado unas veces, plácidamente conformado en otras, adquiere la paradójica fisonomía de lo etéreo.<br /><br />Volutas, nebulosas, remolinos, manchas, que estructuran un paisaje emocional pero también físico, un caos de filigranas que son como reflejos de los meandros plásticos de un pensamiento en ebullición. Formas que no quieren serlo y que el color amalgama y retuerce, gritos que quieren serlo pero que se diluyen en un paraguas cromático casi sonoro. Hay notorias influencias -¡quien parte sin ellas, sin ese caudal primario!- y un hondo deseo de desmarcarse de ellas. En algunas ocasiones la densidad es tan fuerte que se transforma en una materia que envuelve la mirada en un laberinto volcánico. <br /><br />Sin embargo, todavía ese proceso de búsqueda no ha hallado el rumbo definitivo, si es que hay algo definitivo, que concilie los diversos aspectos que conjugan su obra, esa coherencia, esa complementariedad que define un grado de plenitud, un marchamo de consistencia, de cultivo de unos valores originales, propios. Ese camino de definición es absolutamemente necesario, pues permite y obliga a la experimentación, la reflexión y la sedimentación del trabajo, y es cuestión de tiempo que dé sus frutos.<br /><br />Espero que en este caso concreto no se haga esperar demasiado. <br /><br />Este es el momento que precisamente caracteriza a este pintor y su obra a la vista de lo que ha expuesto<br />
¿Cabría, ante estos intimidantes dibujos, exclamar aquel aforismo gótico: "el mundo es el abismo del alma"? Su sentido ornamental es el que nos lleva a la imaginería gótica, que según Worringer, define como irracionalidad estética, es decir, la capacidad para situarse más allá de lo que entendemos como nuestro concepto de la belleza.<br /><br />Es como si el artista, procedente de un ambiente hostil y duro, tuviese en su mente toda una fantasmagoría del horror, de la muerte y de la crueldad, simbolizada en esos animales y seres que habitan un espacio intemporal, de luchas y encuentros, de tránsitos y carreras, dibujados con un virtuosismo que los hace todavía más terribles y atormentadores.<br /><br />Modela un amplio escenario, fruto de un sentido introvertido y cuasi religioso, que tiene como fin nuestro amedrentamiento, nuestro desasiego, pero también la revelación de unas emociones y sentimientos similares a las que producían las gárgolas y monstruos de las catedrales góticas. Esa como si fuesen retablos sobre la naturaleza animal, retratos que nos dejan inmersos en un monólogo expresado con la mirada. <br /><br />Quizás ése sea una parte del infierno que buscamos y que hasta ahora nunca nos habíamos atrevido a imaginar.<br />
Para el espíritu, que ama la geometría, lo naturalista es una especie de caos; precisa reentrar en ese mundo para organizarlo según leyes estrictas, dogmáticas, rigurosas (Juan Eduardo Cirlot).<br /><br />Esta obra es un paradigma de ese movimiento de raíz europea y que tuvo en Norteamérica su continuación y desarrollo: la geometría y el color, símbolos de la percepción interior, de un esquema que lo transfigura todo, que tiende a la idea de lo puro, de lo que no necesita de lo exterior para dar cabida y génesis a una creación del espíritu.<br /><br />Ahora bien, este artista no puede ignorar una cosmovisión que formó parte de su andadura vital y estética, motivo por el cual organiza el espacio como la depuración de un paisaje vertical, el de esas cumbres andinas que inician su trazado en su ámbito geográfico.<br /><br />Podríamos decir que es un canto telúrico de fuego y lava, de humo y roca, utilizando intersecciones y segmentaciones que hagan más vibrante su perspectiva, que sedimenten en nuestra mirada el poema de la resurrección de la tierra, lo indomable de la misma y la belleza de su salvajismo.<br /><br />Geometría del color, símbolo también de una soledad marcada por la pasión. <br />
