Jose Montiel, artistadelatierramurciana, pinta sobre Papel en 1992,la obra:<br />DETRÁS DE NADA .<br />El artista se sumerge en sí mismo y es cuando llega a todos.<br />Es cuando la pintura adquiere valor en sí misma y la palabra dulce y amarga metáfora, acaricia o rasga el lienzo e incluso al alma del artista.Calla e invita a observar.<br />DETRAS DE NADA HAY UNA VIDA.<br />P aciente es el artista ante la inmensidad.<br />O bedece a sus sentidos hasta desobedecerlos<br />E nergía creadora <br />S ilvido en un mar.<br />I maginar es su poesía<br />A mor por la sabiduría.<br />DETRÁS DE TODO HAY UNA MIRADA.<br />Manuel Mata Gil.<br /><br />
Dadas las características peculiares de esta obra mi critica será desde lo personal evitando lo formal aceptando mi yo desde la obra de Mirta Benavente... <br /><br /><br />Subo en mi barca, acomodo las palabras para tener a mano, suelto amarras, izo velas... y encaro la aventura de los argonautas en un mar desconocido... comienzo a ver seres de una nueva mitologia, espacios con un horizonte desconocido y que suben desde un fondo misterioso en el mar hasta una claridad que ilumina lo insondable. <br />Intento ver semejanzas mas es todo nuevo, nuevos seres, nuevas ideas, nuevos humanos como en el caos de la creación y con la fuerza que da la aventura avanzo en busca de nuevas tierras seguro de hallarlas. Se que este mar y este cielo no son para sucumbir sino para crecer, para luchar y vencer.... <br /><br />Es una maravillosa obra abstracta <br />Felicitaciones... <br />
Hoy estáis de suerte los que os paséis por este escaparate rosa.Hoy hablaremos de El Pene. Os he traído un gran miembro erguido acompasado por una silueta, que es sometida a su fulgor.
Patricia Saco también ha sido sometida a su poder autárquico.Porque la primera mirada es siempre suya.Se diría que desde su púlpito, el pene dictamina y la mente obedece.
Este pene no es el primero que se cierne, así de soberbio.Egon Shiele ( el cual os aconsejo que descubráis, si no lo habéis hecho ya) llegó a retratarse de esta guisa en "Eros" en el año 1911, ya ha llovido desde entonces... Incluso llegaba a acariciárselo con las yemas de los dedos.
Lo que más me gusta de los términos sexuales es que no poseen antónimos( si alguno conoce alguno, por favor que me lo diga) por lo que hablar de ello no será malo... Patricia ha otorgado a la obra una luminosidad que llega a deslumbrar. Las connotaciones de la obra pueden ser múltiples, las acepciones infinitas.A cada uno de nosotros nos sugiere una cosa; a algunos puede llegar a escandalizar, a otros les puede sugerir voluptuosidad, al algunos puede parecerles aburrido, a lo de más allá les puede interesar... Pero lo que Patricia muestra en esta obra, no es para la indiferencia. Los empastes rojizos le dan una esplendor mágico y los amarillos intentan acallarlo.Eso tiene mucho que ver con la sociedad que cohabitamos.En ella caben movimientos insulsos con los lances que acaudalan la sublimidad. Nuestra sociedad puede ser hipócrita y despiadada y a la vez sumamente dulce y contemplativa.
Preciosa obra Patricia, estamos deseando descubrirte.
José Vicente siente la lava supurando fuertemente desde adentro.En busca de el foco de infección, traza pinceladas punzantes con las que delinear el contorno; se diría que acordona la zona de los hechos. Una vez aislada la realidad, embiste con mucha fuerza y busca pistas por toda la superficie de su obra.
En un momento de frenesí,siente la tentación de abandonarse hacia verdades más claras, más amarillentas; pero no,la verdad solo conlleva un camino ... el de la soledad.
La soledad es roja, la soledad, a veces es amarilla y el corazón suele pasar sus mediodías colgado de un enramado muy negro, bastante obtuso para sumarse a este juego de búsqueda y hallazgo.
Y puede que José Vicente, se halla sentido hastiado y necesitase abrir claros entre el brumoso bosque de sangre, entre el caldo de cultivo donde se ha acunado esta obra. Puede ser que se cansase de merodear por la playa y necesitase que su barca surcase las olas mar adentro,MUY ADENTRO.
Arturo Morín poeta de símbolos mejicanos. <br /><br />Utiliza en sus obras temas populares, figuras diminutas, ancestrales, misteriosas. Representa con más frecuencia rostros, animales y la media luna. <br /><br />Los temas como apreciamos nos transportan a culturas ancestrales, a la propia cultura mejicana y a la expresión de sus sentimientos.<br /><br />Cromatismo al servicio de sentimientos sutiles, pasados, de ensoñación, combinado, en alguna obra, de figuras fuertes y ocupando todo el espacio que a su vez aparece con aspectos muy pequeños, parece inspirado en el cubismo francés.<br /><br />Podemos afirmar que Morín es representante de emociones cálidas y sensuales, de su país y de sí mismo.<br /><br />Color y luz destados por su estilo dulce, cándido y fuerte. Se ve reforzado por lo complejo de las texturas.<br /><br />El ritmo se crea en su obra por el contraste entre lo grande y lo pequeño y los componentes de movimiento, que si no, haría que estuviéramos ante una obra rígida. <br /><br />En "Juego de lunas" vemos casi todos los aspectos comentados: sensualidad, personajes ancestrales, el cromatismo suave, las lunas....<br /><br />Las figuraciones y composiciones sencillas, infantiles, pero con una técnica de gran madurez hace que sea fácil llegar y difícil apartarse de su obra.
