Amigo Waldir. <br /><br />Cuando el arte solo es solo belleza, carece entonces de su principal misión, la belleza es importante, es cierto, pero el arte desde siempre ha sido el narrador de la historia, y la voz de quien no tienen voz para denunciar las injusticias. Ese es el papel del arte, el arte es quien ha descrito las escenas de lo bueno y de lo malo durante los siglos, y sigue siendo la antorcha que alumbre, cuando los sordos son por que lo quieren serlo. Ese es el papel del arte. El mensaje de cada obra es lo importante, no la perfección, pero cuando se unen las dos partes, nos encontramos complacidos por lo que vemos, así me sucede a mi al ver tus obras. Tienes una amplia gama de temas, donde tocas varias teclas, especialmente las teclas del impresionismo. ¿Acaso no fueron los que destaparon otras necesidades de cierta gente en la sociedad? Acaso desdeñaron el pasado? No. El realismo fue una época muy bella, pero la mayoría se basaban en quien consigue hacer la mejor obra, pero de parecidos paisajes humanos, sin embargo el Impresionismo y el expresionismo, salieron a la calle y dibujaron a gente no tenia sitios en los salones. Plasmaron sus aspectos tal como eran y sin ningún maquillaje, también sus dolores, colores y sudores, Que en ocasiones han servido para hacernos más cómplices con los que nos rodea, y me paro especialmente ante esta obra tan magnifica, es educar a los niños para cuidar la naturaleza, dependemos de ello, para vivir como para soñar. Ahora y siempre.Sin las denuncias como esta, nos veremos en un mundo seco. La vida de todos es el mensaje de tu obra, te felicito. <br />
<p>Se puede decir, que la idea o el mensaje seria lo cerebral que somos las mujeres......., pero se puede observar en el colorido, el aurea y sus connotaciones, los tonos, definen un aurea especial en todos los sentidos, la imagen recortada es preciosa en los contronos y el color deja ver la sombra.....quizas del pensamiento</p>
La expresion de la imagen, hace pensar en el color, que sin ser intenso, manifiesta una gran profundidad ....., los brillos del blanco y el resalte del color negro, lo hacen especial y magico. Muy intensa y placentera a la vista y a los sentidos...el rojo siempre es el color de la fuerza, y consigues transmitirlo.<br />
<br />Excepcional combinación de naif, abstracto, surrealismo, conformando un estilo propio. <br />Graciela Bello magnifica la pequeñez física del ser humano ante el universo que le rodea; ante su propia obra y ante la gigantesca capacidad de la mente de abarcar el todo, el macro y el micro cosmos. <br />Color, forma, espíritu, la reflejan ampliamente en su capacidad hacedora, observadora tenaz de lo cotidiano y de lo sublime<br /><br />En esta obra el predomimio del surrealismo nos permite indagar mas allá de la figura. y el entorno abastracto, dejando a la vista que el equilibrio es un limite sutil que nos permite cierta indiferencia hacia los peligros que acechan. La imaginación del personaje lo hace feliz. la abstraccion geométrica le permite sobrevivir de un posible caos.<br />Obra admirable en su sencillez <br />
Vicente Heca artista. <br />En el Arte es importante la belleza, y también para los gustos de cada uno, además cuando uno habla con el lenguaje de los poetas y describe lo que hace en el idioma de platón, su arte tiene gancho, y sus obras captan la atención. <br />En esto navega el arte de Vicente, filosofía y belleza. No es de mi intención hablar por hablar, sino adentrarme en la obra de Vicente. <br />Sus obras hablan y preguntan, ¿Quien fue antes; la luz o la sombra? Quien es mas bello el objeto en cuestión o lo que su sombra produce con el enfoque de la luz? <br />Nacido en la ciudad de La luz, no es extraño que dedique su obra a la luz, <br />Grandes artistas han nacido en esta gran ciudad, Quien no conoce al Maestro de la luz Don Joaquín Sorolla? Hijos de la misma ciudad. <br />Vicente estudia en su obra la luz, la principal causa de todas las apreciaciones. Sin la luz no hay nada bello ni nada feo, sin la luz todo es plano, sin la luz nada puede ser admirado. Las obras maestras de Sorolla que