<p>Esta obra tiene un brillo propio, aparece como una imagen que nos alejan de este mundo, es como una imagen ilusoria. <br />Su indudable filiacion con la pintura del natural hace fortalecer la potenia estetica que poderosamente inunda al espectador. <br />En la obra de Caffa aparece la naturaleza como dialogando entre los distintos elementos y en el hay un candor que nos habla de un artista sensible y trabajador. El sueño de un mundo ideal y solitario a la vez no muestra el artista, apropiandose de una gran fantasia y alegria. Es una obra monumental donde la materia toma protagonismo y el color adquiere un vinculo con la materia espectacular, con un gran movimiento con las pinceladas logrando mayor tension. Todo tiene su propia razon y su propio tiempo. </p>
La disposición del cuerpo <br />es símbolo de unión e igualdad. <br />El amor es una actitud ante la vida. <br />El artista quiere que sintamos como él. <br />Para ello nos muestra ese abrazo tan paniagua, <br />de líneas,horizontes de respeto y honestidad. <br />Pareja en azul es un cielo despejado, <br />es una mañana de primavera donde brota, <br />el verde esperanzador del amor que da sentido, <br />a su vida,a el arte,a la humanidad. <br />Piensen que el arte no es solo ver,tocar y comprar <br />sino pensar,sentir y crear. <br />Un abrazo ,Rogelio!! <br />Manuel Mata Gil<br />Si puedes mandame las fotos! <br />ARTISTASDELATIERRA UNIDOS,CANCER DE MAMA!!!!
“La espera”, un halito, un soplo, una esperanza, por si vuelve la vida, por si vuelve el amor o el destino que aún no llega. <br /><br />Excepcional interpretación, “la espera”, una poesía fresca que envuelve sus versos en color, con estrofas que se leen en las formas y líneas que la composición nos regala con matices oníricos, un sueño, al que el protagonista se agarra para esperar su tren, él y su sueño, él y la espera; un estado de inquietud y una estación, en la que la esperanza deja volar sueños para que la vida vuelva a sonreír. Un sueño ávido de esperanza que el pintor ha recreado magistralmente en esta obra. <br /><br />En un mundo dislocado, el tren y sus rieles dialogan en silencio con quien espera, mientras ajena se asoma una ciudad sola, a oscuras, aguardando que llegue un nuevo amanecer, un nuevo día, para que los sueños en su viaje tengan luz; mientras, los relojes en su lucha con el tiempo han congelado el momento en sus agujas para que la espera ilumine con colores la flor de la esperanza. <br /><br />¿Quién no ha sentido esta sensación? ¿Quién no ha esperado alguna vez? Esta obra tiene la peculiaridad de hacer florecer la esperanza, tiene la frescura del amanecer y el alivio sereno del atardecer, los colores de una mariposa vestida de azules, la ilusión de un universo de sueños y la luz de esos días cuando la vida se detiene para confiar en el destino. <br /><br />Obra concebida con acierto de creador, “la espera”, nombre teñido de esperanza, que le da un aire poético a la composición, que genera curiosidad e inquietud, que abduce a quien la contempla, algo que mantiene viva la ilusión, donde va cautivo el corazón para que libre vaya el alma en busca de luz, para ungirse de esperanza, mientras la quietud del cuerpo al son del tiempo que pasa, se alimenta de sueños, piensa, espera, curte las cicatrices del corazón. <br /><br />Mejor no se podría pintar un sueño, “la espera”, una melodía encadenada, un canto a la ilusión, un rayo de luz en una ciudad que duerme mientras su protagonista sueña. <br /><br />Hace falta ser un soñador para regalarle sueños a la esperanza, sueños que mantienen viva la espera. <br /><br />Enhorabuena Arnold. <br />
La sensualidad de la mujer manejada por el ojo y la mano de una mujer es sin duda un toque de exquisitez y frescura. Aun cuando el rojo resulta agresivo y casi peligroso en esta composición se gesta sutilmente incitante. Cierta veladura presente logra permitir dentro de los trazos de una mano joven, el aire y permite ingresar en esa atmósfera que me remonta a lugares donde el olor del sexo y la sensualidad permiten esgrimar y acariciar tales suertes. Los ocres conjugan a bien venir un ligero y sutil contraste. Tal vez me resulta así, por la pureza con que se ha trabajado el azul en su mayor superficie. Sin embargo la violenta presencia del rojo en bruto logra mediar, aunque la línea que se resguarda en el filo del rostro me provoca un poco de ruido y ansiedad, tal vez esta tensión eran tus deseos de generar y expresar el éxtasis carnal sublimado en los bordes de la piel de una bella modelo. <br /><br /><br />Te felicito, y a mi gusto considero este tal vez se enfoca mejor a tu personalidad, un toque de abstracto figurativo que logra descifrar tu alma. .... <br />
