Portada · Artistasdelatierra

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-20 00:00:00

Título obra: ABSTRACTO EN AMARILLO DOS - Denise Atal

Actualmente la libertad del artista es total, ya no hay cánones miméticos y la realidad exterior no dicta sus férreas condiciones. Por  consiguiente, a principios del siglo XX surgieron las tendencias que descartaron el espacio ilusionista tridimensional para introducir abstracciones, fragmentaciones cromáticas, líneas, manchas flotantes, etc., y enfocan su objeto hacia la génesis de formas que establecen su propia realidad o que simplemente dan a conocer otra constitución de las cosas. Fiedler plantea las formas artísticas como formas de conocimiento del mundo que nada le deben a la imitación. Este artista, en este lienzo, epígono de otros muchos precedentes, formula la representación en términos de construcción estática, sin dinamismo, sin vibración, geometrizando el espacio a través de trazos horizontales, verticales y diagonales de casi un mismo color, como un signo metafísico o cósmico. No intenta guiarnos hacia una transformación o una metamorfosis, sólo le preocupa captar una esencia, un esquema resumen de lo que considera un cuerpo en reposo, mortal, una radiografía de nuestra naturaleza, mezclada con la materia con la que se hace la propia pasta de la tela.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-19 00:00:00

Título obra: Serie Originals - Gemma Gineste Fournier

Esta artista ha optado por circunscribir su pasión pictórica por una síntesis, más allá de eso, por una ascesis que conjuga desprendimiento y soledad. Los colores tienden a difuminarse, las formas se quedan en signos y soportes de las manchas tenues, que dibujan la esencia de una vivencia que no quiere hacerse presente de forma manifiesta sino velada, tímidamente. Hay espacios blancos, grises, donde parece producirse un vacío, y hay otros que dividen y desglosan las intermitencias de un pensamiento o de una emoción. Síntesis a través del lenguaje del color sobre un plano que antes no tenía biografía y ahora ya tiene una experiencia que reflejar y ofrecer a la mirada. Esta artista no está descubriendo sino guiándonos por una historia de soledad, una percepción de su propia duda interior, siendo su propósito una revelación que nos atrape sutilmente en ese juego de color. Espero que en este caso no le pase como a Cézanne, que siempre se estaba quejando de los resultados obtenidos, y libere y depure su lenguaje hasta hacerlo suyo por completo, si eso es posible.

Críticaricardo alipio vargas mantilla - 2007-02-17 00:00:00

Título obra: mundo magico - Maria Aminta Henrich Nonone Warmy Kullay -Perú

2007.02.17 MUNDO MAGICO realmente mágico,símbolo y atmósfera entre cielo y tierra,un universo por pintar,una tierra por sembrar,el lejos afuera es de las cosas que se permiten los artístas plasmar en su plástica personal activa con dedicación y tono,salut MARIA AMINTA.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-14 00:00:00

Título obra: Laberintos de Luz 2 - Carlos Fuentes

De la obra de este artista, además de destacar su sentido refinado del dibujo, me interesa destacar esa sensación de caos que nace de esta casi atomización de la representación. Previamente a la ficción hay una mancha blanca que este autor descubre como una vivencia del vacío, de la soledad, razón por la que llena todo el espacio, sin dejar un resquicio, quiere celebrar una alegría compartida con el mundo que puebla su imaginación, un mundo en blanco y negro para resaltar su pureza y su temporalidad. Al dibujar, bosqueja un simbolismo cóosmico muy anclado en la raíz de su geografía y en el exorcismo de su destino en la historia de su pueblo, desea lograr la expresión de una totalidad, ansía más espacio para plasmarla, fenómeno que experimenta todo creador muralista, del que este pintor es heredero y con una vocación irreprimible. En su proyección, se da en cierto modo aquello que Cirlot sustentaba: " los más sublimes esfuerzos que la humanidad ha realizado proceden de la necesidad de resolver la contradicción entre la estructura forzosamente racional de la organización cósmica y su vastedad infinita". Sinceramente creo que está desarrollando una producción encaminada a conseguir frutos muy apreciables si no cesa en la recreación de una imaginación libertaria.