han cautivado al mundo, como estarían sin luz? <br />El artista Heca, estudia en cada obra el efecto visual del objeto y la transformación de las sombras producidas, unas sobre otras creando distancias en los espacios cortos. Hasta mitad del siglo XVIII el paisaje era el tema poco atractivo, pero es por no haber leído bien su mensaje, sin embargo ahora todos admiramos los genios del Impresionismo y el naturalismo los que nos dejaron obras maestras de difícil igualación. V.Heca no imita a nadie, sino crea, Y su creación es filosófica, profundizando el tema de la sombra. Quien ve las obras de Schommer, arte en fotografía, descubre la belleza oculta de las cosas. Y sabrá también el objetivo de los artistas, no es otro que señalar las bellezas, que son de sombra y de luz. <br />En eso sobre sale la obra de Vicente, Con Peter Blake tiene encuentros en temas, Los dos artistas pasaron por Estados Unidos, pero no se conocen. No es Necesario ni es importante quien fue antes, sino el ver que las ideas son un caldo de cultivo en las cabezas de los genios y se pasan de unos a otros sin haberse conocido. Y repito lo que dijo un gran artista; nunca hay una obra terminada. Acaso las ideas no son obras? Desde Platón hasta ahora, todo el mundo habla, pero no todas las palabras tiene el mismo valor y la historia escribe muy pocos nombres, Vicente ya tiene huellas para la historia. <br /><br />Abdul Kader Al Khalil <br />الفنان بيثينته هيكا <br />من مدينة الضوء. جميع آراء الناس تلتقي وتقول. فلانسيا بلد الضوء وبلد النور, وليس غريبآ ان نستمع درسآ يدور حول الإضائة والنور من من هو فنانآ ومن أبناء هذه المدينة العريقة. جميعنا يتأثر في الجمال النظري للأشياءو لكن ليس من جمال يذكر بدون إضائه وليس من أشياء تذكر طالما لا تشاهد. من هنا تأتي دراسة السيد هيكا. ويسالنا بلغته الفلاسفة من أمثال بلاتون. من هو الهام الشيء ام الظل, من هو الأول ومن هو الذي يسبقنا, في أكثر الأحيان هو الظل وفي جميعها النور, لو نظرنا الى لوحة قبل البداية نراها سهلآ لكن الظل والنور هو الذي يخلق البعد والمسافة والجمال ويسمح لنا ان نرى الأشياء, وعندما يعكس الظل على نفسه نشاهد مراكز اظلم من أخرى فقط من تراكم الظل مع العلم انها في نفس المسافة. بلاطون جعل من الكلمة طريقة للحديث و بيثينته من النور طريقآ لمعرفتنا على أنفسنا, ومن الظل طريقآ لنعرف المسافة. <br />الفنان والناقد التشكيلي. <br />عبد القادر الخليل <br />
E<em>stimado creador de sueños y viajes oníricos.<br />Quisiera felicitarlo por su magnánime obra pictórica.<br />Es uno de mis artistas predilectos.<br />Mis más sinceras felicitaciones por su quehacer artístico!!!</em>
<strong>Dino, esta obra es una de las más magníficas de tu colección.<br />Se puede ver tu notable virtuosismo y creatividad.<br />Sé que eres un artista consumado y reconocido en tu país, pero solo deseaba manifestar mi humilde opinión y gran admiración para con toda tu maravillosa obra.<br />Saludos</strong>
“El enfermo”, el acierto de Arias Morales para representar este tema poco abordado, no está en sus capacidades como pintor, sino que trasciende el pensamiento que hurga en la creación para encontrar la justa línea donde el arte preña a la idea. <br /><br />“Pareciera que el enfermo se consume en su lecho de muerte, o quizá, sólo está enfermo de pesar, muerto en el pensamiento lleno de tedio, actor suicida en el teatro de su vida”. <br /><br />En esta obra, no sólo la representación de la forma es captada con acierto, sino que la imagen expresiva traduce la íntima psicología descubierta en el gesto, la emoción y el sentimiento que aflora en el ademán, la mirada o el semblante, reflejando el ánimo de la figura captada por el pincel del pintor <br /><br />El dibujo desprovisto de complejidad, llena de primigenia creatividad, impregna de emoción el gesto que campea en el lienzo, en el que pervive representado al enfermo en una escrupulosa concepción expresionista, donde convive diseño y color en responsable actitud plástica. <br /><br />El neo-figurativismo expresionista de la obra, desarrolla un tema de marcado raigambre social con voluntad de reclamo; “el enfermo” cobra relevancia plástica por la originalidad de su estilo y la dimensión comunicativa de fuerte impulso emocional, y es que la obra está articulada con una vigorosa animación dramática perceptible en la generosa gama de colores frescos para quitar dramatismo al tema, que va arropado por la expresividad de la idea. <br /><br />Su desarrollo estético no se detiene en la superficial representación del tema, sino que trasciende en la búsqueda de la expresión que palpita vivamente en el lienzo <br /><br />Arias Morales despoja el aire dramático y tenebroso al tema, imprimiéndole el sello personal de su estilo. <br /><br /><br /><br />