La espesura, el aire y los volúmenes que se encierran dentro de estos ambientes logra evocar la tranquilidad, acogiendo en su profundidad donde la emoción broto al generarse esta. Irónica tranquilidad que se esboza y te absorbe al contemplarla, aun tras aquella dificultad técnica que el rojo confiere a la generación psico-emocinal. Una obra que se enmarcaría adecuadamente con un grueso marco chocolate a mi gusto. <br /><br />Sin duda alguna esta obra enmarca perfectamente su titulo, se logra leer la maduración del oficio y el encontrar tal vez tu propio lenguaje, lectura que logro al ver todo tu trabajo. Te felicito en demasía y creo haz encontrado un punto de partida para seguir trabajando y enfocar tu energía en ello. <br /><br />Felicitaciones <br />
Puerta paradoja.Escultura Plástico-Madera.130x230x12 <br />Intervencion urbana del colectivo siete puertas.Es una negacion de puerta que no se puede traspasar, en el que se puede interartuar escribiendo lo que quieras. Que acaba destruyendose y desaparaciendo cor estar sobre un film de plastico. Todo es efimero.... <br />Javier G. Vidal <br /><br />Puerta paradoja <br /><br />Si tuviera la llave <br />sería una palabra. <br />si tuviera una hoja <br />sería una cortina de agua. <br />Si tuviera paredes <br />sería un bosque. <br />Si fuera negación <br />sería funcional. <br />Si fuera poesía <br />sería escultura. <br />Si pudiera traspasarla <br />llegaría a donde quisiera. <br />Si es emoción <br />sería la puerta de mi corazón <br />ya que el plástico es la esencia <br />del reciclaje,la trasparencia y libertad. <br />130cm no es la entrada sino el soporte para reflexionar sobre la expresión,la comunicación y el arte contemporáneo en definitiva del SER HUMANO ANTE LAS ESTRUCTURAS FISICAS EN BENEFICIO A EL ENTENDIMIENTO DE LA ARQUITECTURA EMOCIONAL. <br />Felicidades,Javier! Me encanta la intervención urbana y llevar el arte a las personas,eso para mi da sentido a mi profesión como artista y la creación del movimiento 924arte Badajoz.sINFONÍA DE EMOCIONES,mANUEL mATA gIL.ARTISTASDELATIERRA UNIDOS,CANCER DE MAMA!! <br /><br />
Gran juego de reflejos sobre sombras. Aunque cambiaría el título para expresar una espera agradable, ya que la atmósfera cálida y la forma de las sombras invita a sentarse y esperar a alguien, o esperarse a uno mismo mientras se reflexiona. Aunque dependiendo de la de la experiencia de cada individuo, provocará tranquilidad, melancolía, soledad, o tristeza.
“Teoría de juego”, obra de gran impacto visual, expresionismo con cierta dosis de onirísmo para capturar lo irónico de la suerte. <br /><br />Frente a frente, cara y cruz, las dos caras de la misma moneda, un personaje obeso, grotesco, fumando, mostrándose ganador, retratando la opulencia, con varias cartas en la mano, y enfrente, un personaje con la piel pegada a los huesos, dibujando sus costillas, famélico, cadavérico, llevando a cuestas la raquítica expresión de su cuerpo, jugándose su ultima carta, la que le queda, con la sombra de la derrota en sus narices. <br /><br />De fondo la oscuridad coloreando la enigmática noche, y sobre los personajes, una lámpara que ilumina el desenlace de la escena, humo de cigarro y alcohol en una partida de póker, donde al perdedor, totalmente desnudo, se rinde e inclina la cabeza descubriendo su última carta, se le agotaron todas sus posibilidades, y como manda la jerga del juego, ya no tiene ningún “as bajo la manga”, ni si quiera tiene tiempo ni oportunidad de hacer su último “farol” para poder llevar a engaño a su contrincante. <br /><br />En esta obra, el pintor pareciera reflejar ese universo donde muchas veces los estados introspectivos se enfrentan, dos momentos que se polarizan, dos extremos de la vida, ganador y perdedor en plena teoría de juego. <br /><br />En la teoría del juego unos ganan y otros pierden, el juego se tropieza con la gloria y el infortunio en una misma partida, el juego arrastra a la suerte a depender de una carta, victoria y derrota, todo o nada. <br /><br />Jesús Vázquez, en esta obra recoge con acierto el desenlace del juego de la vida misma, dotándola de una atmósfera lúdica en un marco lúgubre de colorido y de un marcado aire expresivo en la representación de la teoría de juego. <br /><br />Excelente interpretación de esta hermosa obra. <br />
“La sortija”, título sugerente que recoge lo anecdótico del detalle para equilibrar el protagonismo de la escena que grandilocuente se impone en la composición de esta gran obra. <br /><br />Una sortija y una escena de lo más enigmática, donde una bella mujer pelirroja, acostada, semidesnuda, indiferente y junto a ella, un galán seductor disfrazado de Pierrot, enfundado en un gorro rojo con cuernecillos de diablillo embaucador, ofreciendo a la dama una tentadora sortija que lleva encastada un hermoso brillante; cerca expectante, una doncella de espaldas, de negra cabellera, deja traslucir las líneas de su cuerpo a través de su vestido, donde la mancha, generosa se vuelve transparente insinuando su sinuosa anatomía. <br /><br />Mariano Montoya, en planos superiores nos deja un realismo minucioso y preciosista, donde impecable impera el detalle, y