CríticaToni Batlles - 2007-02-13 00:00:00

Título obra: Remolino de emociones - Sara Diciero

Las emociones son algo grande, como grande es la obra de Sara, Las emociones mueven al mundo y su obra hace tambalearte, te empuja hacia atrás y hacia delante probocándote un zarandeo obligado para poder  leer. escuchar, y emocionarte al ver sus cuadros. Es fantástico tener ojos para poder ver la naturaleza que emanan sus obras y oído para poder imaginar su sonido.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-13 00:00:00

Título obra: BAILARINES - MARÍA CRISTINA FALERONI

Contemplando este lienzo, no me resisto a insertar las palabras del pintor Van Doesburg que definió el elementalismo, que también fue llamado neoplasticismo: " No basta que el pintor de hoy piense en colores; es necesario que sea color, que se transforme a sí mismo en cuadro. Esto es lo esencial. Sentirse color quiere decir: llevar en sí mismo toda la gama de los colores, no como un tesoro, sino como una cruz. Desde el punto de vista "forma" basta con un solo elemento, pues la composición ha dejado de ser lo superior en pintura y también la personalidad, que en la era de la construcción es un obstáculo. Nada es más peligroso que la fantasía. Es preciso pintar siempre contra el propio temperamento. La mejor obra es la que no revela la mano humana". Este ejemplo, ya muy ideado, modulado, ejecutado por las vanguardias renovadoras del siglo XX, nos lleva a ese delirio del color, a esa gestualidad del trazo dentro de un fondo vertical fuertemente impregnado que es el telón del escenario de esta obra. Efectismo y esteticismo comparten tela y formulación, fenómenos que se hacen ostensibles cuando se trata de la aparición de epígonos que nos sirven de ilustración respecto a la dualidad invención/imitación.

CríticaFERNANDO RODRIGUEZ ROJAS - 2007-02-12 00:00:00

Título obra: Nicte - Christian Wiedersheimi

He visitado tu galeria y me agrada lo que he visto, que bueno seria que estos colores fantasticos y figuras se llevaran a un soporte por medio de nuestras manos y pinceles con un acabado perfecto como el de esta obra. El Arte digital lo asimilo como un proyecto o busqueda hacia la realizacion o tratar de realizar con el Arte tradicional hermosos trabajos, de color y forma,mas no como un suplente de este, pues se perderia el verdadero valor que se obtiene, o la sensacion que nos embarga cuando realizas con tus propias manos lo irrealizable. No quiero decir que no este de acuerdo con este tipo de trabajos, pues hoy dia tenemos acceso a esta clase de herramienta y seria retrogrado no aprovecharla cuando se tiene una impresora que puede imprimir con 12 colores, y con la union de estos colores se pueden obtener mas de 50 millones de combinaciones y no necesitas ser pintor para lograrlo, ademas en computador puedes dibujar sin ser dibujante,como con lapices de colores y esto le abre la posibilidad de hacer arte y ser Artista a quien le provoque hacerlo, ya que el Arte digital no es exclusividad de nadie, solamente debes comprarte un ordenador. Este trabajo me parece interesante y genera cierta satisfaccion tanto al "artista digital" experto en realizarlo, como al espectador cuando se ve lo que se acaba de imprimir, y mas satisfaccion da cuando son trabajos creados o inventados por este "artista digital digital dandole un toque de originalidad y autenticidad. Bienvenida sea la tecnologia y con ella el "arte digital", siempre y cuando no  nos aprovechemos de esto para clonar, copiar, o imitar obras ajenas sin el debido permiso de sus autores. Escogi esta obra: "Nicte" porque esta envuelta en un halo de misterio, se pueden imaginar diversos tipos de cosas con ella, desde un aire de violin hasta una torta decorada con chocolate, felicitaciones.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-12 00:00:00

Título obra: LABERINTO DE OXIDO - TATIANA Melo

Se contraponen dos perspectivas, dos planos, el primero introduce la pasión por lo esquemático y uniforme que se sucede en una horizontalidad de espacio y tiempo (¿simbología de la humanidad?). Por lo tanto debemos deducir que la autora, ligada al espíritu de la tierra, a la remembranza de aquellos castros celtas, a nuestros ancestros, nos quiere hacer viajar por la simetría que nace en nuestro propio cerebro (¿hacia nuestros orígenes?), que se vierte en un laberinto deshumanizado -no se ve a ningún ser humano, lo hace desaparecer-, cuyo final es un especie de obelisco, altar y represesentación de la divinidad. ¿Interpretación de una historicidad en marcha hacia un futuro sin vida, sólo la desnudez geométrica de paredes? Detrás, en ese segundo plano, se avista borrosamente otra geografía, otra naturaleza, otra historia. No nos deja más que intuirla, presentirla. No hay concatenación, solamente ruptura. Nos acerca una realidad para alejarnos otra. Hay una cierta subversión estilística que quiere aunar movimiento, horizonte, infinitud, en el intento de establecer claves al espectador, de dirigir su mirada hacia el centro para después hacerla retroceder en una visión de conjunto. La tenue densidad cromática seduce y anima al ojo a ir más allá, a reflexionar con la mirada y la mente, a alojar el mensaje en la dimensión que la pintora cree que le corresponde. No obstante, no deja de ser un planteamiento afortunado que exige una mayor capacidad de recursos para acometer un desarrollo más consistente y válido.

