Portada · Artistasdelatierra

Críticajulia m. tello - 2007-07-14 00:00:00

Interpretación elegante de la miseria manifiesta en una realidad que baña por doquier a nuestro mundo moderno, la necesidad en su punto más expresivo al utilizar la inocencia y candor de una niña en harapos, vigilante y concentrada en su cocina rudimentaria preparando pacientemente un plato que representa sus sueños y desventuras, un mundo real y profundamente pensado con su asalto de pura imaginativa, el artista nos disfraza un mundo muy crudo con esta pintura exaltando la quimera, dándonos pudor para divagar con la ilusión de un cuadro bien conjugado, y; manifiesta el pavor de una mezquina sociedad con poéticos elementos haciéndonos mas suave ala vista su contenido; sin apartarnos de la oscura realidad en la que esta envuelta la criatura y su trama. Su diseño nos traslada a un mundo paralelo y a la vez muy intimo en nuestra aceptada existencia, su realismo al utilizar el pincel, nos encuadra en la misma situación de un mal sueño bien soñado, haciendo que nos adentremos en una realidad muy confusa para el que vive una situación diferente, y mascullando el grito de comunión entre la pobreza y el corazón. Sus hadas que suavemente fluyen de la ebullición de su desconsuelo, nos recuerdan a la fantasía de un abrazo apegado al sentimiento caritativo y consolador, su epopeya es muy divergente y aclama llorando su suplica silenciada por la costumbre, manteniendo la dramática impresión de su realidad. Martín la Espina con su pintura nos hace conocer cuanto puede llegar la tolerancia de una situación torturante -para quienes están en desventaja- con el atractivo de una representación tamizada y envuelta en belleza, sosteniendo el gran peso de la demanda de caridad o igualdad, su cuadro me recuerda a la sombra que empaña la grandeza del hombre; por su mezquindad en el campo tecnológico y creativo y su frialdad en su conciente de ser humano. Felicito al pintor por su pudor en mostrarnos un drama cotidiano en muchos lugares, y si el arte sirve para cambiar algunas cosas en la grandeza del hombre.... mucho más.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-07-13 00:00:00

Título obra: Retazos - MIR LUSEWIX

DEL PRPETUO MUNDO DE LO INHUMANO SE DESMORONA LA VIDA DE ILUSAS MUJERES QUE COMO UVAS MADURAS SON EL FERMENTO DEL VINO LUJURIOSO QUE PREPARA LA NOSTALGIA PARA QUE SE ENBRIAGUE EL DESPOTICO MUNDO DE LA NEGACION DE LA MUJER Y LA MORBOSA FALXIA DEL HOMBRE QUE DESTRUYE LA MAS HERMOSA CREACION SALIDA DE LAS MANOS DE DIOS Y QUE FUE LLAMADA ,   MUJER. MIRTA ESTA OBRA EN ESPECIAL HABLA DE LAS VIRGENES OCULTAS ,AQUELLAS QUE MUY A SU PESAR DE SER  TOMADAS COMO  "MUJERES DE SERVICIO PUBLICO" EN LO MAS PROFUNDO DE SU ALMA, DE SUS SENTIMINETOS, DE EL ECHO DE SER MUJER TIENEN UN LUGAR A DONDE NO LLEGAN LA INDIGNAS MANOS DE QUIEN COMPRA UN RATO DE PLEXER Y QUE HOY LLAMAN "AMOR", TU OBRA ES UN CANTO SILENCIOSO, MUSTIO Y DOLOROSO DE AQUELLO SERES PERDIDOS EN LA JUNGLA DE HIERRO Y CEMENTO LLAMADA CIUDAD, DONDE   NOSOTROS CUAL CAMPECINOS CITADINOS PASAMOS POR ENXIMA DE AQUELLOS SERES OSCUROS QUE ESTORBAN NUESTRA VIDA PERO QUE SON UNA LUZ  EN UN RINCON DEL CUARTO MAS LEJANO DE LA EXISTENCIA. TOCAR ESTOS TEMAS CON TANTA LUXIDES CON UN ANIMO CASI QUE DE RETRATO NO ES FAXIL, TU OBRA IGUAL QUE LA DE OTROS ARTISTAS TIENEN EL MERITO DE SER ECHAS POR MUJERES, ESTO DEMUESTRA QUE ESE DOLOR PROFUNDO DE SER TOMADAS COMO UN OBJETO DE USO EL CUAL SE UTILISA Y DESPUES SE DESECHA LAS TIENEN CANSADAS Y ESTO QUERIDA MIRNA ES LA REALIDAD PROFUNDA QUE SE FILTRA POR TU OBRA , OBRA CONTESTARIA PLENA DE UNA CARGA SOCIAL PROFUNDA DONDE NO IMPORTA LO "BONITA" O LO"COMERCIAL" SON OBRAS QUE LLEGAN AL ALMA Y ALLI SE QUEDAN PORQUE NACEN ,VIVEN Y SE REPRODUXEN EN LA REALIDAD Y ALLI SON ETERNAS, NUNCA MORIRAN. H.Nossa-artista ingenuo-Colombia

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-07-11 00:00:00

Título obra: La Vigilia de Dios en Venecia - Marco Ortolan

Obra pintada con colorido de carnaval, con luz de medio día para que la góndola que surca el canal con los enamorados, disfruten del encanto de la serenísima como se le llama a Venecia. Marco Ortolan nos presenta un tema sin complejidad figurativa, revelando un realismo equilibrado, que se magnifica en el contraste de perspectivas y el diseño fúlgido de las figuras y volúmenes que se acercan y se alejan, dejándonos planos y fondos de elaboración uniforme que embellecen la composición. . “La vigilia de Dios en Venecia”, representada por una sombra que dibuja claramente una mano que se alarga señalando con el dedo sobre el cielo Veneciano; título sugerente que recoge el milagro de una ciudad que sobrevive al tiempo por debajo del nivel del mar, un prodigio divino que hace posible ver hoy, lo que recrea el pintor, la góndola, el canal, la catedral, palacios, casonas, el hombre, la máscara, el ropaje y el carnaval, todo ello y más, y siempre el agua, presente en todo momento. La figura humana en primer plano enfundada en traje típico de carnaval, alcanza impresionante analogía con el modelo, recogiendo a pesar de la máscara los signos notables de expresividad que revela la identidad del personaje, que nos desvela el espíritu festivo de Venecia, para ello qué mejor en la recreación que los colores rojo y oro en la vestimenta; un lenguaje de deliberada literalidad refinada. Esta obra recoge los fidedignos rasgos de un realismo de jerarquía, en el que, el propósito estético no se detiene en la superficial imitación del modelo, sino que va más allá, busca la recreación de una atmósfera de ensueño, una oda al romanticismo, un homenaje poético, un canto festivo, a carnaval, a través del color sabiamente elegido y delimitado por un dibujo bien hecho. Hermosa obra de una ciudad encantada, perdida en el tiempo, un lugar de ensueño con aires viejos bañados de frescura, antigüedad que florece en vetustas estancias de apariencia vacías, que guarecen en callejuelas acanaladas que se enredan como pequeñas serpientes entre puentes menudos para que el gondolero no interrumpa el viaje; al final el gran canal con sus aguas verdosas de atmósfera lúgubre, para que el sol pueda brillar como en ningún otro lugar, un lugar donde se ha detenido el tiempo. Felicitaciones al pintor por esta bella estampa hecha pintura.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-07-10 00:00:00