en la parte inferior de la composición, resalta un neoimpresionismo casi abstracto por su desenfado, casi grotesco por su generoso empaste, donde el imperio de la mancha es de resaltar; donde seducida su impronta por el óleo, ésta genera el caos preciso para que revoltoso el color le lleve a hilar la idea, lo que le imprime fuerza a la obra dotándola de carácter y personalidad. <br /><br />Combina al mismo tiempo, un realismo depurado y una densidad matérica que insinúa transparentes veladuras abstraídas, revestidas en la mancha que diluye el ornamento en planos inferiores de la composición haciendo que la mimesis se pierda silenciosa difuminando las líneas en un maremágnum de un óleo generoso que se revela en su tránsito hacía lo excelso de la creación; un matiz estético que el pintor encara como respuesta al reclamo de la idea y versatilidad de la obra. <br /><br />En esta obra, Mariano Montoya que nos seduce con un realismo que se impone, se propone ir mas allá de donde terminan los limites geográficos del dibujo, mas allá de donde termina la forma y su belleza formal, particularidad que se observa en la composición, donde la forma se desdibuja y se emborrona cada vez que el trazo huye hacia los márgenes inferiores del lienzo. <br /><br />Excelente interpretación pictórica. <br /><br />
LO HERMOSO DE LA ACUARELA ES EN SI ,LA MISMA ACUARELA, ES EL LUGAR PLASTICO DONDE EL ARTISTA FLUYE TAL Y COMO ES DONDE LA FUERZA Y LA SENCIILIDAD DEL ARTISTA SE DEMUESTRAN SIN LLEGAR A UNA CORRECCION O UNA ENMIENDA. EN LA OBRA DE DAVID ES BUENO HALLAR ,QUE EL NO SE QUEDA EN LO SIMPLE , EN LO FIGURATIVO, SU VISION LO LLEVA A INMISCLUIRSE EN LOS RINCONES DONDE LA REALIDAD NO EMPAÑA LA FANTAXIA, COMO TECNICA NO HAY QUE DECIR MAS DE LO QUE SUS OBRAS HABLAN , LO ATRAYENTE LO QUE NO IMPIDE PASAR DE LARGO ES SU PROPUESTA ES ESA "OTRA CARA" , LLEVANDO SU TRABAJO COMO ARTISTA A QUE EL ESPECTADOR ENCUENTRE ESA IMAGEN DILUIDA EN EL QUEHACER DEL ARTE Y QUE MUCHOS ARTISTAS DEJAMOS PASAR DE LARGO. ALLI DAVID ES LIBRE PORQUE FLUYE Y VIVE SU REALIDAD COMO ARTISTA.
“Los amantes”, han sido fuente de inspiración de escritores, pintores y poetas, desde tiempos remotos; <br /><br />“¿Quién los ve andar por la ciudad si todos están ciegos? / Ellos se toman de la mano: algo habla / entre sus dedos, lenguas dulces lamen la húmeda palma, corren por las falanges y arriba está la noche llena de ojos. / …Los amantes rendidos se miran y se tocan / una vez más antes de oler el día…”. (Escribía, Julio Cortázar, en un fragmento de su poema “Los amantes”). <br /><br />Por su parte, Juan Carlos Ñañake Torres, en su obra “Los amantes”, le hace un guiño al expresionismo más significativo y nos remite irremediablemente a recordar a Die Brücke y Der Blaue Reiter, las agrupaciones de artistas más importantes del expresionismo que surgiera en Europa en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial. <br /><br />Esta obra se antoja revestida por un austero y contradictorio cromatismo, en la recreación el amante lleva la emoción a flor de piel, de ahí, el rostro colorado, con gesto atento, embobado, ofreciéndole a su amada una flor amarilla, ella, mirando la luna, soñando despierta en un gesto de estar en las nubes, se muestra interesante a la vez que receptiva al amor que le toca vivir en el universo del pintor. <br /><br />Obra de trazos toscos, con sus perspectivas alteradas y sus deformaciones enfrentadas a la figura elaborada, imponiendo su preeminencia en el volumen, donde el dominio de la expresión espontánea y exaltada, da lugar a gestos emotivos y sublimes, tan expresivos como las manifestaciones en el amor. <br /><br />El pintor en esta obra, busca desarrollar la capacidad expresiva de sus personajes, "los amantes", potenciando el color y simplificando brutalmente la forma, que sigue dislocadas líneas en su pensamiento, que a su vez, le conducen a una exageración deformante, que pasa a ser presencia espiritual de su obra. <br /><br /><br /><br />
Dévora como toda persona deja su sello en su camino y más en su obra, su sello creativo y sensible. Ha tomado con pasión y dedicación la nueva herramienta digital y la domina imponiendo en la pantalla toda su fuerza creativa, para ello utiliza la abstracción como campo de expresión y definición de su idioma personal proponiéndonos una articulación de planos que , no obstante la geometría, nos da una ondulación visual de línea y color con la cual podemos figurarnos el espíritu de la obra en la cual la prevalencia de los siena acusan la esencia del origen y que està presente en los espacios fundantes de nuestro ser, la tierra y la arcilla de la cual estamos compuestos. En ambos espacios se desenvuelven claros y oscuros y formas posibles que nos hacen figurar nuestro propio imaginario asentado en vivencias. <br />Dévora toma el arte digital con naturalidad tras sus pasos por la fotografía, el dibujo y la pintura las que es de imaginar no ha de haber abandonado. <br />Felicitaciones, muy buena obra <br />