Este planeta homínido en que nos introduce este pintor no deja de ser una una iconografía desde la distancia de lo humano. Es en nuestra condición humana en la que posa una mirada entre cariñosa y sarcástica, humorística y rigurosa, lúdica y vital. <br /><br />Si esa colectividad, ya sea en grupo o individual, quiere configurarla como nuestro alter ego, seguramente está en lo cierto, pues en su desnudez y en su formulación figurativa planea y se perfila un imaginario, sólido y potente, que hace presente en nuestra retina y en nuestra mente un mensaje que se descifra plano a plano.<br /><br />Y todo ello lo arropa con una plasticidad visual que está presente en la imagen del cómic o en distintas propuesta audiovisuales que forman parte de nuestra vida cotidiana, pretendiendo con ello conseguir que la representación nos invite a una nueva forma de ver, a una estética más abierta a la conjugación de la imaginación con otros elementos, incluso infantiles, que le proporcionarán un marchamo de identidad y reconocimiento con nuestro ensueño del día a día. <br /><br />En definitiva, ese objetivo de identificación lo llega a alcanzar, no hay duda, pues su obra, desnuda de toda aquello que no sirve, que es redundante, se nos hace muy cercana, nos dibuja nuestra contemporaneidad de seres humanos con sus dudas, sus alegrías, sus juegos y su tristeza.<br /><br />
Una obra que por su espléndida plasticidad nos roba la mirada y tensa nuestra imaginación.<br /><br />Un habitáculo, una muralla, una fortaleza o un incluso una catedral que como un resplandor nos encontramos en un paisaje cósmico, crepuscular. Al adentrarnos, nos quedamos desolados ante el vértigo de lo que son sólo ruinas.<br /><br />Unos antecedentes cifrados en la técnica y composición de un Max Ernst pero una visión que se nutre de su propia dimensión greográfica, de esa naturaleza llana y árida del altiplano con la versatilidad y la luz del trópico.<br /><br />Pero al mismo tiempo es un destello para dibujar una arquitectura que emerge de la oscuridad, que sirve de faro aislado en ese páramo de negritud, y también de símbolo de lo que hemos construido y dejado morir.<br /><br />Como toda obra, está inacabada, requiere ir esbozándola con trama agrietada, estructurándola para que se convierta en el muro inmenso de nuestra necrópolis. Sencillamente es un elemento funerario iluminado por un sol calcinante que nos castiga con las huellas de nuestra sangre (rojo) y la pérdida de nuestra fertilidad (verde) y la agonía en la oscuridad.<br /><br />Gran talento para armonizar y ensamblar, así como recrear espacios donde nunca se agota la mirada. <br />
Godiño es una pintora de seres y personajes. Con una paleta dúctil, sensible, refinada, quimerica y no agresiva, esboza unos personajes/seres intemporales, cuya corporeidad no tiene una concreción física ni temporal, son parte de un imaginario fantástico que nos sirve para descargar melancolías y tristezas o ansias y deseos.<br /><br />Es un mundo flotante, tal como los fondos de color no los hacen ver, donde se representa la existencia de lo que se gesta en nuestra mente, ese delirio conmovedor que de vez en cuando nos ataca y en el que tratamos de reflejarnos, de conciliarnos con nuestros anhelos de encontrarnos con otras realidades, sin darnos cuenta ni percibir que esta obra ya nos las está extrayendo de nuestra fantasía para hacerlas vivir y compatir nuestra existencia. Al fin y al cabo se trata de mirarnos a nosotros mismos con otros ojos. <br /><br />Obra que no tiene otra dimensión que un pensamiento plástico destinado a materializar con esos recursos la magia de la pintura, del arte, con el fin de que sea una forma más de plasmar nuestra inquietud, que podamos visualizarla en otro ámbito y con otra ordenación. <br /><br />Una muestra muy apreciable y muy sincera.<br /><br /><br /><br />
Hasta el siglo XIX el paisaje pictórico era una transcripción más o menos fiel y descriptiva de un fenómeno geográfico o incluso atmosférico. Su valor radicaba en el virtuosismo plástico y técnico para captar ese panorama. Todavía hoy se cultiva profusamente y trata de ser un reflejo de las características y singularidades de las tierras, mares y cielos de zonas geográficas, países, regiones y continentes.<br /><br />Sin embargo, a lo largo del siglo XX, el enfoque cambia, se transforma, especialmente como consecuencia del impresionismo y Turner, y se centra en tomarlo como pretexto para la consecución de otras metas. La razón es que a partir de ahora se buscan los rasgos y atributos que subyacen debajo de esas representaciones con el fin de sintentizar y esquematizar su estructura y organización, casi como si fuese un estudio geológico.<br /><br />En ese proceso se llega a dar vigencia a nuevos valores plásticos y estéticos, de acuerdo con los cuales el paisaje es una síntesis, que es la que lo cimenta en capas de color que se amalgaman, se ensanchan o se estrechan, se difuminan o se concentran, se entremezclan y se influyen, hasta lograr un conformación que nos permite adentrarnos en su densidad y emocionarnos ante una nueva realidad.<br /><br />Este cuadro es un exponente vibrante, casi melodioso, de esta nueva concepción, basada en el espíritu y no en la carne del paisaje. Incluso podemos sentir que hay una contraposición simbólica emanada de la selección cromática entre tierra y cielo que todavía hace más rotundo el encuentro de ambas masas.<br /><br />Una muestra de evidente significación y muy apreciable. <br /> <br />