Orlando Arias Morales, recrea una maternidad tomando como referencia a una mujer de origen africano con su hijo recién nacido en brazos. <br /><br />Una mujer guiada por su instinto, con gesto adusto, serio, valiente ante la vida, iluminada tan sólo por el destello de la blanca luz de sus ojos que contrasta con el color de su piel, una tierna mirada felina ante la vida, llevando a cuestas su condición de madre con mil sueños desperdigados sobre su cabeza, aderezando sus ilusiones con amor infinito, colores que se despliegan como si fueran alas de mariposas de sueños. <br /><br />El pintor partiendo de un dibujo sabiamente encausado para recoger la expresión, va bordando con fino hilo el sentimiento que toma forma poco a poco mientras los pigmentos van invadiendo la geografía del lienzo que pierde su virginal blancura cuando la imagen aparece ataviada de color como ente revelador de su lenguaje. <br /><br />Arias Morales, despojándose de tonalidades encorsetadas por la realidad nos deja una recreación distinta, para que la realidad intrínseca al sentimiento tome vida, sea objetivada con la percepción interior más que con la mera superficialidad de la imagen. <br /><br />Esta obra, mantiene una combinación armónica de líneas y colores que resaltan la idea, una alta expresión eurítmica en la plasmación del motivo, una bella representación que recoge el gesto maternal y a la vez las virtudes de la impronta del pintor en el proceso creador. <br /><br />Bella obra que armoniza con colores suaves y calidos una excelente recreación, una maternidad que no deja indiferente. <br /><br />
Digamos que acabo de conocer a Laura y su obra en este espacio de Artistas de la tierra aunque está presente desde 2007.<br />Laura Montanaro desarrolla pintura tradicional en variadas técnicas creando obras de sutil colorido y armonía del lenguaje expresivo. desarrollando temas con espacios abiertos, podríamos decir que casi no usa líneas o espacios cerrados y me pregunto si será influencia de su vivencia geográfica sobre las riveras del Plata y sus consiguientes llanuras... bien, eso es tema de psicología.<br />Digo que sus obras se expresan mediante espacios abiertos que contienen una poética enunciada en los títulos, abstrayendo la esencia de la idea, dejando solo la figuración necesaria. <br />Las obras aquí vistas están engamada, sin sobresaltos y diríamos que sin límites entre tonalidades, de esta forma nos permite acceder suavemente a los distintos momentos sugeridos.<br />Uno de sus temas, el tiempo, es abordado específicamente en Fracciones… Ese concepto tan común y a la vez tan huidizo, tan inasible lo vuelca en dos instancias, una de ellas como un Aleph borgeano donde todo se percibe aun tiempo, todo se llega a comprender. La otra fracción de tiempo va surgiendo y se eleva para ir consolidándose dentro de un movimiento ondulante y se extiende con sus momentos claros y otros oscuros sin dar énfasis al color, tan solo la claridad del siena y los grises que le son propios. <br />Estas dos obras son como un espejo interior de Laura y reflejan su actitud frente a interrogantes universales, una actitud sosegada que va adquiriendo sus propias convicciones dichas convicciones las va volcando en distintos instantes poéticos que vivencia desde si y proyecta a su rededor en la imagen y en la palabra.<br />…….Torbellino de Sueños / El regreso / Nostalgias marinas / Anochecido / Imposición de la imagen / el desierto de los tártaros / Al rescate de la Libertad / celebración a la amistad / hacia el encuentro /Cuando cae la tarde / Proximidades remotas / Recuerdos que emergen / bodegón / Fragmentos del tiempo / Fragmentos del tiempo II / Torbellino de pasiones / Cuando la noche y los sueños duermen /……….. <br />Felicitaciones Laura por su obra<br />