Toni Batles me posibilita por medio de su Persona y Obra, tener un diálogo artístico plástico. Nos encontramos en medio de un cielo Azul y la protagonista figura de la Mujer ensalza el revolucionario momento histórico de la Mujer en la vida, la Mujer activa, la Mujer reflexiba, la Mujer Equilibrio. <br />En mi último trabajo, llamado Sinfonía de Emociones, Encuentro la letra E con la que me posibilita Expresar con la pintura y escultura la Existencia. Parecido a lo que le ha pasado a esta chica,...profundizar significa poder perder el Equilibrio pero si no pensamos a lo mejor nos AUTOMATIZAMOS vivimos en un constante desequilibrio y creemos que el hilo es infinito, disculpen si voy a dañar con esta palabra: Existe el FIN que por cierto no es la muerte. <br />He profundizado en cada uno de esos conceptos que empiezan por la letra E-moción para tener un soporte técnico que nos haga rebelarnos sobre nuestros Esquemas de pensamiento ya establecidos. Es una teorización plástica y escultórica del mundo de las Emociones. Un lenguaje que invita a abrirlo, a leerlo, una Sinfonía que invita a sEr Escuchada por todos los Espectadores que a la vez son los protagonistas. Una sinfonía para sensibilizar a todas las personas de todas las Edades para que atiendan a sus Emociones y las compartan con el mundo. La obra Equilibrio de Toni Batles es una Sinfonía de Emociones particular y a la vez universal. El artista plantea constantemente la capacidad del hombre de supervivencia a personas, contextos, tecnología, cultura y ante todo lo que significa hombre y vida, las emociones. Todo este planteamiento artístico y psicológico, casa con mi trabajo y el de muchos artistas en diferentes puntos del planeta Tierra. De ahí el Éxito de ARTISTASDELATIERRA. Por eso considero el Arte como una actividad Vitalista, un lenguaje Universal y una forma de vida de Expansión y Equilibrio. <br />Es un buen Escenario para replantearse el proceso salud y Enfermedad. <br />La E de Emoción, la E de Energía, la E de EQUILIBRIO, la E de Estabilidad, la E de Entender, la E de Entorno, la E de Expectativas, la E de Empatía, la E de Estímulos, la E de Educación, la E de Espiritual, la E de Éxito, la E de Estudiar, la E de Encontrar, la E de Empezar , la E de Estima, la E de Esfuerzo, la E de Expansión, la E de Estrategia ,la E de Eliminar, la E de Estados, la E de Emitir, la E de Extremadura,… <br />Equilibrio conlleva tensión, asumamos dicha tensión, Enfrentamiento activo positivo, entre el cuerpo y la mente. <br />Como si de un comic se tratase: ¿Cuál sería la siguiente escena de la Mujer percibiendo la supuesta cuerda en la cual se equilibra? <br />Inmediatamente sorprendida de que la cuerda está rota o tiene fin, ¿desaparecerá en dirección hacia abajo?. Humor característico de Toni Batles. <br />¿Se incorporará y sin dudar de que la cuerda solo es fruto de una realidad psíquica interna continuará en su camino y a medida que anda se irá construyendo dicho cuerda-hilo-camino? <br />¿Es todo fruto de un escenario virtual en que la Mujer estando en otro espacio juega a perspectivas o planteamientos físicos imposibles para el ser Humano creando sensaciones nuevas y haciéndonos pensar aspectos importantes de nuestro Yo o de nuestra realidad externa.? <br />¿Hubiese cambiado si la protagonista no representara Serenidad ante la finitud?. <br />¿Hacia dónde va, con tampoco equipaje? <br />¿El hilo forma parte de Ella por su equilibrio cromático con su ropa, podría haber sido negro o grisáceo? <br />¿Vivimos constantemente ante esta realidad? <br />¿Nos da miedo parar y valorar que el hilo está roto? <br /><br />…Mil preguntas ante Mil respuesta…Equilibrio. <br />Para terminar quería felicit-arte y dese-arte lo mejor!!! <br />Salud Mental!! <br />Manuel Mata Gil. Psicólogo y Artista <br /><br />
Cuando profundizas de verdad en la obra de un artista, a menudo llegas a cumbres y cimas. Lo curioso de la situación, es que al mirar la escultura de Federico Eguía, solamente veía valles. Algo había que me era muy sospechoso. Así, al modo de los detectives privados, le hice un seguimiento una mañana. Cogió su coche y yo, dejando un espacio razonable, emprendí el camino tras él. Me llevó hasta un pueblecito de la sierra de Madrid: Puebla de la Sierra. Se bajó del automóvil y se puso un traje de jardinero. Pensé que era su trabajo, pero seguía sospechando. Alrededor del pueblo había un recorrido escultórico que merecía la pena, y mucho. Federico empezó a quitar las malas hierbas de las esculturas y comenzó a recitarles poemas y textos variados. Cuando se mudó hacia el interior de una de las casitas de piedra, me di cuenta que, de una de las ramas que delimitaban la última escultura, cayó una hoja. No era otoño, algo no encajaba. Cogí la hoja y me quedé asombrado, estaba escrita... Lo cual aporto como prueba para que sus señorías lo juzguen como crean conveniente.