Título obra: ST(en proceso) - Jane Roe

LA BELLEZA DE UN MOMENTO FISICO SE ANTE PONE A LA BELLEZA MAGISTRAL DE UN CUERPO MOLDEADO POR EL ESCOPLO  Y EL MARTILLO DE LOS AÑOS , MARTILLO DE DESENGAÑOS Y LAGIMAS ,ESCOPLO DE RISAS FINGIDAS ANTE LA INERMA ALMA MALDITA QUE DESTRUYO SUS MAS BELLOS SUEÑOS.   LA OBRA DE ANDREA SE INTRODUCE A UN MUNDO DONDE MUCHOS DE NOSOTROS NO QUEREMOS LLEGAR, EL MUNDO DE NUESTROS ESPEJOS QUE NOS MUESTRAN LA VERDAD AMARGA A DONDE TODOS LLEGAREMOS, ES UN RETRATO DE ESCUALIDAS FORMAS QUE SE EMBELLEXEN ANTE EL DISCOLO MUNDO QUE LAS DESPRECIA Y TRATA DE OCULTAR EN UN ESCONDRIJO FRIO Y PROFUNDO QUE SON LAS MASMORRAS DE NUESTRA CONCIENCIA. ANDREA  A DESCUBIERTO EL ESPEJO QUE NOS REFLEJA, A DESCUBIERTO LA CAMARA DIJITAL QUE NO LIMITA SUS RETRATOS, A DESGARRADO EL TELON DE LOS ENGAÑOS ESE QUE COLOCAMOS EN LA VENTANA DE NUESTRA VIDA CUANDO LOS AÑOS ASOMAN TIMIDOS SOBRE NUESTROS MUSCULOS Y NUESTRAS "PATAS DE GALLO".ANDREA ES EL MAGO  QUE DESCUBRE BAJO SU MANGA UNA REALIAD DISPUESTA A QUE XINTAMOS RABIA, TEMOR Y POR QUE NO DECIRLO REPUGNANCIA, ALLI EN ESTOS SENTIMIENTOS ENCONTRADOS, ALLI EN ESE CERRAR LOS OJOS PARA NO VER MAS ESTA LA MAESTRIA DE ANDREA, PORQUE COMO DIRIA MI QUERIDO MAESTRO, "ARTISTA NO ES EL QUE MEJOR PINTA, ARTISTA ES EL QUE MEJOR PIENSA" . H.Nossa-artista ingenuo-Colombia

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-07-10 00:00:00

Título obra: Personalidad 164 - Rafael Piedehierro Holguera

Piedehierro, artista generoso y de honda raíz humanista, concibe en esta serie de bustos una forma de escritura que antes buscó los términos de una proclamación escrita y después los contornos y modos de una cruel lección, que es la que en definitiva nos ha expuesto. El se sitúa ante sí mismo como ser-resumen para descarnarse y negar el rostro, convirtiéndolo en la faz del hombre "nuevo", el surgido de la destrucción, el numerado con una ficha policíaca, el que modula sus facciones con una geometría de líneas que estructura el semblante postnuclear de una sinrazón (manchas como redes, vendas, partes de una materia esponjosa, hasta nauseabunda). Piedehierro nos hace partícipe de sus preocupaciones y de sus reflexiones pero con tal escepticismo que podemos considerar que estos iconos son como un legado que deja para el futuro. Una visión predictora, entre lo científico y sus consecuencias y lo humano y su despiadada irresponsabilidad.  Y quiere ser tan penetrante que no nos ahorra una constitución frontal que atrae hacia un primer plano estas caras de tal forma que no nos podamos escapar de su contemplación. Y tampoco nos libra de un dibujo frío, helado, tenebroso, que nos atrae al mismo tiempo que nos repugna. Parece que nos miran aunque están ciegos; son casi como un reverso agónico. Un pintor puede tener varios objetivos centrales en la prosecución de una obra, desde los más puristas plásticos a los que consideran que los hitos de su tiempo, de su contemporaneidad deben formar parte en la misma. Este es el caso de Piedehierro, hacedor de una obra que es un lamento y también un grito sobre la condición humana, que él tiene la virtud o la desgracia de saber expresar con esa angustia y resignación.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-07-09 00:00:00

Título obra: 520 S - Pons Tello

Pons Tello pinta sobre madera y es para mi ,fuente de imaginación e ironía. Lo abstracto se convierte en la adhesión del fragmento de una posible pared de la casa de un alma presa por la angustia. Un ser humano que manifiesta en un momento indeterminado la necesidad de rasgar con un pincel, una línea en la pared de su refugio. Pasado siete días pinta otra, en la posición anteriormente determinada, llegando a cumplimentar el bloque de cuatro líneas, cada línea significa una semana. En definitiva tenemos la contabilidad de dos meses...cuando la totalidad-título de la obra, es el paso de 10AÑOS ,520S-EMANAS. Intensa sensación ,el artista se ve en la obligación de reflexionar acerca del paso del tiempo sin relojes pero separando la materialización de la sensación-pintura-línea, de la marca adhesivo 520S. Quinientas veinte semanas son tres mil seiscientos cuarenta días, gracias a la pintura podemos tener conciencia del paso del tiempo!!!! Gracias al arte podemos agregar, sumar, unir ideas y sentimientos!! Atentamente Manuel Mata Gil Titulo: 520 S Categoría: pintura Material: HIERRO Técnica: Técnica Mixta Soporte: Madera Dimensiones: 35 x 25 cm Realizada en: 2006 Estilo: Abstracto Vista: 520P

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-07-08 00:00:00

Título obra: Remolino de emociones - Sara Diciero

“Remolino de emociones”, sentimientos encontrados cifrados en el juego de tonos, ebullición desde lo más profundo, contraste de colores en su lucha con la materia, laberintos difíciles de entender de lectura imaginaria, anatomía de los conflictos del ser, caprichos de la naturaleza, erosiones del destino en la mirada. Sara Diciero viaja por los misteriosos pliegues de su imaginación para arrancarle texturas y colores que se revelan a lo previsto en su manifestación indomada, que se aposenta en la abstracción para mostrar un universo imprevisto, imagen de apariencia sólo vista en el corazón de piedras semipreciosas coralinas o minerales que habitan las entrañas de la tierra y que están cortadas con cegador filo para descubrir sus colores. En esta obra, el rojo tiene presencia importante, sobre el cual la pintora despliega su danza cromática, dándole al ocre y al blanco lugar preeminente y equilibrador del espacio, dejándole al negro el rol de crear imágenes sin contenido real, con apariencia corrosiva, perturbadora, costras de heridas que curan, resaltadas por texturas aceradas, dulcificadas con el arrope de enormes trazos expandidos con la espátula, para que el laberinto cobre misterio, microcosmos que bulle en silencio. Las emociones y su remolino, expresionismo abstracto que domina el color y las transparencias, con ricas texturas visuales y una composición que sugiere adentrarnos en el mundo de la pintora, y desde allí, con esos elementos que no pueden definirse realmente, pero que al mirar la obra se pueden descubrir en universos que están en la mente del observador, ya que la obra libera sueños, sugiere situaciones impensadas, nos deja sensaciones que despiertan a través del vuelo de la imaginación. Sara Diciero, en su búsqueda ha encontrado un lenguaje para estar en contacto con las emociones; con su labor aislada y persistente, ensancha perceptiblemente la gama de experiencias orientadas a enriquecer las posibilidades de sugestión en el observador y la creación de nuevos caminos a la imaginación en su periplo por la nada. Sólo queda felicitar a la pintora por el dominio de una técnica que le permite identidad en su estilo, logrando buenas obras de evocación abstracta para disfrute de la imaginación.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-07-07 00:00:00