Parece, por esta obra, que estamos ante un artista que podríamos definir como "sacro", por los valores mítico-religiosos y primitivos que encarna.<br /> <br /> Encuentra en la recreación del pasado, en la erección en primer plano de esos ídolos paganos y/o cristianos, de esos seres antropomorfos, un medio de expresión que nos acerque al éxtasis de lo mutable desde sus orígenes. Es de destacar que los brazos alzados de una de las figuras semeja un candelabro judío. <br /><br />Una economía de formas, de insinuaciones, de movimientos, nos quiere llevar a establecer una comunicación con nuestros ancestros o una premonición de nuestro futuro. El artista se postula como un mediador, como un visionario que descubre un templo donde halla esta iconografía, la cual, la percibe y la construye, como un simbolismo y una predestinación estética, la transforma en una contemplación que va más allá de nuestra sensibilidad, y quiere incidir en nuestra cosmovisión.<br /><br />Detrás de este universo y organización visual trasciende un intento de reintepretar lo que ha sido el origen y la vida del imaginario ancestral, de su desarrollo y de su forma de establecer esa comunicación que es al mismo tiempo la base para una utopía de la representación, la que nunca deja de consagrar nuestra necesidad de crear y hacer arte.<br /><br />Creo que es un trabajo a seguir por las cualidades intrínsecas que muestra, sus hallazgos y su voluntad de acercar el pasado al futuro.
Fernando ha querido sintetizar en un espacio tan pequeño como es una tabla todos los elementos de la fiesta taurina. Creo que no se olvida de nada de lo que pueda darse en la corrida de toros. La forma redondeada realiza por el público riendo y diviertíendose, los músicos en la parte central. Dicho público y músicos, los realiza en forma más grande y llamativa para que no pierdan el protagonismo que obtienen en este acto. El paseíllo en la zona central, toros y toreros por doquier en distintos momentos de la fiesta cierran el círculo de la plaza de toros.La muerte del toro y el desalojo en la parte izquierda (muy bien situado porque la parte izquierda representa la muerte).<br /><br />A parte, de tener todos los elementos, y como siempre en Fernando, darles forma para representar lo que quiere; utiliza los colores de la Fiesta que dan calor y llega a la persona que los observa. Podríamos destacar el engraneje, con elementos tan difíciles como el toro, torero, posturas, movimiento... Quizá resulte un poco claustrofóbico por el encierre del círculo y tanto mensaje dentro de él, cosa que sucede, también, en la plaza de toros real. Me parece que es una obra hecha con el corazón, con cuidado, limpieza y luminosidad y conocedor del tema taurino. Tenemos que estar agradecidos a Fernando por pensar en España a la hora de donar una obra suya.
Esta pintora, muy segura de los recursos que utiliza, nos invita a a participar de la contemplación aérea y remota de un paisaje, a extasiarnos con la visión de su belleza.<br /><br />Apoyándose en un dispositivo similar al cartográfico, pone ante nuestra mirada la confluencia de las distintas variaciones y accidentes geográficos esquematizando su formación y simbolizando a través de las divisiones cromáticas su riqueza, sus múltiples formas, sus correlaciones, casi hasta configurar su fondo geológico.<br /><br />Convierte la materia pictórica en una guía de superficie de una parte de nuestra tierra, en una estética de la naturaleza esencial que se escapa a nuestra percepción de a pie, exalta su existencia y la majestad de su plasticidad, imprimiéndole el significado de su valor para la condición humana.<br /><br />La carga visual, minuciosa, precisa, combina la gran arquitectura vertical con la horizontalidad de lo que lo atraviesa, las curvas y meandros con las formas rectangulares, además de adivinar concavidades e islas, masas y ríos, afluentes, construcciones, etc., <br /><br />Magnífica porque es una obra que, aunque brote de un hallazgo y de un encuentro en un momento de inspiración, también requiere una disciplina y una capacidad inusuales para llevarla a efecto.