--------El valle de los sueños--------------------
Para qué cimas sin los sueros que cimentan.
Por qué dejarse engañar en la cumbre
si la autopista está correctamente señalizada.
Yo tenía sueño;
deseaba de su guarda escultórica
y me solazaba en la serranía de la palabra.
Ahora y en cada momento
el contenido de ese vaso cambia,
quiere estar ahí
donde el género de la palabra se doblega.
Tú dijiste Puebla de la Sierra,
entonces fantaseaba…
y los precipicios sugestionaban cálidas sábanas
un cómodo colchón, que entre líneas
susurraba al bronce, hierro, madera o ramas.
Luz, quiero luz
y saltamos un charco,
un arroyo, un puente levadizo,
suntuosamente levadizo,
maravillosamente onírico…
En ese preciso instante
todo se fundía de un modo sinfónico;
sinfonía de brotes en las calles.
Lo que esculpe el sueño
no lo acomoda el hombre,
ha nacido solo,
lo ha parido la piedra.
Acata sus raíces y vuela,
sueña que sueñas valles genéricos,
medicación para el alma,
ingenio del hombre que pide forma
y la sueña…
en el valle de los sueños,
en la flor más engalanada de la mañana.
"Belleza Artificial", tras el título una interrogante, ¿Quién ha dicho que la belleza no engendra sufrimiento?. El autor, "plasma de manera surrealista el sufrimiento de aquellas personas que, por el paso del tiempo se resisten a despojarse de la belleza física...un entramado trágico del idílico tema, una metáfora...en el que el ojo observador castiga con una atenta mirada sin compasión".<br /><br />Tres personajes dispares en actitud de congoja con la expresividad dibujada en la postura de los cuerpos, un escenario donde los personajes tienen su propia historia y los elementos dicen algo, tienen su propio contenido, como el ojo vigilante y el desgarro de la piel deshumanizando la pierna, que nos deja ver una pieza metálica en vez de músculo, subvirtiendo a su personaje, mecanizándolo, lo que le da un toque de irrealidad a la escena, quedando de esta manera revestida de misticismo en un marco surrealista.<br /><br />La composición se completa con escaleras, llaves, rombos y una vela apagada, elementos de su propia iconografía, en un escenario donde la perspectiva y el color están al servicio de la idea, encontrando el equilibrio en el ingenio imaginario. <br /><br />Hermel Orozco explora desde su propio universo para la creación de esta obra, en la que se entrecruzan, expresionismo y surrealismo, coexistiendo ambas tendencias en el peculiar estilo del pintor que nos sorprende nuevamente con esta magnifica recreación. <br /><br />Como diría Luis Buñuel: “Afortunadamente en algún lugar entre la suerte y el misterio se encuentra la imaginación, lo único que protege nuestra libertad”. <br /><br />Hermel Orozco encuentra los entresijos del tema de su obra en su disposición psíquica, en la deliberación alucinante de sus pensamientos y el fluir irracional de su inconciente, y a partir de ello, crea concientemente y con entera libertad esta obra que parece incoherente e irracional por los elementos surrealistas, y enigmática por el aire expresionista de su contenido; creación sometida, indudablemente, al torrente de su imaginación. <br /><br />En este sentido, es una constante en este pintor, que el color convulso avive sus pigmentos guiados por un trazo que se revela en su tránsito a la real apariencia de las cosas; en este devaneo artístico, la perspectiva, la exactitud física y los colores naturales pierden su vigencia y la exageración deformante pasa a ser el espíritu revelador del tema. <br /><br />Excelente trabajo, recreación que denota la madurez artística del pintor. <br />
<strong><em>El cuerpo de mujer emanado del los dedos de una mujer, poesia falica que deslixa por los ojos silentes de qquienes nos sentimos obligados a detenernos para..................................ver la curvatura del origen de las especies, observar los cerros tutelares que se disipan en el erotismo de una tarde de abril, degustar esa ambroxia que emana la copa donde se destila el jugo de las uvas. Eva tu nombre enmarca el delicado perfil donde se diluyen las sombras. Eva Maria solo una mujer puede semblar en un lienzo el carrucel del infinito placer de que exista y tenga un lugar en los sentidos de la belleza plastica .......la mujer. Talves para algunos puede posar como una obra simple y sin contenido plastico,pero el arte como diluyente y transfomador del metodo y la presepcio n tiene la potestad de pasar por encima de ellos cuando, la manifestacion del artista esta por encima de todo lo menxionado, para otros sera un tema recurrente y constante que seguramente no valdra la pena mirarlo, pero, este es el pero la obra trascinde mas alla de la critica cundo la fuerza de su concepto y su intencion pictorica permanexe en la retina tranfomandose con la complsidad de las sombras.</em></strong>
Maria Dolores Rebull dirige con maestría esta "Sinfonía del silencio", en ella el color y los distintos planos generan un espacio que se llena de movimiento, las sombras se acumulan pero no alcanzan a las formas que flotan, por así decir, de tonalidades claras... como desplazándose por sobre la obra silenciosamente, entregando a su vez la propia sombra a los planos inferiores. El todo, entretejido de líneas y texturas subyugantes sugiere si, una sinfonía, una armonía inigualable aun entre sus propias obras, las que alcanzamos a ver en esta página. <br />Es esta una muy buena obra cuya abstracción nos permite divagar cada vez que la observamos y que compromete a su autora a una permanente superación. Lo cual deseamos ver reflejado en las nuevas que coloque en esta página. <br /><br />