<strong>Esta obra de Elías nos deja un silencio estremecido.<br /><br />¿Quién puede adivinar el significado de una descomposición que va minando la carne del perro mariposa apenas agarrado a una media esfera de carne podrida y purulenta?<br /><br />¿Muestra la truculencia de un idilio imposible entre la monstruosidad de la podedumbre y una trascendencia que no existe?<br /><br />Ese primer plano, la desenvoltura y originalidad del planteamiento visual y estilístico, la formulación de un color en perfecta sintonía con la desgarradora imagen, la eficacia de la estructura compositiva, convergen en imprimir unos soberbios valores plásticos a una representación que se manifiesta como una realidad que se concita con el fin de revelar nuestra propia naturaleza al mirarla.<br /><br />Es una configuración estética que no apacigua, que pide mudez para que la emoción arroje todo el contenido depositado en la sensación que produce.<br /><br />En definitiva, la magia de esta obra reside en la concisión salvaje de los elementos instintivos que la vertebran y que por sí mismos general tal visión prodigiosa. </strong>
<strong>Humberto nos sigue sorprendiendo. Ha dado otro paso y ha endurecido y metalizado su imaginario plástico. ¿Se lo está pidiendo su isla?<br /><br />Pero la luminosidad de los laterales apacigua a esa criatura, mitad hombre, mitad ser legendario, que con su ojo de perfil nos incrimina y paraliza. Hay una cierta proclamación escultórica de lo que es físicamente pintura, una cierta entronización que después de tanta historia y tanto tiempo transcurrido se hace visible para dejar constancia que el mito no desaparece, siempre nos está vigilando.<br /><br />Es un desarrollo en la pintura de este artista que no esperábamos, que se ha despojado de sus marcas, de sus símbolos para hacer más plástica una vertiente que enlaza, me atrevería a decir, con Lam, con la imaginería ancestral afrocubana, aunque con un planteamiento que no anule lo que ha sido su mundo de referencia.<br /><br />De todas formas, es una propuesta que, propia de un consumado maestro, oficia una revelación original, plena de sugerencias y de hallazgos y que requiere un mayor alcance.<br /><br />Estamos ante una obra en la que el rito y la ceremonia misteriosamente tienen su representación y su altar. Bienvenida sea. </strong>
<p>Fernando Rodriguez Rojas,compañero, artista y crítico de artistasdelatierra.Nos presenta su último trabajo,Obra num. 31928 , inspirado en la tremenda realidad del daño que le han causado LOS PIRATAS EN LA RED:PERSONAS MEDIOCRES, SIN ESCRÚPULOS QUE SOLO BUSCAN BENEFICIARSE ECONÓMICAMENTE DEL TRABAJO DE LOS DEMÁS.La carta en blanco y negro,echa fotografía es en sí una Obra de arte.Nuestro compañero nuevamente muestra su armonía, su saber estar y como persona y artista que es,COMUNICA SU TRISTEZA Y DOLOR.<br />Me gustaría que esta Fotografía fuese valorada por su carga artística y llegara a ser comentada como cualquier otra obra.<br />Nuevamente aprovecho para felicitarte por tu trabajo y decirte que esa misma calidad es lo que hace que los demás quieran ,no solo verla sino ROBARLA.Desgraciadamente es así!!<br />Un abrazo<br />Manuel Mata Gil</p>
Toni Batles: "forzando la cuerda" <br /><br />Esta obra del artista Batles, nos incita a percatarnos de una fuerza que contiene en si toda la obra del artista, que antecede a esta pieza; de carácter simbólico pero expresionista, tiene como principal elemento icónico una mano en posición de puño asiéndose de un acuerda maltrecha, generando en nosotros, una situación de tensión, debido a la fuerza de su expresividad, haciéndonos reflexionar de inmediato la situación general de la sociedad que se encuentra en un periodo critico y determinante. <br /><br />Los colores al fondo, no son otra cosa mas que esa carga de rabia mezclada con impotencia, que muchos sentimos al no poder resolver una situación determinada; es obviamente una obra de carácter social, bien manejada en un claro acento frontal y simétrico, que la mano nos entrega visualmente, contrastando con los colores de fondo que van de manera ascendente de los cálidos rojos, a los siniestros ocres, que generan la conjunción perfecta, para un impacto visual concreto, que nos embebe en esa constante reflexión del que pasara mañana. <br /><br />
“INSTROSPECCION SIN FRONTERAS” <br /><br />Pieza de corte realista con tintes de postimpresionismo, en cuanto al manejo cromático de las figuras que componen el cuadro; la mancha amplia se deja ver con sutileza ejecutada sobre el lienzo, ocasionando en nuestra mente una leve reminiscencia a Seurat al contemplar la obra, que nos provoca un carácter connotativo, como es el acto de la introspección, que como bien propone Horacio Santamaría, no tiene fronteras ni limites tajantes que estorben a ese conocimiento generalmente empírico, que es el autoconocimiento, tanto de nuestro cuerpo, como de nuestra mente y que habitualmente se manifiesta ante nosotros bajo la apariencia de los espectros de nuestros recuerdos. <br /><br /><br />Toda clase de experiencias son las que se relatan en esta obra, en cuerpos entrelazados, una figura joven masculina aparece en la parte izquierda del cuadro en actitud reflexiva cubriendo su sexo; rodeando a esta, se encuentran varias figuras femeninas en posiciones de disfrute sexual. Bastante placentera es su actitud, que contrasta con dos elementos que aparecen en las esquinas tanto derecha como izquierda. Del lado, hacia la otra orilla, donde se encuentra otra mano que ofrece un libro, que tal vez simbolice la experiencia y el conocimiento, que implica tener una vida sexual sana, como la fruta que hizo pecar a Adán y Eva; esa rozagante manzana, llena de tentación , que aquí oculta el rostro de una de esas mujeres, que para cualquier hombre simbolizan lo mismo que simbolizo aquella manzana bíblica, la tentación y el pecado, con rostro infame de calidez y dulzura. <br />