Juan Diego depura la materia, no quiere obstáculos ni mediaciones, la inserta dentro de la iconografía abstracta del expresionismo abstracto americano de los años 50, fundamentalmente de Pollock.<br /><br />Busca recrear la naturaleza desde esa base y en concreto el entorno de su isla, y lo quiere hacer en un plano a través de la acción, tensando y dinamizando trazos, gestos, líneas, chorros, hasta configurar un soporte que toma la forma de un mural cromático, que quiere ir y extenderse más allá del lienzo. Es una naturaleza que no puede controlar, que se desborda, que persigue el éstasis y hasta la tragedia.<br /><br />El artista ejecuta con exasperación o calma y gestualiza con el mismo ritmo con que la manifestación de ese icono exterior se va desarrollando, además de que sabiamente entrelaza, rasga, diluye, mezcla esos elementos que se desencadenan y que han de formar parte de esa visualización. <br /><br />Se percibe una relación íntima, terriblemente individual y subjetiva, entre la materia, la luz, el color y la tierra. El hombre ha desaparecido porque su propia presencia, dada su imperfectibilidad, rompería este magma cósmico.<br /><br />Ahora queda el siguiente paso, que espero que siga sorprendiéndonos. <br />
En este momento en que Humberto está exponiendo en Madrid es el más apropiado para una reseña de su nueva obra, proyecto que sin dejar su impronta personal y artística, la que le es propia y le define, va a nuevos estadios, aquellos en los que su relación con una forma de concebir configuran un imaginario más sugerente.<br /><br />El color sigue siendo el mediador de un universo onírico y fantasmal de unos habitantes que se agitan en la penumbra, que dialogan y se enfrentan, se odian y se aman. No son ámbitos de realidad distintos, no nos engañemos, cuando los contemplamos nos contemplamos a nosotros mismos en un medio físico y geográfico determinado, aislado porque es una isla metafórica y real en donde vive y percibe la fuente de la que emana su trabajo. <br /><br />Nos deja esos habitantes con sus símbolos, con una densidad cromática, con escenarios entre la fantasía y lo fantasmal, pero que son presencias, no sublimaciones, de lo físico, corporal u orgánico. <br /><br />No hay una ruptura de la percepción sino un procedimento plástico para descubrirnos en otros que son nuestros dobles, pues no se trata de un mundo exterior sino del mundo interior de nuestra fantasía e imaginación. No quiere una visión exterior, desea que estas superficies pictóricas estén ya y se depositen en nuestro interior pues alientan vida y consolación.
<p>En Rosario Rebull hay que destacar la diversidad. Se encuentran obras muy complejas como otras muy sencillas. Unas con mensaje y otras simplemente dando rienda suelta a la belleza. Lo que es indudable que su obra llega al espectador por su colorido, composición y mensaje implicito. Quizá la diversidad de obra sea también su defecto porque no ha afianzado una línea continúa de trabajo. Parece, que sigue en la búsqueda, que le llene algo para repetirlo. Estoy convencido que la encontrará.<br />En su obra Paseando por la Ciudad, Burkas, En el Parque, y Sombras del Colorado empieza a verse una madurez más profunda.<br />En las obras de corte más ingenuo no deja de tener gran creatividad. Trasmite fuerza, impulsos libres, modestia, alegría y buen hacer.</p>
El artista, en este cuadro, al contrario que Lucio Fontana, que introduce tajos o agujeros, esculpe hacia afuera de la tela pero sin perder contacto con ella, unas pequeñas muescas de alambrada, situándolas en la parte superior del lienzo con el fin de que la mirada no tenga que hacer un esfuerzo para visualizarlas. El resto es un espacio plano y monocromático que acentúa la racionalización que se pretende. No se introducen luces o colores que puedan derivar en una evasión sobre el objeto central.<br /><br />Este trabajo invita a la reflexión no a la contemplación lúdica, no la permite, no hay punto de fuga. La mirada queda absorta y no especula con sensaciones sino con la penetración en la alegoría o simbolismo. Estimula la participación del espectador, espera que él aporte una visión.<br /><br />Hay un gran esfuerzo en interrelacionar el espacio, la dimensión y el contenido, plantea una solución compositiva inteligente y acorde con la plasmación de la idea. Y con ello no le resta dramatismo, al contrario es lo que le da al final su significación y su pertinente concepción metafísica. <br /><br />