Título obra: Chicos de la guerra - Martín La Spina

"LA REALIDAD SUPERA LA FANTAXIA, LA IRONIA DE LA REALIDAD QUISIERA QUE FUERA UNA FANTAXIA" VIOLENCIA MALDITA VIOLENCIA PORQUE NO PERMITE QUE REINE LA PAZ QUE REINE EL AMOR, POR QU E NO PERMITES QUE LAS MANOS DE LOS NIÑOS JUEGUEN CON PALABRAS DE AMOR ?.  MARTIN HOY ME DETUVE EN TU OBRA Y NO PUDE EVITAR QUE EL DOLOR ME CALARA LO MAS PROFUNDO DEL ALMA, TU OBRA COMO UNA DAGA PENETRO LAS FIBRAS MAS PROFUNDAS DE ESTA REALIDAD QUE TORTURA Y DEGRADA EL TRASEGAR  HUMANO SOBRE ESTE PLANETA TIERRA. TU OBRA ES UNA BOFETADA A LOS VIOLENTOS QUE TOMAN LA INFANTE PUEREXA DE UNOS SERES QUE NO SABEN DE QUE ESTA ECHO EL ODIO Y LA SOBERVIA, Y  QUE SE INCUBRA COMO MORTAL VENENO  EN LOS CORAZONES DE UNOS QUE SE AUTOPROCLAMAN REVOLUCIONARIOS QUE DE ELLO NO TIENEN NADA.                   EN COLOMBIA (MI PAIS) TU OBRA ES EL RETRATO DE ESTA REALIDAD, Y QUE OCURRE HOY.  EN ESTOS MOMENTOS HAY 2500 NIÑOS SECUESTRADOS POR LOS VIOLENTOS Y LA IMAGEN DE UN BEBE DE 3 AÑOS QUE SE ENJENDRO EN UNA SECUESTRADA, QUE NACIO EN LA SELVA Y QUE AHORA LA GUERRILLA LO MANTIENE TAMBIEN SECUESTRADO CON SU PROGENITORA ES EL COLOFON QUE BIEN PUEDE ACOMPAÑAR TU OBRA. TU REALIDAD PLASTICA ES NUESTA REALIDAD VIVIDA EN NUESTRA TIERRA COLOMBIANA Y TU  NIÑOS DE LA GUERRA NO SON LA IMAGEN DE UN PREMIO EN UN SALON DE ARTE , TU  IMAGEN ES UNA REALIDAD QUE SE VIVE A DIARIO EN LAS SELVAS COLOMBIANAS.  H.Nossa-artista ingenuo-Colombia

Críticahernando nossa cuadros - 2007-07-06 00:00:00

Título obra: Vagabundo - Clara Valiño

LA EMOCION DE LOS MOMENTOS  QUE PRESUMEN UNA REALIDAD DEMOSTRADA ATRAVES DE NUESTRA REALIDAD VIVIDA SE ENCUENTRA MANIFIESTA EN LA PRESENTACION DE SU TEMATICA, PROPUESTA CONVALIDADA POR LAS CIRCUNSTANCIAS ACTUALES DE NUESTRA COTIDIANIDAD ENCONTRADA EN CUALQUIER LUGAR ,EN CUALQUIER ESQUINA ,DE CUALQUIER CIUDAD. EL TRATAMIENTO TECNICO EL MANEJO DE UNA PALETA DEPURADA QUE YA ENCONTRO SU CALIDAD CROMATICA, ENCUADRAN SU OBRA EN UNA PROPUESTA URBANA DE LAS CUALES SU TEMATICA NO SE SUSTRAE,   OBSERVANDO CADA CUADRO ENCONTRAMOS LA SENCILLES DE UN EVENTO HUMANO TAN PRESEMTE EN LA EVENTUALIDAD DE NUESTROS DIAS ,Y QUE POR SER YA TAN "NORMAL" VERLO Y ALLARLO LO DAMOS POR SER PARTE DE NUSTRA FAUNA DE CIUDAD QUE DEAMBULA ANTE NUESTROS OJOS COMO EN UNA LANGUIDA TRAJICOMEDIA DONDE NOSOTROS SOMOS A VECES JUECES , A VECES ESPECTADORES, LO SENCIBLE E INGENUO DE CADA IMAGEN  LEJOS DESER UNA CURCILERIA DEMUESTRA COMO DESDE LA VISION DESPREVENIDA DE UN TANSHUMANTE DE CIUDAD SE PUEDEN HALLAR MANIFESTACIONES  HUMANAS QUE LLEVADA  AL LIENZO SE DIGNIFICAN TORNANDO SU PRESEMCIA EN UNA PROTESTA SILENCIOSA QUE TRASCIENDE MAS ALLA DEL COLOR Y LA  FORMA. DEJARLA PASAR  SIN ESCUCHAR SUS LAMENTOS Y SUS CUITAS ES SER UN INDOLENTE Y UN SORDO A NUESTRA REALIDAD QUE VIVIR NOS TOCA, Y SI ES ASI, MEJOR ES ENCERRANOS EN NUESTRA URNA DE CRISTAL Y SENTIR QUE LA REALIDAD NO NOS TOCA. H.Nossa-artista ingenuo-Colombia

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-07-03 00:00:00

Título obra: La destrucció o l'amor - Pons Tello

Pons Tello con la materia nos hace palpable el dolor de la destrucción ,de lo que fue y ya nunca más volverá a ser.Ese momento perfectamente inmortalizado por la Unión de dos anillos que se acarician y la Protección ante una tela de cuadrícula metálica doble e Igualdad de dos personas con una misma esencia. Utilizando las palabras,versos de Lope de Vega e inspirándome en lo que sería la destrucción del Amor,digo que...
Estoy firme ante tu presencia y el DESMAYARSE ya no cuenta.
El ATREVERSE es una ofensa,me es indiferente.  
ESTAR FURIOSO se difumina en la noche estrellada.
Lo ASPERO se hace más áspero y lo TIERNO no lo encuentro,LIBERAL esclavo del recuerdo,ESQUIVO tus miradas de fuego,ALENTADO ,e incluso yo diría MORTAL y en este mismo momento DIFUNTO,nada de VIVO. El LEAL se convirtió en TRAIDOR,hasta el punto de COBARDE. Esto es la Destrucción del Amor y Pons Tello así lo inmortalizó.  Atentamente Manuel Mata Gil