<strong>Hermel Orozco, como pintor, reúne muchas identidades y muy variadas memorias y tangibles recursos.<br /><br />Me atrevo a presumir que él considera su obra "Soledad vigilada" la culminación o una de las consumaciones sobre su serie de los laberintos. Seres despojados, antropomorfos, solitarios, buscan salidas que no hay. Son límites existenciales que el pintor recrea con un dramatismo cromático que hace más angustiosos esos infiernos ignífugos.<br /><br />Pero en "Adios, amor", cambia de registro y nos precipita en la duda. ¿En ese primer plano de unos cuerpos femeninos que retoman su integridad no hay un delirio patético y sufriente que podemos atisbar en Matias Grünewald, siglos atrás? ¿En esa visión de muerte no hay la pasión que se revela en esas cicatrices que inundan el lienzo y en él dejan la marca del pintor, preso de un tiempo agónico? <br /><br />¿Los distintos contrapuntos cromáticos hasta llegar a un blanco albayalde no nos hacen ver un último trance todavía más sombrío: el retrato del fin de la juventud y la belleza?, ¿Esa alegoría que siempre está presente?<br /><br />Un adiós definitivo a un cuerpo que no ya no tendrá más espíritu que el que late en su propia finitud. <br /><br />Hermel sabe como hacernos sentir el misterio que se esconde detrás de unos rasgos que perfilan un estilo, un inconfundible concepto pictórico que refleja como pocos un universo propio.<br /><br /> </strong>
”PUDOR” <br />Título de entrada sugerente que muestra una reflexión sobre un estado anímico, simbolizado por una mujer que nos recibe en un primer plano, cubriéndose el rostro con sus brazos, tratando de impedirnos observar su identidad, pero al mismo tiempo nos hace pensar el porque su cuerpo aparece exhibido sin ningún tapujo. Sus senos rozagantes nos incitan al pecado y bajo ese manto de color rojizo, llegamos a entrever su sexo, que pareciera atormentarle mostrar libremente. <br />La perfección de su cuerpo, nos es más que el indicio adecuado para demostrarnos esta actitud, de rezago, como si quisiera prohibirnos entrar a su vida; obviamente los ojos son el espejo del alma, como el mismo Da vinci, alguna vez lo comentara, pero que se ve mermado por la actitud de sus brazos. <br />Los colores al fondo, simulando un cielo centellante apoyan con precisión la figura principal de la obra, dándole el sentido escénico necesario para sentir la presencia de esta tortuosa situación introspectiva que Milton Bernal, maneja con gran destreza en esta pieza, y en varias mas de sus obras, que aportan un gran sentido de sinceridad a su estilo simbolista. <br />
En esta fotografía, la bicicleta se cansó de recorrer caminos, se cobija como puede entre ruinas y con ella un trozo de horno que ya no cuece pan. Su cobijo son unos escombros de piedras y ladrillos de una vieja pared desnuda, que lleva a cuestas vivencias y sueños de otros tiempos. <br /><br />El espacio de Carlos Salvador, empieza citando una afirmación de Man Ray: “El arte no es fotografía”, lo que no dijo Man Ray, es si la fotografía es arte. El arte no es lo que se pinta o en este caso lo que se fotografía, sino, el mensaje que se quiere trasmitir. <br /><br />El contenido que nos muestra en su fotografía “bicicleta entre ruinas”, es como él dice, “una imagen perdida en el espacio de la indiferencia”, donde su aproximación o coqueteo con el arte está en el mensaje; la apreciación que se hace hoy de la fotografía ha variado mucho de su concepción primigenia. <br /><br />Precisamente, las vanguardias artísticas fueron posibilitadas por la aparición de la fotografía. La liberación de funciones que la fotografía trajo, permitió a la pintura tenerla como campo del pensamiento. No es casualidad que la primera muestra impresionista se hiciera en el estudio de Nadar, un fotógrafo. <br /><br />Análogamente, hoy es un momento interesante para la fotografía, de liberación del compromiso con la realidad, de relacionarla ontológicamente con el medio y no hablar sólo de lo que hay en ella. Difícil tarea, mientras las otras ramas del arte miren a la fotografía desde una visión decimonónica, como si fuera una pintura. Lo más importante debe suceder desde dentro, se debe generar pensamiento, postular el medio desde la experiencia del fotógrafo, desde una cuestión totalmente subjetiva donde el único punto asible sea la intuición, donde el espectador desde su propia experiencia pueda interactuar con la obra y hacer su propio viaje por ella entrando en un nivel de conciencia diferente, lo demás es irrelevante al arte. <br /><br />Es evidente que la imagen que se muestra, es obra de un fotógrafo que sabe bien lo que quiere trasmitir, que maneja con destreza los entresijos por donde navega la lente de su cámara. Yo, me quedo con las pinceladas del pensamiento del autor, “Hemos de entender esta muestra fotográfica de bicicletas como una sola obra, como un conjunto de almas solitarias, impregnadas de personalidad. Congeladas en el tiempo, cada una respira su propia historia”. <br /><br />Enhorabuena por perennizar existencias vacías, perdidas en la intemporalidad. <br />