<p>Rafael: tu obra lleva a la reflexión del porque de las cosas, analizar las causas y sus efectos, que hacemos en este mundo por las personas olvidadas, las personas que no tienen rostro, tus dibujos representan esas personas, le das rostros a los sin rostros, saludos maestro.<br /><br />Rodrigo</p>
<strong>La transhumancia de los signos que invaden la retina de quien deambula por la inceridumbre de los tiempos de los cuales quisiramos que ya tuvieran fin........................................................,se muestran figuras inermes y vacias carentes de toda esperanza , de todo anhelo, de toda realidad.<br />La obra de Juilio Calle es la toma de una verdad que deambula a diario por nuestras vidas y que en la mayoria de la ocaciones las ignoramos ,porque , son ya una costumbre. que bueno que esta obra exista.<br />Tal logro solo se manifiesta en un ser sensible ante lo social y lo humano , ello lo impacta ,lo transforma demostrando con sus muñecos de trapo como todo aquello está en la esencia desde nuestra mas trenprana infancia.<br />No es tal la cantidad de artistas sociales que sin dejar de xerlo y sin correr e toldas reaccionarias presenta desde su mundo una obra cargada de critica mordas que cala las mentes mas inestables e indiferentes, de toda esta manifestacion solo queda mira degustar y porque no ...llorar.</strong>
"... Fui rival de un muñeco de trapo...que no hacía sino reirse de mí con una bocaza pilluela... Tuve que entender un sinfín de cosas perfectamente ininteligibles. Tuve que decir un sinfín de cosas perfectamente indecibles...Tuve que oirla llorar por mí...". Escribía Martín Adán en 1928 en su novela "La Casa de Cartón", literatura peruana de vanguardia escrita en prosa lírica, en la que el poeta recrea un viaje introspectivo volviendo al recuerdo de sus primeros amores. <br /><br />“Solitario camino de regreso”, con este título Julio Calle nos deja una obra con identidad propia, un trozo de su universo pictórico que nos adentra en los laberintos de su pensamiento, un viaje introspectivo a su mundo interior, un lenguaje, para ello, nos ayuda con la explicación que esboza de su obra, de la que dice: “Emprendemos el retorno a la casa del padre dentro de un mundo que a veces nos hace sentir ajenos y solos…” <br /><br />En esta recreación un muñeco de trapo zurcido de lado a lado, de canto a canto, mostrando en su rostro las cicatrices de un tiempo que no quiere ver, no le hace falta ojos, ya tiene innumerables ojos detrás, a lo lejos, espiando su memoria, mirando el solitario camino de regreso, cuya historia va escrita puntada a puntada en cada costura. <br /><br />Son reveladores los remiendos que el muñeco lleva a base de puntadas, que no se esconden, que son como cicatrices que le privan de ojos, un mensaje revelador de un lenguaje singular que el pintor lo define como expresionista; una recreación que en su muñeco de trapo, linda, ternura con feísmo, inocencia y miedo, tenebrismo y colorido. <br /><br />Las cicatrices de la vida son tantas, que expresar los avatares del camino de regreso en los remiendos del muñeco es una llamada para demandar la atención de quienes se sienten atrapados en una lucha solitaria en su vuelta a casa, aunque las miradas no le dejen advertir que su casa está dentro de él y su camino también. <br /><br />Su pintura expresionista por definición del mismo pintor, está inmersa en un neofigurativismo que lleva consigo un sutíl fondo simbólico, por cuanto, sus muñecos pretenden representar algo, pero fundamentalmente contiene un amplio espectro expresionista de carácter psicológico reflejado en sus figuras que carecen de rigidez categórica, pero que nos imantan de mudables sugestiones en cada representación. <br /><br />Esta obra que no deja indiferente a quien la contempla, recoge la expresión de un contenido que hay que escudriñar en el muñeco de trapo y en la poliformidad de los fantasmagóricos personajes que enervan la composición, que expresan la idea desencadenando inquietud, manteniendo la unidad interpretativa certeramente armonizada, un mundo de imágenes lleno de misterio. <br /><br /><br /><br />
La paz que logra verse en tus obras es muy especial, aun cuando ciertas composiciones o elementos llegan a ser angustiantes por su agudeza angular, suele ser mediatizada por el uso del color usado de forma vehemente o tal vez animal de forma certera. <br /> <br /> <br />Felicidades J Belmont. Tu obra es de un lenguaje propio, no es realismo, no es ilustración, no es surrealismo, tan solo es tu muy peculiar estilo propio.<br /> <br /><br />Felicidades de nueva cuenta
Felicitaciones, de lo volumétrico a lo fantástico, logrando adentrarme en esa luz intensa que de forma sutilmente agresiva recae sobre los personajes. <br /> <br /><br />Un verdadero manejo del dibujo que se adapta en un estilo personal de escenas que podrían ser cuasi apocalípticas por la carga emocional e intencional.<br /><br />Pablo, mis mas sinceras felicitaciones, tu trabajo es formidable...