hola cecilia<br />las magnolias son mis flores favoritas, de hecho tengo varias obras de ellas, y me parece muy hermosa la ejecucion de tu obra, magnificos resultados en la pincelada blanda y el manejo de la luz, te felicito esta muy bien realizada.<br />espero seguir viendo mas obras tuyas
mirta: realmente impacta, facinacian ante los hechos es la que reflejan las caritas de los niños representados en tu obra, tristeza, angustia en otros, orgullo de madre... curiocidad infantil.<br />en verdad tu obra es muy dulce.. me encanto el concepto, experimenta solo en oleo tal vez resulte mas impactante este ejemplo que nos regalas esta vez.<br />felicidades
jesus<br />tu obra es muy buena, el manejo del movimiento de la ola es ta muy bien logrado sobre todo la ola de regreso me dala sensacion de vertigo, considero sin embargo que las pidras estan un poco desdibujada, pero aun asi es un cuadro muy hermoso. felicidades
El Arte de Delia Dupuy <br />Artistas de la Tierra nos ha permitido conocer el arte actual y más allá de los límites de nuestras zonas; y más de lo que podemos imaginar. Nos ha acercado a los talleres del arte mundial. Los que siguen el arte, tienen la posibilidad de conocer los movimientos y las ideas día a día, y los críticos de arte les han acercado todos los niveles del arte mundial y a la vez pueden opinar sobre cada cual. Al visitar el arte Argentino, nos encontramos con un nivel muy alto en artes plásticas, y son mucho los artistas que nos ofrecen su buena creación como la artista Delia. <br /><br />La obra de Delia nos transmite un pensamiento filosófico, es verdad que el pueblo argentino habla con filosofía como norma general, pero Delia en su obra lo habla y lo señala, nos transmite una belleza más amplia de la hermosura de sus caballos. Con cada uno de sus caballos hay un mensaje, la libertad deseada, la lealtad mermada en el genero humano, el compañerismo menguante, las parejas que no lo son aunque beben del mismo arrollo y duermen bajo el mismo techo, la inteligencia que a veces carecen algunos, la sabiduría de mirar adelante, la precaución de no pisar a nadie, la mirada de vera a oscuras y mirar adelante. Y tantos otros mensajes, cosas que agradece en los caballos o en las personas, y cosas hecha de menos y que ha perdido el se humano. <br /><br />El arte es la lengua de decir los defectos y virtudes de la sociedad, de señalar los sueños del autor mismo o de las masas, y todo se tiene lectura en las buenas obras de Delia. No es posible inclinarse por una sola obra, sino por la exposición en general. En su pintura no pretende plasmar los detalles del animal, sino la nobleza de este animal, y no pretende dar explicaciones a quien no quiere entender. <br />Puedo hablar de su estilo y sus hermosos tonos, pero he preferido hablar de sus símbolos, de su manera filosófica de narrar las historias para hacerse más nobles las personas. <br /><br />تشتهر الأرجنتين في أشياء كثيرة للشهرة والفخر لكل مواطن. وتصلنا في السنين الأخيرة موجات عريضة من الفن الأرجنتيني. لقد سار الفنانين في الأرجنتين على سيرة الفن العالميو وهناك مدارس تخص فن هذا البلد, من صفة شعبها الأصيل هو الفلسفة في الحديث والنقاش, لكن نجد ان أسلوب الفلسفة العذبة والهادفه تستعمل الى حد بعيد في الفن التشكيلي. حين نتصفح ونزور معارض بعض الفنانين نجد هذا ملموسآ كما نراه في لوحات داليا. الهدف ليس هو العناية بجمل الحصن والخيل, لكن الهدف هو صفات هذه الحن في أوقات منفردة, وصفات كثيرة فقدها الإنسان وتشير هي اليها في كل لوحة, الذكاء, الوفاء, الصداقه, النظر الى الأمام, الهدف في السير مهما كانت الصعوبات, القوة , الأصالة, الفخر , كلها اشياء ملموسة , هذا ما رأيت من جمال هدفها وعناية ريشتها, فن اللوحة لايهدف دائمآ الى الجمال الأول بل الجمال الداخلي. <br /><br /><br />الناقد والفنان التشكيلي........ عبد القادر الخليل. <br />
Hermosa obra con infinidad de detalles que dejan apreciar una sensación de profundidad en el espacio dando un excelente toque de realismo. <br />Me inspira paz y tranquilidad.<br />Felicitaciones!