Críticaricardo alipio vargas mantilla - 2007-02-11 00:00:00

Título obra: YELOW AND BLUE - John Heijink

2007.02.11.YELOW AND BLUE.Todo un carro en la maestría de pincel y grafía que enlaza pemsamiento,forma y contenido plástico de una Obra muy bién expuesta,muy bién trabajada con el conocimiento de por qué y para qué se pinta,donde el artísta se reconoce como tal.Excelente Obra.r.a.v.m.

CríticaToni Batlles - 2007-02-09 00:00:00

Título obra: Ultimate Organicae - Guillermo Peter Hohloch

El espacio, un lugar para crear o el lugar del creador, El paralelismo en pintura de la nada es un lienzo en blanco, el del espacio el fondo, el de la creación la forma, el de Dios el Artista, La grandeza de ser artista, es la capacidad de un ser en sacar la expresión de su Dios interior al exterior.  Y cuando esto sucede el primer sorprendido del resultado extraído suele ser el individuo que ejecuta la obra, para luego sorprender a los demás. La obra de Guillermo Peter Hohloch, tiene mucho de todo ello. Y diría que es un ejemplo del  ADN de la técnica comunicativa visual. Parece estar buscando la forma que pueda conectar su cosmos con el espacio cotidiano.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-06 00:00:00

Título obra: - FREE REALITY OF PRISONS - Marcelino González

Las distintas corrientes y tendencias del siglo XX siempre han encaminado sus pasos a través de la representación de grandes espacios y dimensiones, tratando de abarcar lo más posible el fenómeno que construían. Esta obra nos introduce, por el contrario, en un microcosmos, que practicamente se genera a si mismo, conforma partículas que declaran ser organismos de una existencia más monumental. Estas estructuras multicolores, alargadas, cuadradas, rectangulares, convergentes o divergentes, dibujan la materia esencial de lo que constituye el núcleo  del objeto plástico; pululuan, navegan o viajan por el líquido amniótico, se debaten por dar forma a su propia vida. Parece que el artista trata de crear su propio código, establecer su íntimo credo, formular un lenguaje que desentrañe los secretos más recónditos de la génesis, un discurso en el que veamos sintetizado este proceso desde la perspectiva del ideario estético.  El proyecto es ambicioso y los resultados desiguales, apuntan  hacia ese objetivo, nos transmiten esa preocupación, vemos atisbos del ámbito en que se mueve, pero no llegamos a convencernos de que está ahí. No obstante, puede conseguirlo, es cuestión de ensamblar más estrechamente cualidades, pretensiones y claridad.

CríticaToni Batlles - 2007-02-04 00:00:00

Título obra: MOMENTS (Momentos ) - CONXI PUIG

Hay momentos y momentos este es simplemente fantástico, Que  se le puede pedir más, a un momento, ¿Textura? se ve, ¿Color? se toca, ¿Creatividad? la comunica, ¿Tiempo para disfrutarlo? Lo tiene.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-02-01 00:00:00

Título obra: LA TOMA - FERNANDO RODRIGUEZ ROJAS

En este lienzo hay tres aspectos a considerar: a) una cualidad plástica que se construye de acuerdo con las técnicas de comunicación de masas, es decir, trata de identificarse con los hábitos perceptivos del espectador mayoritario. Se trata de utilizar los recursos cartelistas (similares a los cinematográficos), las imágenes rotulistas, letreristas, eficazmente, para desarrollar un sólido contenido representativo. b) una cualidad simbólica por cuanto el recipiente contiene información, transmite comunicación y promueve significados. Existe o ha de existir una interrelación de signos que en su metamorfosis se sintetizan para crear una visualización válida, cuyos valores queden a la vista y no puedan relativizarse desde una supuesta ambiguedad. c) una cualidad funcional, relacionada con los efectos del mensaje, tanto a escala individual y colectiva. La composición, que podemos encuadrarla dentro de un realismo de significación social, nos depara igualmente un medida visión entre primeros planos y un segundo plano crecido, simbología de la amenaza de lo vertical (el ente destructor impávido dando la espalda al horror del que es autor) sobre lo horizontal postrado (destacando una desnudez joven, pletórica, en plena vida, y a su lado la vejez, la ancianidad)  yacente, frágil, o lo que en dimensiones más reducidas está en movimiento porque huye, corre, intenta salvarse. Mujeres, ancianas y niños, no son elementos que estén al azar, son los más indefensos. Sin embargo, los elementos señalados en el apartado a), al mismo tiempo que enfatizábamos su acierto por su efectividad, permite cierta desvalorización de la obra porque le restan, por el formato de consumo que ha utilizado y  por su tratamiento frecuente como emblema propagandístico, cierta autenticidad y verdad, pero no por ello deja de ser un intento de testimoniar una realidad contemporánea tan cercana al propio autor.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-31 00:00:00