CríticaLuz Marietta Gálvez Alarcón - 2007-07-03 00:00:00

Título obra: Esquizofrenia de occidente - Emmanuel Cruz Muñoz

Es Eugene Bleuler quien en 1908 utiliza por primera vez este término para hablar del transtorno que era conocido anteriormente como dementia praecox (demencia precoz). Palabra del griego: schivzo, división o escisión y phrenos mente, “Mente escindida”, refiriéndose a una falta de integración de diversos procesos psíquicos, como percepción, memoria, personalidad, pensamiento lógico. Enmanuel Cruz, titula a esta obra “Esquizofrenia de occidente”, recrea esta escisión de la mente y la asocia con occidente, como si pensara que en este lado del mundo se produce la disociación de ideas y conductas, como una suerte de hipocresía vital (pensar en hacer algo pero hacer otra cosa diferente de un modo más o menos premeditado). El pintor, parte de la realidad inmediata, salta a un segundo plano imaginativo y subjetivo, que opera creativamente sobre aquella realidad, confiriéndole una dimensión trascendente, tematizando la enfermedad para valerse de ella y protestar. Es su forma de ver y retratar a una sociedad enferma, inmersa en sus intereses y pasiones, y la plasma con crudeza. Resulta evidente que el pintor es un gran dibujante, utiliza un trazo rápido y expresivo, usando tonalidades negras y blancas para contrastar, para que el color no le quite protagonismo y prevalezca la idea de oscuridad, esa oscuridad en la que se ha sumido la mente, esas voces calladas que cree escuchar dándole órdenes y le hacen presa de sus miedos, por eso va cayendo en las profundidades de su propio laberinto, ese que su personaje ha construido; cárcel de sus obsesiones y dependencias que muy bien retrata en los barrotes que le dibuja en el torso. El pintor recrea su obra en dos aparentes fases, el antes y el ahora, el que era y el que es, la risa y el pánico, la libertad del dominio y la prisión del laberinto; ese estado del alma en el que se es y se deja de ser; da rienda suelta a su imaginación y retrata muy bien la huída de la psique de no se sabe qué, de no se sabe quién, con sus miedos, con sus delirios, voces inexistentes que pretenden dominarle, mas por un instante parece darse cuenta que la llave de la cárcel en la que está encerrado la tiene solo él, y se ha valido del arte como un instrumento de búsqueda para su libertad interior. “La pintura es una parte de la conciencia social, un fragmento del espejo en el cual las generaciones se contemplan una y otra vez, y como tal, debe seguir a la sociedad paso a paso”. (Castagnary). Mi enhorabuena al pintor.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-07-03 00:00:00

Título obra: Sinfonía de Giselas para noches de luna. - Humberto de Jesús Viñas García

De Humberto se puede decir lo mismo que de Auguste Renoir, es un gran colorista y maneja los pigmentos con su misma voluptuosidad. Y como sólo pinta cuerpos, podemos afirmar que es un heredero de los griegos, para los cuales y desde entonces el cuerpo humano ha sido el arquetipo de forma ideal: una imagen-resumen del mundo, una metáfora del Todo que es la naturaleza. Durante siglos, el arte hizo de él un depósito donde contener la experiencia humana en todos sus estados: energía, deseo, angustia, drama (María Bolaños).  Clark nos recuerda que en el desnudo estamos nosotros mismos y nos suscita recuerdos de todas las cosas que queremos hacer con nostros mismos. Este cuadro es parte del estuario de esta tradición, la que alcanza a la experiencia íntima del propio cuerpo, la que hace visible en su rostros sensitivos la vivencia de su carnalidad: especie de ensimismamiento complacido. No embetuna ni ennegrece, aclara las tonalidades para plasmar el éxtasis de la sensualidad, el gozo y el deleite, aunque las facciones ruegan al espectador que haga tocar la música que estas nereidas llevan tatuada en sus miembros, pues sólo así recuperarán toda la intensidad de la danza que están bailando. Un lenguaje muy personal que hace que la poesía se transforme en lienzo, que la plasticidad que emana de la obra sea la estrofa de una oda al cuerpo.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-07-03 00:00:00

Título obra: Alpargatas - ricardo alipio vargas mantilla

Ricardo Alipio,nos muestra un grabado/linóleo.Alpargata-arte. La espectacular representación de lo cotidiano, de lo que económicamente vale poco, de lo que está siempre por el suelo, aquello que nos hace estar confortable, la prolongación de lo que es nuestra propia piel que nos protege, el vacío ante nuestra existencia, la oscuridad del sin sentido, el reflexionar no por estética sino por ética, el darle un valor sentimental al objeto, aquello que no tiene marca y a la vez su propio nombre le define, el símbolo de el saber estar, lo natural, tu propia casa. Estas alpargatas tiene color, han tocado suelo firme, tierra. Han pisado firme por eso está en el sitio que se merece.Grabado en tu retina! Calzado tanto para mujeres como para hombres. Calzado polifacético de bailes populares y humildes trabajadores. Vulnerable al frío y la lluvia pero fuerte para la calor y el Sol. Me recuerda la imagen de un libro abierto, el libro del artista...  Atentamente Manuel Mata Gil Grabado/linóleo.Trata del registro gráfico-pictórico donde la raiz, origen y pertenencia se indican a través de los colores de la bandera Nacional.El fique fibra vegetal con los que se elaboran en calzado son realizados con trazo de gubia(formón de forma de de media caña)sobre el linóleo directamente y impreso,en este caso sobre papel Propalcote.

CríticaFERNANDO RODRIGUEZ ROJAS - 2007-07-02 00:00:00

Título obra: retrato#1 - Gloria Zarate

La obra de gloria zarate me trae a la memoria aquella del maestro Hernando Vergara Amaya pintor Colombiano, por allá en la década de los ochenta, tiene cierta similitud en las impresiones que le da a las imágenes del rostro y ropaje de sus protagonistas, puntos inmensos o manchas de “viruela” como tildaron los críticos las obras del maestro renoir cuando hizo “desnudo bajo el sol”. En esta obra, Gloria es una de tantas extensiones o continuaciones de la línea impresionista, donde sus pioneros pretendían darle apariencia de movimiento a sus imágenes por medio de colores cambiantes, solo que como todos los buenos artistas, trata de darle un toque suyo a una tendencia ya posicionada como movimiento innovador en su momento, para hacer de su trabajo algo diferente y salirse de ese grupo artístico que se ahoga en la monotonía de querer hacer siempre lo mismo que hacen todos o repetir lo ya hecho. Neo o post-impresionismo significa todo aquello que viene luego del impresionismo sin dejar de pertenecer a su raíz principal, y quien siempre será la encargada de alimentar o servir de nutriente a todas aquellas formas de pintar que se generen a partir de la influencia que esta tendencia produzca en los “post o neo-artistas-impresionistas-contemporáneos”. El postimpresionismo o neoimpresionismo surge en las finales del siglo XIX, como un rompimiento con el “impresionismo”, ya que en este sus precursores pintaban la apariencia sin definir la forma, y los neo- postimpresionistas la reconstruyeron por medio de su interés en la expresividad de los objetos y figuras humanas, quebrantando el fulgor luminoso impresionista que era el encargado de desmaterializar la forma y la estética. En este nombre se encuentran varios estilos y tendencias, reunidos en una especie de refractaria donde se funde técnica y objetividad, que a la postre responderá a todas las inquietudes de los artistas de aquella época, y quienes no se identificaron por un estilo unificado y definido, sino que cada uno individualizo su ejecución pictórica. Cada uno de estos planteamientos debemos asimilarlos como un escaque entre sesenta y cuatro que se alternara entre blanco y negro formando un cuadrado, y que conducirá a un solo propósito: un tablero de ajedrez. Veo a Gloria aparecer en esta línea de extensión, como un “híbrido” entre explorador y colono, que tantea y busca el terreno apto para sentar las bases de su destino. Espero que lo encuentres pronto, felicidades.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-07-02 00:00:00