<strong>En este cuadro de Humberto hay una quimera que no deja verse, sólo asomarse. No debemos romper el ensimismamiento de ese silencio, de esa mutua contemplación, rasgando el espacio metálico que la rodea y cubre aunque la trama cromática nos invite a ello, nos deje huecos donde poder penetrar.<br /><br />La pareja ha quedado solidificada en el tiempo y en espacio y el pintor, como un demiurgo exaltado, nos la trae a este instante para que sepamos que de esa oscuridad muda e inclemente de la eternidad aflora y se manifiesta un extraño fulgor que fue y es vida y arte o arte y vida. Estaba ahí, ante nosotros y no la podíamos ver. Ahora, gracias a ese don casi divino, ya está presente, y no necesitamos más.<br /><br />Símbolo o alegoría, es una manifestación estética que muestra su misterio en la misma toponimia que devora a una isla que convive con ese secreto y hasta dentro de él, y un pintor que es capaz de desentrañarlo con la intuición de un mar inderrotable y una fe sin credo que se desangra en el lienzo.<br /><br />Obra para poseer y ser poseído y sin que falte el trago de ron en su contemplación. <br /><br /></strong>
ALEJANDRO GONZALEZ <br />Improvisación numero 4, es el titulo de esta obra grafica de este artista argentino, que a manera de geometría, compone sus imágenes en perfecto encuadre, recordándonos a aquellos grandes geómetras, como Malevich o, Kandinsky; quien es referente ineludible, desde la manera de titular la pieza. El manejo de la acromia es verdaderamente pulcro. <br />Un marcado contraste formal entre el primer plano marcado por dos bloques rectangulares, hacen perfecto contrapeso con la figura circular ubicada en la parte inferior del eje izquierdo, al ras del limite de la pieza, al centro encontramos una figura cuadrangular con una marcada inclinación que nos refiere mas bien a una figura romboidal, el tono de gris claro que cae desde la parte superior de la pieza, se desplaza ligeramente hasta el centro del rombo, para generar un ligereo acento de luz a la obra, que esta organizada en contrastes diagonales de claros y oscuros muy bien intencionados por González, para enriquecer los valores tonales a la pieza. Prueba de ello son los grises ligeros, que tocan los bordes del papel de este grabado geómetra de gran calidad, rompiendo el paradigma del encuadre rígido y forzoso que la mayoría de los grabadores de hoy en día, utilizan en sus composiciones actualmente, dándole un gran punto a favor al autor de “improvisación núm. 4”, del cual estaremos a la espera de nuevos trabajos que contengan esa gran calidad como la que nos ofrece en esta ocasión. <br />
Tatiana: que maravillosa es tu obra, que miradas dulces, de encanto, de pensamiento y sentimiento. Sencillamente el arte de tus obras es una bendicion y una alegria para quien las observa. Enhorabuena Tatiana. Sigue asi. Rodrigo A. Pinzón
Ernesto Morosini, “silla” <br /><br />Obra de simple contenido aparente, pero de un alto contenido posiblemente vivencial; una silla que tal vez se convierte en la compañera del artista en su estudio, como aquella celebre silla del cuadro de Van Gogh, “mi cuarto”, es la primera referencia que evoca nuestra mente esta imagen totalmente figurativa que nos da la pauta a continuar con nuestra reflexión del por que un objeto de uso cotidiano, se convierte en el principal icono de una obra de arte. <br />Situada en un primer plano, ligeramente desplazada a la derecha en marcado trazo negro, proyecta su sombra al piso con azulado tono, que de mosaicos de colores parte desde el fondo para apoyar el gesto marcado de la silla, que pierde la frialdad con la que fue trazada, gracias a los colores cálidos del fondo, que Morosini aplica de manera oportuna como contrapeso y marca una armonía en la pieza que se desarrolla, como anteriormente mencionamos, con intención personal y vivencial, generando un álbum de múltiples historias para los que observan este objeto inerte, con una silenciosa quietud , que se confabula con nosotros para inmiscuirnos, en el por que, en el para que y en el donde, de esta pieza sencilla, pero de gran manufactura en su estructura, intención y cromatismo , que resumen en pocos elementos intenciones de complejo partir, para buscar iconos, que contengan ese ápice de cultura popular, con los que las personas puedan fácilmente identificarse sin cortapisas; sin encontrar ese marcado afán actual de rebuscamiento e intelectualidad, que encuentra en la obra contemporánea, y que generalmente no logra comprender. Obras como “silla” de Ernesto Morosini, son valoradas por la gente, por saber decir en pocos elementos, lo que muchas otras no dicen. <br />