Título obra: Un profundo sueño - Mónica de Silva

Decía Vicente Aguilera Cerni aquello que todos intuimos en el instante de fijar nuestra mirada en el arte: "es de todo punto imposible que el espectador perciba la obra de modo químicamente puro (en cuanto estricto objeto estético), ya que la presencia del dato descriptivo (de un testimonio objetivo de la realidad) activa en él procesos perceptivos e interpretativos inseparables de sus propias experiencias, vivencias emocionales, convicciones ideológicas, etc." Conclusión: que en el caso de esta pintora, en la que la pura y limpia subjetividad es su filón creativo, se establece una relación directa entre el resultado y la infancia que quiere volve a revivir. Nos lanza imágenes y representaciones que abonan esta tesis, basada en la ingenuidad y en una escenografía que nos invita a penetrar en ese mundo de la infancia poblado de fantasía. Es importante destacar una composición cuya gama cromática, muy bien delimitada, por sí ya nos introduce en el núcleo de ese universo, cuya representación no está cerrada sino abierta al espectador para que él la complete con lo que fueron sus ensueños y quimeras de entonces. Quizá pueda considerársele una obra más ilustrativa ligada a la literatura infantil pero no por ello pierde su aura de inocencia y tampoco pretende trascender más allá de estos límites, simplemente trata de hacernos compartir y disfrutar del mundo que le es propio.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-29 00:00:00

Título obra: PANDEMIA - MIGUEL ANGEL GELVEZ RAMIREZ

La actividad artística, para ser auténtica, requiere una indagación, una inquisición constante, sobre la realidad que nos abruma. El artista se encuentra inmerso en una sociedad que pide respuestas a un presente que no tienes otras que la pobreza, el hambre, la violencia o la miseria.  Y esa interrelación entre conocimiento y verdad, entre responsabilidad y arte, deviene en el ejercicio y la definición de una estética personal que afronta la angustia y la desnudez de uno mismo bajando hasta los últimos rincones de ultratumba. Este pintor bucea en ellos y después sube para relatarnos, a través de su visión, su forma, su morfología, en suma, la representación de una pesadilla que el vigor de la representación obtenida nos estalla ante la mirada, donde el blanco y el negro actúan como factores de retralimentación de la imagen, símbolos de la figuración moldeada a base de una deformidad física y moral,  matriz de su propio destino.  Este autor, además de estar dotado de excelente recursos técnicos, es valiente, y apuesta por trasladarnos a sus horrores, que también son los nuestros, nos atrapa sabiendo y entendiendo que las contradicciones de la condición humana, claves para ir más allá de la superficie de la propia obra de arte, nos obligarán a interiorizar y a procesar una revelación en principio irresoluble.

CríticaCarlos Salvador - 2007-01-26 00:00:00

Título obra: camiseta

Camiseta. Hay expresiones artísticas que sorprenden por su originalidad, esta es una de ellas. Parece como que no sería posible exponerla fuera de una galería, Ya que adquiere la dimensión de instalación, pero personalmente no dudaría ni un segundo en dedicarle un rincón de mi casa. Un aplauso a la originalidad, un bravo al ingenio.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-26 00:00:00

Título obra: Dolor del caos interior - Angel Pahuamba (Morelia ,Michoacan,Mex.)

Pintor nacido en Michoacán, donde se celebra la mundialmente famosa fiesta del día de los muertos, expresa en su quehacer artístico aquello que afirmaba Vicente Aguilera Cerní: "el valor originario de toda obra humana pertenece tanto a la ética como al conocimiento. Lo demás -la estética y compañía- viene después". Pues bien, en este trabajo se funde un deseo de abrir a nuestra mirada y a nuestra consciencia el tiempo histórico presente, el deseo de conocimiento, con un ejercicio de trasposición de estas barreras hasta construir y concebir otra realidad: la postnuclear (ética). Semblanza trágica y dolorosa de nuestra humanidad, víctima de su propia incontinencia y de una violencia que trata de borrar los rastros, las huellas de una comunidad. Para estructurar ese mundo plástico crea una fantasmagoría entre realidad e irrealidad, una vuelta al origen, a la pintura en la piedra, en muros devastados, con seres infrahumanos señalando la irracionalidad de lo que precisamente les identifica. Pintura de desesperación, de atalaya del abismo, es quizá su autenticidad la que nos hace evocar de nuevo a Aguilera: "lo que importa no es la tribuna desde la que se habla, sino la forma y el contenido de ese mensaje. Lo que importa es la seguridad de hallarse sumado a las causas justas, inserto en una escala donde los valores estéticos son inseparables de los valores humanos". En este pintor, más allá de toda axiología, se constata esta unión inseparable.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-24 00:00:00