Título obra: LA DANZA DE LA MATERIA - arnold quintero salazar

Viendo esta obra y emulando a Fran Kafka, diría: No hace falta que hagas nada, quédate sentado en tu mesa y escucha, luego, ni siquiera hace falta que escuches, observa y espera, y luego, ni siquiera hace falta que esperes, sólo mira y quédate en silencio, quieto y en soledad, y el mundo en esta obra se te ofrecerá libremente para que lo disfrutes, no tiene alternativa, caerá en éxtasis a tus pies para tu deleite. En un comentario anterior Jorgelina describe esta obra como: “planos, volúmenes, transparencias, abstracción, figuración, colores, paisaje, bodegón, texturas, luces, sombras, increíble pensamiento surrealista, tantas cosas juntas y logran un equilibrio, una armonía”. Y no se equivoca, demasiado para un solo lienzo, elementos y vacíos que pueblan el contenido, como si fuera un collage de pensamientos varios que convergen en una idea, que le dan solvencia y frescura, que le dan fuerza en su delirio. Esta obra implica observar, adentrarse en los misterios y la fantasía de la composición, sus geometrías son líneas de fuga a la imaginación, recoge algunos postulados de la abstracción en una búsqueda que el imaginario construye; incorpora elementos inconexos y a la vez armoniosos, logrando que la estructura y pellizcos de la iconografía del pintor, como las bolas y otros, fluyan en una arquitectura futurista, que se integran con el atisbo de paisaje que equilibra planos superpuestos, dislocados en el espacio, creando una idea unitaria. Arnold Quintero, en esta obra nos recrea la anatomía de un pensamiento estructurado con materia, llevándolo a crear formas que su imaginación impregna de elementos con identidad propia, sin mayor significado que la sola visión del espectro de su universo; juega con el espacio dominándolo a su antojo, buscando sus límites; quizá se pregunta, ¿si hay limites en el espacio, qué hay más allá del espacio?, entonces arriesga, y en su búsqueda intenta conocer el misterio, integra espacios encontrados.  Como afirmaría el poeta: “Cuando experimento la belleza sé que es la verdad”. Estamos ante una obra preciosa, llena de misterio, donde la ingravidez juega con la realidad, donde los planos sobrepuestos son renuncia viva al deseo, un universo plástico diferente, que sólo el pensamiento es capaz de equilibrar. Por descontado queda que el pintor goza de una técnica depurada, avalada por un dibujo eficaz, una pincelada segura y un concepto del color delicioso, con gran sentido de la perspectiva y un dominio fluido de la luz. Felicitaciones al pintor por hacernos disfrutar de esta hermosa obra.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-07-02 00:00:00

Título obra: Burka - Enrique Cruz-Calonge

Cruz-Calonge transforma lo real según el resultado que su gran capacidad plástica le proporciona y lo que una elección determinada del método creativo le exige: un trabajo en que cada obra es un experimento. Es decir, alienta en él más la predilección por el instrumento y los procedimientos.  De ahí deriva su ansia de iniciar distintos rumbos, diferentes rutas, entre el informalismo, el surrealismo, Miró, lo figurativo, siempre investigando aquella que pueda facilitarle una pista por la que confluir hasta la consecución de su obra definitiva. Bien es verdad que tal afirmación es fácilmente aplicable a otros artistas, pero no por ello es menos cierta en este caso.      Su preferencia por el acrílico denota una pasión más allá de sus posibilidades en el procedimiento a emplear, revela una voluntad de estilo más allá de su oficio, y confía en ese potencial para imprimir un cauce de mayor libertad a su pintura. Por consiguiente, se percibe un cierto furor inventivo, una idea panteista de la materia, una inundación de fuego, la frecuencia de signos y tachaduras, profusión de blancos y negros, un informalismo extraído del subonsciente, una figuración -ojos, rostros, etc.- que intenta asomarse a ese mundo informal para humanizarle o satanizarle, una luz cuya intensidad deslumbra, etc. Y por último, es una pintura que forma parte de la dramaturgia estética española, tiene ese fuerte enraizamiento. No obstante, le queda mucho todavía aunque si persevera llegará.

CríticaLuz Marietta Gálvez Alarcón - 2007-06-30 00:00:00

Título obra: PACHAMAMA - aldo carhuancho herrera

“No existe en el mundo un lenguaje en el cual se pueda manifestar con un solo verbo tantos estados de ánimo, tantos grados de dulcedumbre, o de ternura, o de pasión, o de ira o de desdén. El quechua adquiere en estos casos la flexibilidad del manantial que se desliza por las praderas desgranando las músicas más sutiles y reflejando todos los caprichos de la luz” (R.P. Fr. Honorio Massi) Aldo Carhuancho, denomina a esta obra con un término quechua: “PACHAMAMA” que significa “Madre Tierra”, nombre que se le daba a la tierra, concebida como persona, por los pueblos indígenas de los andes. Los incas y los tiwanaku (tiahuanacu) realizaban ofrendas en su honor, sacrificando auquénidos para derramar su sangre. Entre otros objetos se ofrecían hojas de coca, conchas marinas y sobre todo, el feto de la llama, según una creencia para fertilizar la tierra, sin que faltara jamás la cosecha. Actualmente se mantiene y conserva la tradición de la ofrenda, practicada preferentemente por las comunidades quechuas y aymaras, a través de una ofrenda llamada challa o pago. El 1 de agosto es su día principal, aunque las celebraciones son durante todo el mes. El pintor, nos presenta una obra impregnada de sentimientos, esos que llevamos en lo más profundo de nuestro ser. Obra abstracto-lírico, llena de símbolos de un mundo imaginario, no para que el hombre se evada sino para que sepa todo lo que lleva dentro de sí. Y eso es lo que hace el pintor, hurga en su fuero más interno, buscando encontrar una identidad propia, ese algo que le caracterice y lo haga único, diferente; es entonces que se encuentra con lo suyo, con sus ancestros y desde ahí, con maestría en su pincel, con gran imaginación, expresándose sin las limitaciones que impone la realidad, nos retrata a su tierra, la pachamama, como él la ve, como él la siente. En la recreación, se puede observar el contraste simultáneo de los colores en sus formas geométricas desordenadas, abstractas, que nos sugieren laberintos, conflictos de la tierra a través de sus contrastes: el rojo, la sangre y el dolor, el azul, la profundidad e inmensidad del cielo y el mar, el amarillo, el color del trigo y el maíz, los verdes, la vegetación y la vida, los naranjas, el color de sus tierras arcillosas; colores que en su trazo cobran armonía para que las texturas reivindiquen su presencia, dejando constancia de la pasión que el pintor pone de manifiesto creando un mundo mágico, que nos envuelve, que nos invita a reinventar el espíritu de la pachamama. Tonos íntimos que brotan de la conciencia, formas que emergen de los anhelos sin una posible concreción en figuras, colores que por sí mismos valen por su revelación emotiva. Felicitaciones para Aldo Carhuancho, por mostrarnos su arte inspirado en su tierra.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-06-28 00:00:00