Pons Tello nos toca nuevamente como solo ella sabe acariciar el sentimiento, <br />con esta Obra pictórica musical: Tocata i fuga en re menor. <br />Mi poesía para todos. <br />Que la música y el arte nos haga crecer <br />y aprender día a día. Escuchémonos!! <br />Sinfonía de Emociones. <br />Te sorprende como calla tu boca. <br />Tu mente abre a tus ojos, <br />hace bailar a tus manos <br />buscando todos los elementos, <br />que serán solo ellos los instrumentos <br />de tu Tocata i fuga en re menor. <br />Cada uno tiene la suya!! <br />Somos únicos e irrepetibles!! <br />Esperas que se deleiten escuchándose. <br />La madera se convierte <br />en un folio en blanco, <br />en suelo, en cerámica, en vidrio, <br />en tela, en papel, en piedra, <br />en plástico y en hierro… <br />Soportes físicos que interaccionan con el hombre. <br />La mujer de carne y hueso <br />La mujer de Emoción <br />La mujer es el lienzo de estados afectivos <br />acompañados de cambios orgánicos <br />de origen innato e influido por la experiencia. <br />¿Quién no se deleita escuchándose? <br />Como el sonido de una ola así son las emociones. <br />Función adaptativa a lo que nos rodea. <br />Es un estado que sobreviene súbita y bruscamente. <br />Es algo violento pero a la vez pasajero. <br />Las olas rompen y renacen en un continuo <br />No te da miedo parar porque todo es un continuo. <br />La Emoción es igual a VIDA <br />Arte es igual a VIDA. <br /><br />Un abrazo, Isabel!!<br />Sinfonía de Emociones. <br />Manuel Mata Gil. <br />
<p>ISRAEL ZZEPEDA: PROHIBICIONES <br /><br />Titulo que de inmediato nos da el contenido de la pieza; prohibiciones es muy claro en su manera de dirigir la imagen y marca acentuadamente la sexualidad de la pieza, nos enfrentamos a ella como a un tabú grafico, representado por figuras humanas entrelazadas y superpuestas en el lienzo; entre esta maraña de carnes encontramos a una pareja realizando el coito, un ángel que oculta su sexo (al parecer masculino) ubicado junto al muslo femenino, y a manera de evidencia a futuro, se encuentra un bebe entre aquella pareja que pareciera procrear esta creatura que vendrá al mundo; rodeando la escena aparece en un plano secundario el símbolo de prohibido, que es parte esencial de la narrativa del cuadro en cuestión y remarcando la escena , al borde derecho encontramos un par de recuadros, haciéndonos evidentes el bloque del medio, que contiene dentro un ojo lagrimeando, triste, y sufriente, los tonos fríos con los que esta tratada esta parte de la obra marca un justo acento de equilibrio al demás tratamiento de la pieza. Cuanto mas hemos de sufrir las prohibiciones que nos han sido impuestas y cuanto mas hemos de aguantar la represión, que no todos podemos dejar fluir de la misma manera; así como zzepeda, se atreve a plasmarla en el lienzo para dejarla a nuestra conciencia. <br /><br /></p>
“Dictando el presente”, es una obra que nos lleva a imaginar en la idea de la pintora, que a la vista nos dice: “El presente se revuelve con la fuerza de un tifón, se posa en la mirada atizando a la vida que huye sin parar en las garras del tiempo, que llega y se va aferrado al instante”. <br /><br />Mercedes Urda, con mucha imaginación se sumerge en la abstracción para encontrar un lenguaje en su dictado, se empecina en dejarle a su pincel el protagonismo para ser el catalizador de su idea del presente. <br /><br />Ocres, amarillos, azules, rosas y granas, se arremolinan alrededor del color negro que parece ser una sombra que se erecta atravesando el anillo virginal que envolvente lo revuelve todo para hacer girar el espacio-tiempo alrededor de la materia que rendida gravita sin ataduras manchada de color. <br /><br />El propósito de la pintora en su tarea de concebir su obra, no tiene una articulación pre-concebida, es una desenfadada actitud abstraída de cualquier referente, retrata el presente dotada tan sólo de la espontaneidad de su trazo, que encadenado al impulso liberador, da certeza de lo impróvido en su gesto, con la seguridad necesaria para plasmar en el lienzo el acto mismo de imaginar el presente, a la hora de dictarle a su pincel la ruta de su paso arrollador para atrapar el instante. <br /><br />El presente no es mas que un espacio de tiempo que agoniza, que puebla el instante, que mientras vive muere, el presente es una voz que a veces no se le escucha pero que está, que se oye en cada molécula que gime, en cada átomo que detiene su andar, en cada sombra que se mueve, donde el color y las formas son invenciones que cambian, el presente es el ahora, que revela en su antagónico denuedo el viaje inexorable del tiempo en su florecido marchitar. <br /><br />La pintora, dicta el presente con un abstracto en movimiento para atraparlo, el círculo y su juego, no son más que el momento mismo que llega mientras se va, le pisa los talones el pasado. <br /><br />El dibujo del círculo en su vuelo y la mancha como comparsa, es un intento vano por atrapar el presente. <br /><br />Enhorabuena por abstraer en pocos trazos la nada del tiempo en su baile. <br />