<br /><br />Una obra que guarda un misterio que vuelve casi fantastico la escena perfectamente estudiada, recordando aquella carga romántica emblema cultural de la bella Venecia. <br /><br />Atinado el decir de tu alma que titulo certeramente esta obra. <br /><br />Sos un artista de técnica limpia, ocasionalmente juguetona, que debe llevar en la sangre los genes de la destreza. <br /> <br />ORTOLAN, FELICIDADES!...
El paisaje de Dumitru Felciuc es un concierto armónico de tonalidades que se inclinan por los colores verdes en sus gamas mas frescas, dejándonos una recreación luminosa ajustada a su personal estilo que equilibra los desafíos de su talento con la plenitud de su impronta, dejándose seducir por los paisajes de su Rumanía natal, donde la frondosidad de los árboles en su baile existencial juegan con el espacio que deja pasar la luz que se cuela entre sus hojas, claros de luz iluminados en tonos amarillos que acarician el oro del despertar de los rayos del sol. <br /><br />En esta recreación el pintor deja que su pincelada vuele en entera libertad para atrapar paisajes que están en su memoria y que resuelve con solvencia y pulcritud, para ello, que mejor que los paisajes de su tierra para sublimizar las imágenes que su percepción artística le lleva a concebir sin omisión del detalle, enmarcándolas en una inefable dimensión de lo bello, un paisaje que linda con un naturalismo casi salvaje que subyuga a la imaginación a través de la retina del espectador.<br /><br />Los árboles silvestres de la amplia flora nativa, han encontrado en el detallista pincel de Dumitru Felciuc una cabal interpretación, composición hilvanada con hábiles recursos que enaltecen la autentica representación de la imagen, donde los juegos del color y la luz se embriagan de verdes que alcanzan su máximo esplendor en la obra del pintor, donde la luz resalta la atmósfera de un paisaje idílico <br /><br />Este paisaje cobra su natural apariencia en la competente aplicación de la técnica del óleo, donde los pigmentos dan vida a arboledas que se alzan en parajes llenos de vegetación, óleo que lame la desnudez del lienzo para dejarnos su verdor y con él, el blanco tintando de manchas que trepan la corteza de algunos árboles centenarios, singularidad en el detalle que el pintor hace notar a la hora de articular sus obras, paisajes rodeados de un aire poético, que estimulan la observación en su viaje a la imaginación que nos adentra sin darnos cuenta en la atmósfera de la obra.<br /><br /><br /><br />
Ver una obra mas de Pons Tello justamente es recuperar algo de ese tiempo perdido que pugnamos en buscar. <br /><br />Es un tiempo en el que la forma se desliza junto con la materia y en su caso dicha materia es el hierro que es uno de los mas notables en corroerse a su vez es exigente para ser modelado, tratado y extraer de él un sentir, un mensaje, una emoción. Pons Tello toma el metal, lo observa, lo conversa, entabla una comunicación intima con él y a poco no quedan secretos entre ellos. La forma y el color, el color propio de la cosa oxidada y los óxidos que dan otras pinturas, otros colores; la forma que requiere herramientas y ácidos… y otros muchos secretos de artista y artífice y ese tiempo que va modificando la vida en la superficie y en el interior conforman una obra de profundo sentido donde el tiempo narra su sino, modificar, renovar, cumplir ciclos y volver <br /><br />Esta obra es un reencuentro con el tiempo perdido a la vez que un motivo para rever las distintas obras de Pons Tello quien no deja se pierda su tiempo, lo utiliza a pleno y lo llena de valor en cada cuadro realizado, en cada momento de meditación para realizarlo. <br /><br />Felicitaciones por esta tan buena obra <br />
La geometría tiene la capacidad de sorprender al espectador, quebrantando sus esquemas y conminándole a abrir su perspectiva de observación husmeando en la abstracción.<br /><br />Abstracción que el pintor resuelve a ritmo de formas sin representación concreta, obra que juega con las formas alejándose de la mimesis, insinuación figurativa de estructuras que se proyectan con criterios de armonización geométrica desprovistos de significación pero que imantan la sensación óptica de un sutil contenido de sugerencia.<br /><br />La abstracción geométrica de la composición se funda esencialmente en la armonía antes que en la referencialidad de los objetos del mundo perceptible, armonía que se acompasa con la luz que crea el color en su viaje por la abstracción.<br /><br />Esta obra, articula su devaneo en un lenguaje plástico de rica sugerencia que se traduce en la concordancia entre colores y formas abstraídas que hurgan en la trama no representativa.<br /><br />Obra abstracta que conlleva una embricación de estructuras, adentrándose en un universo de relaciones donde los significados adquieren cierto misterio que se advierte desde un conocimiento interior, mensajes más allá de la descripción visual, donde la geometría es solo el pretexto para articular su mensaje. <br /><br />A pesar de lo que pudiera parecer en esta obra existe un sentimiento esencialmente constructivo sin recurrir a la formalidad lineal pura, sino más bien a la organización geométrica del abstracto, que toman vida en las estructuras que se articulan en la idea del pintor para configurar el hilo conductor de su mensaje, un universo abstraído para deleite de la imaginación.<br /><br />Arnold Quintero, en esta serie de obras abstractas nos deja una nueva muestra de su personal registro como pintor.<br />