Título obra: Hombre Shambayllano - Mario DeRivera

En esta obra el pincel se convierte en escoplo, buril o cincel, para desbastar la materia, para encontra el  núcleo metáforico de su estructura. La escultura se enmascara con el plano pictórico para construir un espacio que emerge de la propia nada contenida en la piedra y que misteriosamente hace surgir formas y signos que nos hacen intuir un legado remoto. Pues sobre ese fondo rectangular granítico una ornamentación téctonica, mediante un oro incandescente, dibuja en orden superpuesto un tapiz de líneas sinuosas, de contornos quemados, de entes casi antropomórficos, que convergen en un acercamiento y una  inmediatez deslumbradoras. No están lejos mitos y rituales primitivos de una colectividad que se ha definido a través de ellos, pero también está muy cerca la creatividad plástica a la que este artista los ha sometido, haciéndonoslos tangibles, vibrantes, monumentales y hasta herméticos. La expresión estática y concentrada del lienzo impide que nuestra mirada se mueva, se nos impone y apabulla como algo que forma parte de nuestra era, que estaba en la inmensidad de la tierra  y ahora ha salido gracias este artista taumaturgo. Un hallazgo más.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-06-26 00:00:00

Título obra: Cuando cae la tarde - Laura Montanaro

Laura Montanaro, nos presenta una obra que la define como abstracta y la titula: “Cuando cae la tarde”; una aparente contradicción que nos lleva a imaginar y a la vez induce al imaginario como queriendo maniatar en su juego la libertad de la mirada; obra que nos invita a escudriñar y a compartir las sensaciones de la pintora en esta hermosa abstracción, concebida seguramente sin impulso evocativo, ni pretensión representativa. Obra que enhebra sutilmente laberintos de color, con un tratamiento predominantemente accidental que la pintora resuelve con solvencia en imágenes sugeridas, surgidas de la evocación espontánea y libre, carente de representación expresa en la composición, cuya recreación se funda en la aplicación de recursos técnicos depurados más que en una idea preconcebida. Recursos de remarcado oficio en la aplicación del color, donde los dorados y ocres de tonos y matices variados, armonizados por azules que oscurecen y se diluyen en luminosas transparencias, crean una atmósfera de evocación marinera que la imaginación se encarga de crear, ayudada por la línea que limpiamente corta los planos, dando la sensación que el dibujo compartimenta, simulando estructuras empinadas de extraña geografía. La obra atrae nuestra atención con ligeras y prolongadas líneas rematadas en negro para encerrar a los dorados, naranjas y violetas sutilmente tamizados por su pincel, que juegan con los azules que cincelan el laberinto, compartimentándolo para dejar libertad a las líneas, que fingen ser erizados espigones de velas que se alzan para dar la sensación de una imagen que se entretiene con la luz. La luz es un elemento imprescindible y necesario en este abstracto que florece en su atardecer, para que los veleros naveguen en la imaginación del observador. Atardece con sus colores cálidos y frescos bañados en azules y oros, quizá llevándose sueños o dejando pellizcos de nostalgia en los puertos que fluyen en el corazón y el pensamiento. Felicitaciones a la pintora por seducir a la imaginación en su juego con el color.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-06-26 00:00:00

Título obra: AMORTAJADO - manuela castaño hernandez

Casi toda la obra de esta pintora gira alrededor de la figura humana. Ella es su inspiración y medio de expresar en distintas imágenes y composiciones lo que el cuerpo humano le suscita, fenómeno sobre el que ella centra toda su atención.  Y lo que nuestra mirada capta es un tratamiento tenue, lineal y versátil, fruto de un sobresaliente dominio técnico, de una forma sobre la que ejerce una necesidad de desplegar un imaginario del que nos lega una visualización marcada por la crueldad unas veces veces, el sufrimiento otras, la soledad, la angustia, incluso el desdoblamiento.  El cuerpo como compendio y definición de su vulnerabilidad y fugacidad, también como un objeto de dudoso destino. El, por lo tanto, es la materia, el ente sobre el que aplica y nos resume a su manera, con su lápiz o pincel, años de tradición estética y de encuentros de nosotros mismos con una réplica que nos humaniza y también puede horrorizarnos. En definitiva, no es pintura de grandes alardes escenográficos, al contrario, pretende que la representación, a través de tonos pálidos, nos llegue al modo de un enigma plástico que cuando nos detenemos antes ella nos descubre todo su poder. Iconografía sensible, perturbadora y absolutamente necesaria. Nos acerca a nosotros mismos, a lo que encerramos en nuestro microcosmos espiritual, frecuentemente aprisionado en un nicho.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-06-25 00:00:00

Título obra: Arcángel 1 - Orlando Arias Morales

EXISTEN DIFERENTES FORMAS DE VER EL ARTE , SEGUN EL IMAGINARIO DE ARTISTA Y SEGUN LA FORMACION ARTISTICA DE LA OBSERVADOR, PERO LO IMPORTANTE EN UN ARTISTA Y EN EL OBSERVADOR , ES EL INTERRACTUAR CON LA OBRA ,EL OBSERVADOR Y EL ARTISTA. LA OBRA DE ORLANDO ES UNA PROPUESTA CARENTE DE SENSACIONALIS MOS  AL IGUAL QUE AUSENTE DE FORMALISMOS CONCEPTUALES QUE IMPERAN EN LA COTIDIANIDAD DE LAS BELLAS ARTES , QUE HOY EN DIA SE PASEAN POR LAS PASARELAS DEL ARTE UNIVERSAL. ESTA MANIFESTACION HABLA DEL LO PROFUNDO QUE PUEDE PENETRAR LA HISTORIA Y EL SENTIDO DE PERTENENCIA  EN EL IMAGINARIO DE UN ARTISTA QUE SE SIENTE APROPIADO DE LO QUE PINTA Y DE LO QUE SIENTE, POR ELLO ES DIFICIL PASAR Y NO VER, VER Y NO HABLAR DE AQUELLA SENSACION DE UN MUNDO PLENO DE IMAGENES TOMADAS DE UN MUNDO QUE A LLAGADO A UN SINCRETISMO ENTRE LO HUMANO Y LO DIVINO , ENTRE EL HALLARSE INMERSO EN UNA CREENCIA ENIDA DE BELEN Y UNA RELIGIXIODAD NACIDA EN LO MAS PROFUNDO DE LOS ANDES. EL MANEJO DE LA FORMA , LO BRILLANTE DE SU PALETA MUESTRAN A LAS CLARAS  EL COLOR DEL SOL , LA SELVA, LA LUNA Y LAS ESTRELLAS .ENTREMESCLADO CON LOS MAESTRO DE LAS ARTES, QUE COMO SACERDOTES OFICIAN EN CADA UNA DE SUS OBRA.S H.Nossa-artista ingenuo-Colombia