“No hay creación sin destrucción” dice una máxima que resume el ciclo vital, lo mismo en el arte como en la vida, la ebullición de la creación. <br /><br />Walter Félix nos deja una muestra más de su serie “las locas”, trasnochando la estética libera el cauce del impulso para dejar florecer al caos de la línea. <br /><br />Una mujer sentada con la mirada perdida en la nada que es presencia vacía en sus ojos, un aderezo con greñas que caen como lianas desordenadas trepando la tristeza de su rostro que navega entre la soledad y el desconsuelo. <br /><br />El rojo envejecido, lánguido, entristecido en el alboroto con otros colores que se apagan, es el vehículo de su pensamiento para llevar a la idea a crear una atmósfera que cobra vida en la escena, atándolo al sentimiento, aliando lo salvaje de la impronta a lo espontáneo del trazo, para que la fuerza óptica sea el revulsivo ante la desolación de la protagonista. <br /><br />En su juego con la figuración, el pintor, detiene el vértigo de lo deliberado justo en la cresta de la ola, para dar paso a lo inadvertido, desdibujando lo hecho con la fuerza de la espontaneidad de un trazo indeliberado, hasta conseguir en ello una recreación poética en el caos, una poesía en la ruptura de la forma y la libre manifestación del color. <br /><br />El desvarío en la mirada de la mujer sentada en la acera de una calle cualquiera, es sólo el pretexto en el lenguaje del pintor, una semblanza en los versos rebeldes de su pincelada, siguiendo la estela de su idea en los versos del poeta César Vallejo, que en su famoso TRILCE desdibujó sus versos, en los que, la belleza hay que encontrarla en la trasgresión formal; en este afán, su pincel alborota el gesto y desata el trazo desdibujando la forma, rompiendo su perfecto cause para que quede más la semblanza de un perturbador recuerdo que una imagen atrapada en el lienzo. <br /><br />Walter Félix, en su batalla particular con el lienzo, rompe el estatismo inerte de la figuración, y desandando lo andado hace volar a su impronta en un universo inesperado, donde lo hecho es desdibujado por el impulso de un trazo convulso, que busca el liberador haz del caos como refugio de la línea. <br /><br />Sólo después de este desenlace, se puede entender este parto, un camino de búsqueda para encontrar la belleza en el arte de desdibujar. <br /><br /><br /><br />
Yoel Diaz nos invita con su magnífico trabajo a reflexionar sobre el lenguaje corporal,la interacción con el medio,la manifestación de las emociones,el paso del tiempo,la sensualidad,la música,la imagen psicológica de los sentimientos,la astronomía,la metáfora visual del hombre naturaleza, artistadelatierra donde nace ese jardín cuidado con una exquisita sensibilidad ...como compañero y crítico le invito a profundizar en el mundo animal! <br />Escribo:<br />Mente sana ,cuerpo sano!! <br />Me sumergo en el agua <br />y el silencio limpia mi alma. <br />Mi esfuerzo se ve recompensado <br />y el cuerpo fortalece mi voluntad. <br />La unión da la fuerza .<br />Felicidades!!<br />Manuel Mata Gil<br />
“ Un pueblo que no tiene voz, gritos enmudecidos van rumiando su dolor. ”<br /><br />Al ver esta obra, uno no puede reprimir el deseo de aunarse al grito, no se puede cerrar los ojos ante la evidencia. <br /><br />Blanca Gabaldón, nos deja en esta obra, el compromiso social con su pueblo, un grito valiente ante la opresión a la democracia, un reclamo colectivo contra la mordaza a las libertades, una composición que nos revela la situación que vive Venezuela.<br /><br />“Así estamos en Venezuela”, es una obra vestida de sencillez, pero enorme en su mensaje a pesar de su austera parafernalia; la pintora haciendo gala de una gran capacidad de síntesis en el trazo, expresa el sentir de todo un país en una idea desprovista de complejidad; tres colores, el negro y el blanco que invaden el espacio para dejarle el protagonismo al ocre revelador de la mordaza, una lánguida soga de yute que amordaza a la libertad de expresión y secuestra el estado de derecho y más, representadas en interrogantes que se muestran, que se intuyen.<br /><br />Simbolismo primario en estado puro, un horizonte de negro y todas las desgracias de su pueblo escritas sobre blanco del manojo, mientras prisioneros los derechos y libertades, van atados de pies y manos en su mortaja blanca como un fardo funerario, gritando “mayday, mayday”, un SOS para salir del naufragio, para que el mundo no vuelva la espalda a su pueblo, a un país rico en recursos y escaso de libertad<br /><br />La obra encierra un simbolismo de demanda y protesta que no deja indiferente, repica en el oído el grito enmudecido de una democracia mal herida; la idea es la protagonista indiscutible por su contundencia en el mensaje, no obstante, su manejo sencillo no le resta mérito a su impronta, que en sus escarceos con el color y su acometida con la forma, sintetiza la idea y la hace florecer en su reclamo.<br /><br />Entre las obras que la autora muestra en esta página, encontramos una copia de “El grito” de Eduard Munch, seguramente su admiración por éste mítico pintor, le ha servido de inspiración para la creación de su idea, una obra escueta y sencilla, con una ingenua tosquedad, pero su obra, una emulación sugerente de alguien que empieza, que explora y busca superarse, un mensaje interesante, a la sazón de un simbolismo reivindicativo. A esta obra, su autora podría haberla llamado “El grito de Venezuela”, por su denuncia.<br /><br />Enhorabuena a la pintora, por plantarle cara a las ataduras que coartan, por desprenderse de sus miedos y levantar su voz para que hable su pincel.