MIRTA BENAVENTE <br /><br />Obra de carácter abstracto, con un rico manejo de texturas táctiles como visuales. Este s/t de Benavente, quedaría limitado si realmente la autora, hubiera puesto un titulo para tratar de definir la pieza. La autosuficiencia de la obra en su interioridad no es más que la latente prueba de las capacidades creadoras y discursivas. <br />Esos azules un tanto eléctricos, que conviven directamente con la oscuridad del fondo y de ciertas zonas que parecieran arbustos de un bosque a media noche, otorgan ese carácter poético a la pintura de la argentina, como si algún espectro poseyera la atmosfera del cuadro y nos hiciera captarlo mediante de los filtros de la artista, que generosamente nos comparte el instante, bien capturado por su intuición. <br />Las luces que encontramos acentúan de gran manera esa barrera que compensa la penumbra y la claridad de nuestros movimientos, cual pardos gatos, que caminan y encuentran a su paso un halo luminoso que indica el camino a seguir. <br />
<br />“23” <br />Víctor Acosta, desde Perú, nos regala esta pieza magistral, con un titulo tan abstracto como sugerente, o dicho en términos de Umberto Eco (obra abierta), ya que la pieza discursa de una manera tan compleja, debido a los entramados compuestos por las figuras superpuestas entre si, que llevan nuestra vista a perderse entre aquella madeja, que sugiere un poder tecnócrata, de maquinas; de gran ciudad; de sociedad vertiginosa postmoderna, que se pierde en un ritmo de vida instantáneo. <br />Podemos contemplar figuras que sugieren engranes de maquinas, y algunas siluetas de personajes mitad esqueleto mitad cyborg o algo cercano a un robot, debido a la conversión artificial del hombre de hoy día. <br />Tal vez el titulo sea una predicción futurista, a lo que podría pasar en un par de siglos mas (siglo 23), lo cual ninguno de nosotros podrá comprobar, al menos que seamos resguardados en sistema criogénico, pero que gracias a la obra de Acosta, quedara al menos un antecedente de esa visión, que solo podrán comprobar nuestros sucesores. <br /><br />
José Luis se viste de luto; y no por orgullo sino por amor.El negro no es un ornamento más, el negro es la rabia ante miradas anegadas de la prisa. Pasos que nunca se detienen ante la esencia intrínseca del divagar diario, pasos que están demasiado ocupados para asomarse al abismo, que está plagado de un contenido sumamente sustancial.
Ahí surge el "Y tú,que miras".No con la máscara del tedio y del despecho, sino como el azadón que despierta la curiosidad. José Luis sólo desea extender la alfombra roja del conocimiento, la meta que se cierne en derredor sobre el mundo de los sentidos.Y de ese modo llegar al éxtasis; ya sea en el molde del amor o de la umbría de las cadenas que nos mantienen esclavizados, inertes, sin vida. Tenemos dulces sueños, pero desconocemos su significado. De todos modos, que no haya miedo; José Luis siempre lleva mechero y velas en el cajón del alma.
“Presencia inhabitada”, obra de los años cincuenta del pasado siglo, donde Adolfo Vilanova Ratzki se adentra en los inesperados cauces del óleo apoyándose en lo materico de sus pigmentos para darle fuerza a la expresión, a lo inhabitado.<br /><br />La mancha aderezada con algunos trazos insinuados, nos revelan personajes que parecen emerger de la oscuridad tan solo con ocres y amarillos, abriéndose paso entre azules que delimitan la idea.<br /><br />Tres personajes dispares le arrebatan al espacio el protagonismo con la insinuación de ser el eco de tres presencias inhabitadas, la primera parece la sombra de un monje con túnica imbuido en la trashumancia del laberinto de sus pensamientos, la segunda nos deja ver la silueta recortada de unos anteojos que instan ha adivinar lo que representa, la tercera nos muestra la insinuación de la desnudez de unos pechos que esconden su turgencia en la mancha que se adueña del campo representativo.<br /><br />Esta obra, hurga por un neofigurativismo que se agarra a un expresionismo que se diluye en su fuga inclinándose al abstracto en el alboroto arrobador de los pigmentos, que dejan autonomía al color para que en entera libertad navegue por el cause del trazo para sujetar la idea, atando la expresión a contornos desordenados que sugieren, que no son representación fidedigna, pero que trasmiten algo que el espectador debe descubrir, que cada quien tiene que buscar en la imaginación; manchas que llevan consigo la expresión de un contenido.<br /><br />El pintor, se deja llevar en el desvarío de su impronta y la mancha se hace presencia viva; la mancha se hace notar y sus caprichos toman formas cuyo sentido perturbador llevan a la imaginación a percibir en lo que son manchas generosas la insinuación de tres personajes que abren el apetito del pensamiento para imaginar.<br />
Utilizamos cookies para estadísticas y publicidad.
Más información
Preferencias de cookies
Las cookies necesarias para iniciar sesión están siempre activas.
artistasdelatierra.com