Título obra: esas mujeres 4 - maria elena etchepare

Siempre, de una u otra forma, estamos obsesionados con nuestra realidad antropomórfica, queremos enamorarnos de nuestra propia imagen hasta configurarnos como universo de nosotros mismos. Esta pintora, a través de la utilización de un procedimiento como el collage, trata de recrear el mundo femenino, su mundo resplandeciente, el que se suscita y se conforma en los medios publicitarios y de difusión. Pero la recrea desde una visión desfragmentada, rota, dejando que los ojos, que parecen que están detrás de esas capas de color, encuentren nuestra mirada para comunicarnos su asombro o sencillamente su alienación. Crea una antítesis entre las manchas rutilantes y esos ojos, casi incrustados en orificios, que denota la imposibilidad de una síntesis, la que rodea exteriormente y la que vive internamente. Nos atrae por el choque visual que supone su encuentro y después nos desasosiega por lo que encubre. Es una obra que conjuga una coherencia anímica con una ficción externa escaparatista, que huye de definiciones, pero no incurre en el azar, ni tampoco en un ánalisis simbólico, simplemente intenta conducirnos emocional y plásticamente hacia una confirmación que vemos todos los días en nuestro entorno. Y lo hace revitalizando y fusionando recursos de antes y de ahora.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-23 00:00:00

Título obra: Senial - Daniel Rodriguez Rulli

Estamos ante un pintor de la magia, la que quiere indicar que el misterio no desciende al mundo representado, sino que se esconde y palpita detrás de él (Franz Roh). ¿Y cómo lo hace? A través de unos colores fríos, calculados, tenues, que envuelven la escena en una sedosa bruma, en unas figuras estáticas, enigmáticas, morfológicamente extrañas pero no amenazadoras dentro de una composición muy cuidadosa donde los distintos elementos convergen en ese imaginario tan irreal. Nos invita a soñar, a salir de nuestra realidad exterior para adentrarnos en nuestra realidad interior, a descansar la razón para navegar en la fantasía.  Se notan (no en vano es un pintor latino) las diferencias conceptuales y estéticas con los realista mágicos nórdicos (Cirlot) aunque sin restar un ápice a sus valores comunes, como es el ambiente brumoso, las lejanías, en este caso más espaciales que musicales, los tabúes y misterios emanados de una naturaleza prodigiosa, conformando un submundo de ensueño, inciertamente tétrico, maternal y recogido.          Es una pintura también narrativa que nos remite al gótico y a las leyendas, sin por ello abandonar lo que hoy es también una iconografía visual exhibida en otros medios audiovisuales.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-22 00:00:00

Título obra: Rojo - javier amigo gonzalez

Decía Aguilera Cerní que el impulso de comunicación y aportación se convierte en un deseo frenético de afirmación personal, de violenta exaltación egotista.  Este pintor siente ese deseo y para ello utiliza un gesto airado, una gestualidad que reivindica una forma atormentada, unos rostros deformes y crispados.  ¿Una revelación de la deshumanización o una introspección sobre si mismo y su propia creación? Lo cierto es que la fuerte expresión que impone a estos retratos -herederos de las corrientes de los años 60 y éste en concreto, de Antonio Saura- quieren establecer un nuevo signo de reconocimiento tanto social como histórico presente de un entorno humano con el que nos cruzamos todos los días y que nos obliga a cargar paulatinamente con dos ejes autodrestuctivos: la soledad y la violencia. Esquematizar, pues de eso se trata, con esos trazos la creación de un objeto plástico nos invita a reflexionar con la mirada y evaluar a través de su discurso formal un contenido que exige una llamada de atención a la disociación con nuestro mundo, a la degradación de nuestro medio, a un existir en contra de la vida. Es esa fealdad, convertida en icono estético, la que nos acosa y acongoja. Esta obra es significativa en los aspectos citados pero requiere una elaboración más ensimismada que deje de ser la continuación demasiado explícita de un itinerario ya muy concurrido. No dudo que podrá conseguirlo porque la metodología y el procedimiento ya le son propicias, conservan el ensamblaje preciso. Ya solamente le falta la exasperación precisa y la ordenación del proceso generativo.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-17 00:00:00