<strong>Desde que los holandeses dieron al paisaje un gran protagonismo, éste no ha dejado de postular su propia semblanza estética y ser objeto de una evolución a la par de todo el movimiento plástico.<br /><br />Este pintor, de sello muy mediterráneo, está intentando marcar su propio sentido del paisaje desde una óptica que conjuge los aspectos tradicionales con una visión más personal.<br /><br />Y este modo se basa en la apropiación de un perspectiva que haga más sensitiva la organización de los elementos. De procurarle una lectura cromática que nos haga ver el paisaje con una fisonomía en donde lo anecdótico quede sumergido por la determinación de una geometría que se hace una simbiosis con la luz.<br /> <br />Al final, sin incurrir en tensiones y con una clara simetría de claros y oscuros, la obra toma su propia realidad. <br /><br />Verdaderamente es muy difícil y complejo a estas alturas el pergeñar una formulación visual en este panorama que no se haya ya enunciado, pero siempre, a pesar de todo, nos encontramos con nuevas rutas o con desarrollos innovadores.<br /><br />En el caso de Castaño estamos ante una incógnita que se despejará favorablemente si continúa en una línea de análisis que le permita alcanzar opciones más nítidas de un mundo que quiere y necesita que sea el suyo. Yo así lo espero. </strong>
<strong>En esta obra, desoladora, cruel y desapacible, se percibe la vejez más que nunca porque es al llegar a ella cuando la medida del tiempo alcanza y hace presente toda su dimensión.<br /><br />La Edad Media despreciaba la decadencia humana y la juzgaba particularmente repelente en las personas de edad. Así se refleja en estos autores. <br /><br />Odin de Cluny decía que el cuerpo entrando en la vejez es cuando ya se convierte en un saco de excrementos.<br /><br />Olivier de la Marche lo proclama en un poema:<br /><br />"Esas dulces miradas, esos ojos hechos para agradar,<br />Pensadlo bien, perderán su claridad...........<br />Vuestra belleza se cambiará en fealdad<br />Vuestra salud en oscura enfermedad....."<br /><br />Villon reincide en ello:<br /><br />"Tiempo vendrá que hará secar<br />Amarillear, marchitar vuestra abierta flor.<br />Viejo seré, vos fea y sin color".<br /><br />E insiste cuando esa realidad se hace presente:<br /><br />"Cuando me miro toda desnuda<br />Y me veo tan cambiada<br />Pobre, seca, magra, menuda<br />Me pongo casi furiosa".<br /><br />Y en otro:<br /><br />"Orejas colgantes, musgosas,<br />El rostro pálido muerto y apagado<br />Mentón fruncido, labios pellejosos<br />Es de humana belleza el final".<br /><br />Du Bellay también traza esa verdad con toda crueldad:<br /><br />"Señora vejez<br />No me ha dejado más que piedra en los riñones,<br />Gota en los pies y verrugas en las manos".<br /><br />Y para finalizar este poema de Ronsard:<br /><br />"Mi dulce juventud ha pasado,<br />Mi primera fuerza está quebrada,<br />Tengo los dientes negros y la cabeza blanca,<br />Mis nervios están deshechos, y mis venas,<br />Tan frío tengo el cuerpo, están llenas<br />De un agua rojiza en lugar de sangre".<br /><br />Este retrato es su réplica plástica, su síntesis en un idioma que lee la imagen y hasta la hace más nitida y por ello más terrorífica.<br /><br /><br /> </strong>
Ramón Calzadilla nos ofrece parte de su obra con gran voluptuosidad. <br />Pinturas de fuerte expresividad, con adornos y composición muy pensada, personajes acompañados de instrumentos de música, pinceles, naturaleza..., hace que el espectador este como en un teatro. <br />Ramón hace gala de su buena técnica, de los colores compensados, de las formas casi cubistas, de su fuerza en el trazo. Tenemos entre nosotros un artista indiscutible.
“Connected”, magnifica obra, una delicia para la vista, un misterioso rompecabezas para la imaginación, un motivo de excitación para los sentidos. <br /><br />La interconexión de los colores a través de la geometría nos sumerge en un universo lleno de color sin desvelarnos su secreto a pesar de los atisbos del dibujo, en el que se integran pequeños fragmentos de diversa connotación geométrica dispersos por la geografía del lienzo en perfecta armonía.<br /><br />Un lenguaje que florece en la abstracción, donde la interconexión de los elementos tienen su propio orden, que aunque a la vista da la apariencia de un caos, están perfectamente equilibrados en el soporte, siendo la línea y su geometría el cauce para que la retina perturbe su rutina en un microcosmo de colores, florecido en pequeños entes geométricos que parecen dejarnos en la prolongación de sus vértices los enigmas de un mapa genético, el mapa artístico de la pintora, su universo.<br /><br />La rosa cromática que florece en el lienzo, es atmósfera fresca encandilada al color, está muy bien pensada, es serena y delicada, encontrando el equilibrio en los vericuetos del dibujo que pueblan la composición en su justa medida para ordenar el caos; los colores frescos y calidos se interrelacionan sin mayores embates que el dotarle a la estructuración de la obra el cobijo adecuado para que el concepto quede reflejado en la idea. <br /><br />La dispersión de las líneas juegan con el sentido perturbador de la geometría dejándonos el eco de su sendero, que en su trajinar va tejiendo pequeños esbozos de rectángulos y cuadrados, entre una variedad de formas que la fauna de líneas equidistantes unidas por un punto son capaces de entrelazar en el espacio en un cadencioso baile de color.<br /><br />La obra de Andrea Scherer, es una bella semblanza abstracta en la integración de la idea geométrica.