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-06-25 00:00:00

Título obra: Las lloronas - ingrid tusell domingo

Las lloronas de Ingrid Tusell, es una representación viva de la manifestación más íntima y elocuente del sentimiento humano; expresionismo mágico que resume muy bien el interés por los rostros como medio catalizador de un arte emocional y libre como lo define su autora. El carácter predominantemente expresionista de la obra, deja de manifiesto su bucólica inspiración, donde los rostros de las mujeres con sus cuellos largos sin literal analogía con imágenes de la vida real, tienen dimensión intelectualizada de entes de emoción latente; creación que exalta lo emotivo yacente en los rostros delineados, resaltando los contornos con clara intencionalidad de darle vigor a la expresión en los ojos que no se ven; trazo firme que sigue el dibujo inducido, forjando eficazmente la fuerza interior de sus personajes. En esta obra, los sauces le dejan sus hojas para que sus espíritus hagan de comparsa a las lloronas, hojas vivas que pueblan el lienzo para que el llanto sea purificador; la pintora a diferencia de sus trabajos anteriores, hecha mano de elementos orgánicos frescos como son hojas recién cortadas, arriesga en el concepto y lleva a su idea más allá de lo meramente estético, dejándose llevar por el impulso en la aplicación del color rojo y la textura, consiguiendo que su exploración navegue terrenos de técnica mixta. La pintora hace bien en buscar la interacción y el juego de observar y ser observada por sus obras, eso es lo que siente y debe sentir un verdadero artista durante el tránsito de creación hasta que queda acabada la obra; el hecho de decantarse por los rostros no es un demérito, y aunque yo no veo que se autorretrate, no hay nada malo en ello, y si así fuera, debo decir que Frida Kahlo lo hizo y no se le satanizó, todo lo contrario. Aunque la autora en sus obras practica un expresionismo templado, desposeído de caracterizaciones categóricas, deviniendo sutilmente en un realismo sugerido y a la vez de sensible comunicación, en esta obra su imaginación ha concebido unos rostros de sugestión fabulosa con sólo la acentuación miológica en los rostros de sus personajes, especialmente en los ojos cerrados, expresando armonía bajo la línea del dibujo, revelando la límpia creación de imágenes sin hallazgos o perturbaciones fortuitas Ingrid Tusell Domingo  en su búsqueda, ha forjado sus imágenes humanas en la línea del expresionismo mágico, en este caso sus rostros  con características propias de su estilo, no sugieren desproporción en el gesto, más bien acentúa la expresión del sentimiento sin desvanecer la filiación fisonómica que acrecienta los valores de excitación interior de las figuras, las lloronas. Enhorabuena a la pintora por esta hermosa obra.

CríticaManuel Mata Gil 924Arte - 2007-06-24 00:00:00

Título obra: Cielo - Toni Batlles

Batlles crea una obra con una atmosfera humana tensa y pinta con un realismo demoledor los miembros superiores del cuerpo humano solapados, creando un muro de carne conscientemente construido y con una intencionalidad grupal bien coordinada . Esas  manos y brazos que nos permiten crear arte, explorar y manipular el medio,se disponen a  tapar u ocultar el Cielo. Es curioso como cuatro personas pueden unirse para tapar ,anular o hacernos reflexionar ,en el arte de las pequeñas grandes cosas y en una tierra de color carne dejar caer una gota de agua creando un pozo tan profundo que puede llegar a ser el cielo,las nubes,el mar...la Verdad. Es curioso como el hombre puede sitetizar e intensificar en una marea de brazos y manos abiertas y cerradas multiples realidades. ¿A que persona no se le permite percibir y sentir el color de la vida ,de la esperanza?...parece como si Batlles invitara a meter los dedos en la fisura,en la llaga para ver el TODO. Es curioso pararse a imaginar la escultura humana creada para inmortalizar tal porción escalonada.  El arte busca la voluntad,la interacción,la actividad del espectador con la obra y su mundo cognoscitivo interior.  Me acuerdo de un refrán que dice :la carne de burro no se transparenta.Dando a entender que alguien se ha interpuesto en mi percepción atenta hacia algo o alguien. En una poesía mía digo que el que mira los espacios siderales,se riega y no se marchita. Es curioso como una ventana puede abrir miles de  ventanas(1051). No dejo de sorprenderme y todavía no he empezado Atentamente Manuel Mata Gil.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-06-22 00:00:00

Título obra: Caricia mestiza del adiós. - Humberto de Jesús Viñas García

Nuestra mirada intelectualiza con excesiva frecuencia la rotundidad de la obra de arte. Quiere ir más allá de la forma que queda en la retina, pretende construir un universo o una utopía a partir de ella, lo cual no digo que sea válido aunque no siempre, en todas las ocasiones. En esta obra, por el contrario, el artista sólo desea que nuestros ojos queden cargados con la melancolía que irradia la figura, con la emoción que enerva con ese magisterio del color, con esa magia de las formas que se extraen de su propia contextura geométrica, a las que únicamente hay que darles vida desde dentro hacia fuera. No hay que buscar una explicación a que sólo una parte del rostro exprese lo que sería una faz completa, a que la ternura contenida en las dos manos, una blanca y otra oscura, sea el símbolo de miles, a que haya una fusión alegórica del mestizaje. Cuba, cuando amanece, lo hace así, con las tonalidades y pigmentación de esa visión, dulce y triste del trópico caribeño, donde se mezclan sangres, razas y vidas. Es una obra cuya plasticidad se percibe de manera inmediata y que deja un agradable sabor en la contemplación del espectador, que intuye una fuerte voluntad estílistica en recrear una geografía humana que le es tan íntima y cercana. Este pintor reúne una impronta y un sello personal que siempre sabremos identificar. Enhorabuena.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-06-21 00:00:00

Título obra: Pintura 3416 - Orlando Arias Morales

Arias Morales, pareciera decirnos, si quieres ver el mundo en un grano de arena y el cielo en una flor silvestre, observa esta obra y deja que tu imaginación te lleve a abarcar el infinito en la palma de tu mano y la eternidad en un instante, justo cuando entre en éxtasis tu mirada, justo cuando abducida por el paisaje cósmico tu imaginación, en pleno vuelo entre luces y sombras que se abrazan, trate de desvelar el misterio plástico que sus geometrías encierran. Seducidas por la abstracción, las líneas en su pintura, son haces de color centellante, que se entretejen y subsisten como panales de abejas, que juegan con la geometría en su impacto con la luz, elemento esencial que desborda los efectos puramente ópticos para generar una experiencia visuasoria, de formas sugeridas que subsisten creando laberintos que se cruzan, que se aíslan para integrarse en medio de un inmenso océano de color, donde el pintor permite que coexistan todas las posibilidades cromáticas, colores que parecieran salir de la oscuridad. Una lectura atenta de la semántica de esta obra, nos permite observar un lenguaje plástico dentro de la abstracción, una propuesta personal, que contiene informaciones y percepciones místicas del campo estético; crea una lingüística con identidad, donde la imaginación se deja llevar más allá de la formalidad, a un contexto de interpretación de la perspectiva, generando fenómenos visuales como nexo físico-psíquico entre el universo del pintor y el observador. La abstracción en Orlando Arias, (pionero e inventor de la robótica) es otra forma que tiene de expresar, lo que muchas veces sólo se puede expresar con la imaginación, para ello se sirve del color y utiliza los caprichos de la geometría sugerida, la misma que encuentra refugio en la luz para que se manifieste, con señales de universos metafísicos en la nada que van más allá de lo meramente real. ¿Qué es lo que el pintor nos brinda para la contemplación?. ¿Qué es lo que quiere expresar?. Pertenece a lo más íntimo de su pensamiento, a lo más íntimo de su universo, pero lo podemos intuir en el gesto y en el color, en lo que nos dice la obra; tiene algo lírico, tiene mucho de misterio, un poco de fantasía, rasgos de laberinto, una poesía bañada en color. Enhorabuena al pintor por esta magnífica obra.