Título obra: la sabana mágica - ingrid tusell domingo

La obra de esta pintora es la pasión de un artista por su propio reflejo. Nace como una respuesta narcisista al espejo de sí misma. Es una evasión onírica por los éxtasis amorosos de una culminación insatisfecha en la realidad, satisfecha en la fantasía. Realismo mágico y hasta art déco podrían ser sus definiciones estéticas aunque la sombra de Klimt es tan alargada como para rastrarla en ella, bien es verdad que con otro significado. Lo realmente llamativo es que esta serialización es un continuo autorretrato, la de ella misma, la que se sitúa y se desdobla ubicándose en una segunda dimensión, la que envuelve sus sueños y hasta sus insomnios, pero también en su frustación, la que se trasciende desde detrás de esos rostros y cuerpos, que son siempre el mismo multiplicados. Y frustación que influye en la obra al trasladar una sistema de representación que destaca por su excesivo decorativismo. Es otro de sus lastres y quizás el más importante por cuanto trivializa el universo que se quiere mostrar. En definitiva, hay aspectos que imaginativamente marcan una dirección y un sentido a la construcción de una obra que tiene un significante preciso, pero juegan su papel otros que tienen, por así decirlo, una deriva perniciosa que emborronan la idea y propuesta originales.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-12 00:00:00

Título obra: Horizonte 2 - RAMÓN CASTELLANO DE TORRES

Esta obra nos remite al concepto de arte abstracto entendido éste como la pretensión de ser arte puro, absoluto, purificado de todo lo exterior. Es decir, siempre se le tuvo como una construcción introvertida que pretende una desobjetivación, una desaparición de las cosas, de los objetos tangibles, de los cuerpos. Maurice Denis decía que un cuadro, antes que un caballo de batalla, una mujer desnuda o cualquier anécdota, es esencialmente una superficie plana recubierta de colores dispuestos en un determinado orden, lo que se interpretó erróneamente como la consigna de este movimiento.  Pues bien, Pascal Rousseau afirma que el objetivo de la abstracción no será tanto la desaparición del objeto como la reivindicación de la autonomía radical obtenida por sus propios ingredientes plásticos, la línea y el color. Pero ¿en qué se apoya para que esa plasmación conmueva la sensibilidad del que mira?  Pues en experiencias de laboratorio que confirman la idea de que la reacción del individuo frente a las líneas y los colores es previsible, induciría a la conciencia a asociarlos con arquetipos emocionales. También hay otra teoría, basada en una idea platónica y simbolista, según la cual el mundo real no es más que un reflejo ilusionista de una realidad superior más esencial, cuyos signos, secretos estarían inscritos en la superficie de las cosas como si fueran jeroglíficos que el pintor debería descifrar para darlos a entrever mejor. Quizá todas esas aproximaciones sean válidas si bien lo cierto es que lo abstracto es fruto de un proceso de despojamiento de lo exterior, de un sistema de representación mimético hasta cierto punto, como resultado de la necesidad del hombre y del artista de ir al núcleo originario, de buscarlo, de penetrar en él después de muchos siglos concibiéndolo. Por eso, como en este caso, se postula la intensificación a través de la vibración del color, se busca el brillo mediante la densidad material de la luz hasta crear una superficie incandescente que nos deslumbra, que embriaga el ojo, que nos transporta por rumbos caleidoscópicos, firmamentos de lavas trepidantes. Sin embargo, después de un viaje de esta naturaleza y dentro de la ficción que supone este sistema de representación, nos queda la duda de su auténtica verosimilitud, si no es más que la cobertura adornada de un proyecto supuestamente engarzado con la esencia del hombre en su multidimensionalidad.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-10 00:00:00

Título obra: Melodias de Ensueño - Marco Ortolan

En la obra de este pintor queda reflejado más que nunca una pasión y un magnetismo: la de conservar Venecia como la ciudad que fue, la de ese símbolo renancentista que marcó una época. Pero la hace imprimiéndole un aire clasicista que tiene como base esa pulcritud técnica, casi preciosista de que hace gala este artista. E incurre en una veleidad en este lienzo, si podemos llamarla así, como es la composición en forma de collage, para que la visión del espectador reúna todos los elementos que conforman la idea totalizadora de esta etapa histórica de la pintura en esta ciudad. Si bien no hay sólo historia, hay una voluntad de estilo que comparte belleza y elegancia, que trata de ser acorde con la dimensión artística de Venecia como la de redescubrirnos lo que de encanto y seducción tiene en sus múltiples órdenes. Y que tiene algunos referentes -ignoro si conocido por el autor- como pueden ser, y son los que me vienen a la mente ahora,  el pintor italiano Natali o el otro, también italiano, Bruno Di Maio.  Bien es verdad que debemos destacar preocupaciones formales e inquietudes estéticas en el conjunto de una obra que se precipita en un exceso de esteticismo, incluso decorativismo. Pero dada la juventud del artista, no son deficiencias que no puedan subsanarse en aras de depurar esa voluntad de estilo que se antepone como guía y emblema de su trabajo.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-09 00:00:00