<strong>Decía Popovici que la pintura española informalista es trágica, no por la temática que aborda, sino por el mero hecho de que la materia que usa es trágica por su misma naturaleza.<br /><br />Lo que sí es cierto es que esta tendencia está asociada a la entrada en escena de nuevos medios y materiales que diesen una nueva expresividad a la pintura. La arpillera, el cemento, el cuero, la madera, el alambre, el hierro, la tela metálica, la arena, el polvo de mármol, el plástico, el acero y otros más, han sido los protagonistas de esta elección.<br /><br />Bien es cierto que son ingredientes inhospitalarios, duros, agresivos, severos y hasta feos. Y en cambio han dotado al artista de unos hallazgos originales y de una vía para dar a la luz universos singulares.<br /><br />En el caso de esta obra de Pons Tello responde al nuevo paradigma de que su contextura, formulación y misterio tiene más vitalidad expresiva que aquella imagen que se lo da hecho al espectador, el cual, en este último supuesto, no tiene que esforzarse para alcanzar una visión de la propia entraña de lo que se percibe. <br /><br />Obra, por cierto, que reúne armonía y hasta perfección, que nos hace compartir un muro, levantado espiritualmente, de enigmas, de preguntas, de desgarros e intimidades y hasta de tragedia. </strong>
La obra de Pere Ventura Juliá es directa al corazón...La Tela,el óleo,lo figurativo es un soporte para que este artistadelatierra sensible a su entorno,denuncie por obligación moral la cruda realidad social e internacional de los malos tratos a los niños.<br />A lo largo de los años el Arte ha sido un transmisor de ideas,paisajes,culturas,sentimientos,movimientos,guerras,descubrimientos,en definitiva, una actividad que nos hace más humanos,más persona.Mi critica es la de que haya más artistas comprometidos en la denuncia social y siempre desde un plano respetuoso,profesional utilizando nuestras manos al servicio de los más necesitados...los pinceles,las pinturas,las telas son nuestras herramientas para gritar las injusticias y crear canales de diálogo,puentes para ayudar e informar de la Enfermedad Mental,la agresión física y psíquica hacia uno mismo o los demás.Esa mancha negra es nuestro silencio espero colaborar con mi pequeño esfuerzo para que no se convierta en Roja,Sangre...Un abrazo Amigos!!
“Fumadores de opio”, dos personajes con vestimenta de carnaval se toman un instante, la dama ataviada con ligeras transparencias y perlas en un ajuar de fantasía, nos deja ver su desnudez mientras nos atisba con la mirada; el otro personaje con antifaz arabesco y con la pipa humeante en la mano, se aferra a la pandereta para que siga la fiesta, mientras atestiguando la escena, reposa en silencio la guitarra los ecos del carnaval.<br /><br />Montoya, nos regala para la contemplación esta magnífica obra, donde al dibujo preciso y escrupuloso, le sucede la competente aplicación del color, que resuelve limpiamente con un conciente y depurado realismo, donde el lirismo y la fantasía que el autor personaliza, son el duende que nos induce a fantasear ante tanta belleza. <br /><br />Su pincel discurre sin remilgos por la técnica, que aunada a su audaz impulso creador, le llevan a configurar una recreación fundada en la sinceridad de su actitud mimética y en la complejidad que conlleva su búsqueda en un cara a cara con el arte, objetivado en la representación de una realidad que adquiere vida en el lienzo, proyectando una íntima comunicación entre su talento y el espíritu de la obra.<br /><br />La búsqueda de la perfección de la línea y el equilibrio estético, encuentran en la forma la idea con actitud de sincera tenacidad, que emana del emparentamiento de la línea y el color logrado por el pintor, que guiado por la inspiración pertinaz de explorador incansable de lo bello, se aúpa a un estilo muy personal, alcanzado no como hallazgo fortuito, sino como elaboración conciente y responsable; una precisa interpretación de la realidad, su realidad, un sentimiento creador y una impronta singular.<br /><br />El realismo que Montoya practica, no se detiene en la mera aspiración imitativa de los objetos, labor que realiza sabiamente, sino, en la interrelación de los elementos que componen la unidad de la composición, captados con mano diestra de experiencia madura, que resalta la línea sin defecto y doma a la forma sometiéndola, para dejarla volar con precisión y armonía en la rebelde intensidad de los pigmentos.<br /><br />La obra de Mariano Montoya está provista de una solvencia artística prodigiosa, todo un portento de talento al servicio de una depurada técnica.
Utilizamos cookies para estadísticas y publicidad.
Más información
Preferencias de cookies
Las cookies necesarias para iniciar sesión están siempre activas.
artistasdelatierra.com