Críticahernando nossa cuadros - 2007-06-21 00:00:00

Título obra: Cancion del agua - Emilio Fatuzzo

OBRA DIFICIL DE HALLAR EN EL ESPECTRO  OBRA QUE SE ENCAMINA POR LAS VEREDAS DE LA MEMORIA OBRA QUE NACE DE CAOS INTERIOR DEL HUMANO OBRA QUE DESPIERTA OBRA ATREVIDA  OBRA QUE RESPIRA A .................... VIDA. NO ESTA HECHA PARA LA DULCE MIRADA DEL NEOFITO. NO TE SOPORTARA EL QUE VACIA TIENE SU MENTE ES LA LUZ EN LA LUZ DE LOS QUE DICEN VER ES LA OTRA CARA DE LA MONEDA QUE NO SE COMPRA Y..............................................................NO SE VENDE. TRANPASA LO PROHIBIDO Y TE VUELVES REALIDAD PONES EL DEDO EN LA LLAGA NO COMES DE LAS MIGAJAS DE LA HISTORIA ES TU MUNDO  EN ESTE MUNDO. ES OTRA HISTORIA. H.Nossa

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-06-20 00:00:00

Título obra: Metha Morphe II - Rafael Piedehierro Holguera

Pons-Tello nos ha ofrecido un comentario perfecto para ilustrar una obra de tal dimensión, que no requiere etiquetas sino una nueva forma de ver y significar a tal creación en el marco de un espacio y tiempo concretos. Y a este respecto viene a confluir la evocación de una palabras de Víctor Serge en su libro "Los años sin perdón": "Su poder no es el de expresar el sueño, sino el de lograr la síntesis de un sueño de edad de oro y una realidad depurada: de esta forma encuentra la maravilla de lo verdadero. Un rostro tiende a realizar un arquetipo dado por los milenios mismos que han refinado la cara humana. El rostro material condensa, al haberlo obtenido en una lucha con el espacio, las contusiones, las deformaciones, las taras, los trastornos del barro-carne, y todas las expresiones miserables quedan allí adheridas". Pons-Tello vislumbra lo de su tortura y sufrimiento interior, lo que no es óbice para percibir su erosión exterior, su deformidad genética y existencial. Por lo tanto, este busto es un símbolo de una destrucción, la destrucción que engendra una realidad particular elementalmente próxima a lo irreal. Y volviendo, como colofón, a Víctor Serge, se trataría de una inmensa pesadilla auténtica. Impresionante.

CríticaGregorio Vigil-Escalera Alonso - 2007-06-19 00:00:00

Título obra: 3-Cris Acqua-Que hacemos... - Cris Acqua

Una original y ascendente distribución en horizontal de un cuadro mural compartimentado en seis cuadrados, nos ofrece una perspectiva de la concepción del artista respecto a la condición interior de la naturaleza humana. El fondo negro o azul oscuro nos trae a primer plano el bosquejo de unas figuras que parecen salidas de unas escenas fotográficas convencionales, típicamente familiares. Solas o en grupos y en distintas posturas trazan unas formas pictóricas fruto de unas emociones íntimas, palpitantes, de las que se desprenden evocaciones de sufrimiento, soledad y hasta horror. Las finas lineas blancas que las separan todavía hacen más intentas y apasionadas a esas imágenes que perturban a la mirada del espectador sin darle descanso. Los colores, en manchas dispersas, aplanados, constituyen la fuerza simbólica sobre la que descansa la falsa simetría de los cuerpos, su fealdad, la regresión a un paraíso en el vacío que se quiere describir como un más allá hipotecado en el más acá. Obra conmovedora y cruel, la pincelada que perfila esa fantasmagoría ha seguido los rastros que llevan a un carnaval dramático y nos lo deja para su contemplación, como señal de que podemos reconocerlo en cada instante.  El desasosiego deja paso a la reflexión.

Críticajulia m. tello - 2007-06-18 00:00:00

Título obra: INTEGRACIONISMO PALENQUERO - LAS PALENQUERAS - FERNANDO RODRIGUEZ ROJAS

El pintor Fernando Rodríguez Rojas demuestra en su obra una vida dedicada al arte, es claro de ver su concepción de la belleza con el colorido que baña sus pinturas, en las mezcladas y transparentes formas de la redacción pictórica de un paisaje cultural intrépido. Su arte es novedoso, ataviado por la abundancia de elementos cromáticos y formas realistas ideando un conjunto ecuánime y talentoso. Artista adoctrinado en el relato más puro y limpio de los tópicos que enriquecen lo autóctono de la Colombia mas mestiza, trovador honesto en los cantares plásticos de una jornada limpia bajo el playero sol de una comunidad alimentada por la tradición. Sus geométricos puzzles, hacen detener la mirada en su obra, y; escudriñar con minuciosidad la geometría que encandila y descubre una trama real, consiguiendo que lo superfluo sea mágico y lo evidente se transforme en una folklórica escenificación de costumbres entrañables para el pintor, logrando ensoñadoramente hacernos llegar las voces de las vendedoras en sus playas. Su mercadeo costero confluye armónicamente con sus estilizadas bañistas, recreando el esparcimiento de los visitantes que legan el sustento a las Palenqueras, poniendo de manifiesto un conjunto de elementos muy bien equilibrados conquistando la admiración del observador. Me encanta la composición de esta obra y me hace conocer su perspectiva de lo cotidiano y sus vivencias; enhorabuena a Rodríguez Rojas,  merecidos lauros le adornen.

CríticaJORGE ERNESTO IBAÑEZ VERGARA - 2007-06-18 00:00:00

Título obra: Serie Cuerpos 5 - Jose De la Barra

El pintor, se aferra al sustento figurativo de su obra, recorre con entera libertad su proyecto estilístico, sin detenerse en encorsetadas disquisiciones, dejando que el imaginario fluya armonioso con aires prestados de la realidad, para que prevalezca lo surreal mágico, favoreciendo la presencia de una labor original de indicios propios. Escena que sugiere intencionalidad con aire de erotismo sutil, en medio de un delirio escénico, donde dos mariposas simulan llevarse cual cometa de niño la tela que hace de antifaz improvisado a la ninfa de pie, dejándole libertad a la imaginación para que sienta el tacto de la piel de la fémina tumbada; la escena fragmenta el plano dando la sensación que está sobre el mar; participan en el juego dos pajarillos, uno que observa y otro que parece tener la clave en la punta del hilo que sujeta con el pico para que perdure la escena; al fondo, mudos testigos un mar sereno y un cielo multicolor que acompasan en silencio la alegoría. Personajes imaginarios, bañados de fantasía, emulando arlequines cándidos, seres de ensueño entretenidos en actividades, sencillas, de dispersión, de ocio, personajes de cuento, de carnaval onírico, vestidos con colores festivos, personajes que pueblan el mundo fantástico del pintor. En esta obra, el rico colorido en la composición, denota una concepción luminosa de su propósito, que discurre por armónicos esquemas que coquetean lo decorativo; donde el pintor con trazo firme deja constancia de su dominio de lo académico para establecer su propio concepto pictórico, fortaleciendo su actitud en la imaginación para su cometido, ideas que resuelve eficazmente con recreaciones que le permiten el lucimiento de su destreza en el manejo del color y la forma. José de la Barra, navega en el lineamiento de las figuras, inducido por intenciones de primordial armonización, que enriquece con la intensidad del color que prevalece sobre factores de expresión; el color encendido y en contrastes armoniosos a la vez, le dan un aire místico, manteniendo una ligera inclinación fantástica, fresca y renovadora. Felicitaciones al pintor por su propuesta, logra trasmitir fantasía al inconciente para deleite del espectador.

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