Título obra: Union - F M

Desde Kandinsky hasta hoy se han pintado miles de abstractos, se han definido varias corrientes que interpretan y vuelven a reinterpretar los inicios, se han formulados y reformulado otras vías de conjugación del mismo, en resumen, que ya es casi como un tratado donde se ha aposentado una versión académica y pivotando sobre la  misma miles de encrucijadas. Pero no por ello ha dejado de seguir viva esta tendencia. En el caso de este autor existen ejes que se cruzan y hasta se confunden: el abstracto sin  más y la figuración que late en el fondo del mismo. La densidad y modulación cromática nos incitan degustar un universo plástico lleno de vigor, de exaltación, de alegría y hasta de fuerza. Pero adentrándonos en el lienzo vemos como en el interior de ese mundo pululan entes, seres, que buscándose y mezclándose, consiguen imbuir en la representación un escenario en movimiento, un entramado generoso de diálogo entre las distintas formas, de encuentro del espectador con ellas y casi dentro de ellas. Parece que es el el efecto buscado: no únicamente la contemplación, también la participación, el integrarse en perspectiva global. Se palpa sabiduría en la forma de concebir el engranaje, no tanta en la ejecución de poderoso marco de ideas. Se perciben influencias, se hacen homenajes, se evocan otras ideas, sin que ello sea óbica para construir una obra personal, todavía en crecimiento, en fase de definir el momento culminante, pero de todas formas consistente.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-09 00:00:00

Título obra: Cielo - Toni Batlles

Esta es la obra de un realismo descarnado y duro. Son miembros humanos que se erigen en protagonistas, en interlocutores de lo humano. Y con una finalidad muy concreta: transmitir plásticamente la esencia de la deshumanización que envuelve su condición de máquinas, de condenados, cautivos, presos del poder. Hasta de una utopía. ¡Otra fuerza del trabajo menos! decía en Moscú una revisora con motivo de un atropello. Lo cualitativo, que es lo que identifica al hombre, se trasnmuta en cuantitativo. Ese dilema lo expresa el autor identificando como único cada brazo y cada mano pero al mismo tiempo lo multiplica, lo cuantifica, ya no sabemos quién es quién. Para el que mira es una revelación, exige un esfuerzo de introspección en el que no hay ayuda, no hay otro lenguaje, no hay poesía, sólo significación. La fuerza de la imagen nos repele y al final se conforma como una visión en que las víctimas están más cerca de nosotros de lo que pensamos. Por eso tratamosa de alejarnos. Y nos damos un atisbo de esperanza porque queremos creer que esos dedos nos señalan un futuro para los que estén vivos, una transmutación que el autor nos induce a pensar pero sin restar un ápice a la naturaleza mortuoria de esas extremidades. ¿Hay un trasfondo ideológico? Cierto, no dejan otro camino la intensidad y la dureza de esa imagen que establecen una ecuación sobre el ser humano, el poder, la libertad y  la muerte.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-01-04 00:00:00

Título obra: sin titulo - Paula Albornoz

Hay obras que con su presencia están pidiendo un marco teórico que las encuadre, las haga existir con ese desarrollo doctrinal que permita su definición e identificación como una propuesta plástica que se alimenta de una visión original. En este caso concreto, nos encontramos ante una muestra que aglutina y fusiona muchas variables, tanto coloristas como organicistas como suprematistas, incluso más (¿puntillismo?). El propósito deliberado del autor es proyectar un itinerario, un mapa que conduzca nuestra mirada por los distintos hitos en que se distribuye la masa pictórica, que juegue y se deleite con ese ajedrez que bascula de una esquina a otra en una desorganización aparente que sirve para no dejar descansar al ojo.  En definitiva, es una exigencia perceptual la que nos involucra en esta obra si bien no requiere tensión, ni fuerza, solamente el lúdico ver de una sinfonía que desgrana color y formas con la sabiduría del que tiene en su haber el misterio y la capacidad para asonbrarnos con la magia de lo que está más allá de la mera realidad monocolor.

Críticadavid huertas - 2006-12-24 00:00:00

Título obra: La caza del pulpo - F M

La dilatada trayectoria de Valde está forjada en un crisol de influencias. Kandinsky aflora en "camino a la fiesta" o el niño y la cometa"; Tambén se aprecia la pintura "all over" de  Pollock en "enjambre" o "lazos de la vida"; Al igual que Matta, Valde se mueve en los límites del surrealismo y la abstracción, aquél, porque fue el momento histórico vital que le tocó , éste por elección. Incluso el futurista Boccioni está presente en la obra de Valde a través de "el hombre caballo". Toda la obra está presidida por una cierta tensión dramática. A la disonancia cromática se le añaden algunos elementos figurativos en ocasiones aparentemente imperceptibles, como en "las miradas", pero siempre profundamente inquietantes. La caza del pulpo es una de esas obras en la que se aprecian todas esas influencias, pero ya tamizadas por la mano del autor. Bajo una aparente abstracción, el tema se presenta en la obra de una forma figurativa más que evidente. El pulpo en primer plano, agonizante sobre la cubierta, circundado en sangre. Los pescadores en segundo plano, expectantes. La perspectiva, manejada con habilidad dota a la composición de profundidad, mientras que la composición en diagonal le confiere sensación de movimiento. La sensación de movimiento se incrementa aun más con la estructura traslúcida círcular y reticular que, en primer plano y de forma velada, cubren irregularmente la superficie del cuador. En definitiva, ésta obra, aun no innovando lo hecho hasta la fecha, es un buen ensayo de lo que quizás sea uno de los caballos de batalla del arte postvanguardista, la superación entre la dicotomía figuración-abstracción.

CríticaJuan Rodríguez Vega - 2006-12-23 00:00:00

Título obra: BLUE - Juan Aponte

Juan Aponte utiliza las acuarelas en forma de manchado. Su obra retiene el movimiento y lo provoca. Su principal fuerza está en el dinamismo, ya que en las obras que no lo emplea bajan en atracción. Resuelve el movimiento porque los trazos son seguros, libres y con distintos tonos. De gran belleza y limpieza en los trazos y sombras. El colorido es suave y equilibrado dando calidad, calor o frío según los temas. Snow y blue son sus mejores obras, ganando más en la distancia que en la cercanía.

Críticaricardo alipio vargas mantilla - 2006-12-22 00:00:00

Título obra: jack on ice - John Heijink

dic.22.2006.si tú no lo escuchas no quiere decir que no este sonando,alguien dijo por ahí,el carro suena,el tambor suena,el vaso-hielo produce sonido,sonido congelado de una arquitectura que marca su territorio en forma ejemplar,arte y artísta se complementan una vez más,en lo estético-visual del mundo infinito de la buena pintura.

Críticadavid huertas - 2006-12-22 00:00:00

Título obra: INTEGRACIONISMO ARQUITECTONICO - ARQUITECTURA - FERNANDO RODRIGUEZ ROJAS

Cuando uno accede a la galería de Fernando no puede evitar un cierto desconcierto. Junto a obras complejas y expresivas, otras tienen un carácter aparentemente más simple y, hasta un cierto punto, frívolo. Este contraste tan marcado da pistas acerca de la complejidad emocional y psicológica del autor. Mientras en sus primeros trabajos ambas visiones confluyen en una misma obra, en sus últimos trabajos parece que opta por separar ambas visiones del mundo. Una buena muestra de esta última etapa es  la visión optimista y costumbrista del autor en  "las palanqueras", mientras que la visión mas pesimista y  descarnadamente  crítica, se refleja en "La Toma. A mi modo de ver, sin embargo, es "Arquitectura", junto a "Toros", la obra que mejor representan esta contradicción existencial del autor. En ella el la obra, a través de un dibujo minucioso y detallista, se conforma en una distribución anárquicamente estudiada de figuras y objetos, en una especie de caos indescifrable que recuerda en cierto modo a Escher. El caos se reordena a través por del color, color que en ningún momento rebasa los contornos del dibujo, quedantdo delimitado por  éste. La focalización en el punto central equilibra el continente frente al contenido,pero perjudica un poco esa profundida y tridimensionalidad que, aconsidero es la piedra de toque de la obra y que demuestra la más profunda complejidad del autor. La propia obra representa un cuadro, o el contexto en el que el autor se mueve, lo que es. Las figuras y el dibujo, representan lo que debería ser, lo que el autor desearía, el trabajo, el ritual de lo habitual, la construcción de un mundo. Esta visión optimista está constreñida por la pesimista realidad  y Fernando destroza el contexto de esa realidad, destroza el marco y rebasa sus límites. Éste es, a mi modo de ver, el interés sustancial de la obra, y ésta es una línea personal y característica en la que, en mi humilde opinión, deberías profundizar .

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