Aminta y la eternidad <br />Aminta derrama la eternidad en colores que connotan antigüedad, opacidad que el tiempo va derramando sobre las cosas y los seres. <br />Con pocos elementos pero de amplio significado arma el esquema que habla de lo material; la tierra, los mundos conocidos, la vida misma <br />El triángulo, figura que remite a lo místico, a lo indeformable, sus vértices se apoyan en la actividad humana, en la tierra y en el espacio.. todo esto se manifiesta y desarrolla por debajo de un horizonte virtual... donde habitamos, donde buscamos ese camino a la eternidad que ubicamos en el gran espacio exterior llamado cielo. <br />
<strong>Muy buena tu obra, Agustín.<br />Posee la fuerza del la vieja escuela expresionista alemana pero con tu sello personal.<br />El trazo violento y enérgico junto a la audaz composición, hacen de esta maravillosa pintura un delirio de texturas y rtimos que armonizan en su agradable conjunto visual.<br /><br />Mis mas sinceras felicitaciones!</strong>
Dicen que el Impresionismo ha sido la reacción contra el clasicismo y puede ser ?. <br />Y dicen que el dadaísmo, y el Fauvismo se oponen al impresionismo por el uso de colores, también puede ser, pero el impresionismo sigue alzando antorchas como através los vénceles de sus fieles. En el siglo XIX sus abanderados eran Eduard Manet y Millet. Que destacaron por sus técnicas y colores vivos, y la pureza de los colores, luego fueron Renoir, Degas, Cëzanne y Pizarro en una época y Vicente Gimió Ripoll en este tiempo. <br />No es ninguna exageración la comparación entre los maestros de antes y los que son fieles a este movimiento en nuestro siglo, nada mas encontrarse ante una obra de Vicente y uno se da cuenta que esta ante un artista excepcional, domina perfectamente los movimientos que sigue, el Impresionismo y el naturalismo, No se si ha sacado los caballetes a los campos del Mediterráneo, pero si ha igualado en exactitud y detalles a los maestros en su estilo. Me recuerda al Maestro Renoir por captar la luz filtrada y la luz pasada entre hojas. Y en otras me recuerda a la preocupación de Cizanne en plasmar el volumen y el color desde lejos, y Vicente lo consigue con soltura. <br />El visitar la exposición de Vicente; es una alegría visual, y lastima que no utilizan sus obras como un atractivo turístico. No solo por arte, que también, sino para hacer llegar a un tipo de turismo amante del paisaje, y las obras de Vicente son la eterna primavera. <br />Me detengo ante esta obra los Vendimiadores donde el artista ha captado el movimiento real en una época del pasado, hay Quien hace una copia del paisaje, pero el hace la copia y el movimiento de luz y social que ocurren en este espacio de tiempo, y destaca en su obra, que esta en su tierra específicamente, la vendimia en el Mediterráneo es cuando las parras están muy verdes, mientras en otros lugares se hacen cuando ya las hojas están en color ocre, no se ha olvidado ni del mínimo detalle, y que podemos decir del esfuerzo de los vendimiadores? El color puro contrasta con los colores complementarios del fondo, y las huellas de la maquinaria se hace presente por haber estado hace un momento. He visitado muchas veces sus espacios y cada vez mi paseo es mas largo y mi asombro es mayor. Es un gran artista. <br /><br />الفنان التشكيلي بيثينت جيميو ريبول <br />لقد غاب الإنطباعيون بعد اوائل قرن العشرين و لكن المتعلقين في هذا المذهب مازالوا يحملون هذا المشعل ومشعل الواقعيون دون اي إهمال, وممكن ان اقول ان هناك من يسير مع مستوى عظماء هذا الإسلوب وحتى يتجاوز في جمال الجاذبية. وهذا مثال الفنان بيثينت , لوحاته تذكرنا ب رينوار ب إدوار مانيه وديغاس و سيزان وبيسارو, لقد أخذ منهم الدقة في الهيكل والإسلوب وحتى في تسرب النور بين اوراق الشجر. في لوحته هذه قطف العنب, لوحة واقعية يهتف بها صعوبة العمل وقساوة الشمس , ويرسم لنا لقطات متحركة لفترة من الماضي ويضعها في الحاضر, لقد عرف الواقعيون في نقاوة اللون وفي وضع الألوان القوية الى جانب الألوان الثانوية دون ان يحدث اي تأثير, فإذا نظرنا الى أعمال هذا الفنان نجده انه لم ينسى اي نظرة من كبار الفن ويضيف الى ذلك الأشياء البسيطة لكن تعطي إشارة هامة, وهذا نأخذه من أثر الدولاب في ارض المسرح الذي جعله بعيدآ حتى لايأخذ الأهمية للوحة. ولم ينسى في اي لوحة الوان بحر المتوسط الذي يعيش في أطرافه, هكذا يكون الفنان العظيم. زيارة الى معارضه هي جولة واقعية في حضن الطبيعة , <br />الفنان التشكيلي عبد القادر الخليل <br />
Blanca Amelia Gabaldón Venegas es un libro de arte expuesto para ser visto y oido (leido). <br />Artista autodidacta con un tesón y voluntad envidiables nos ha presentando obras variadas que la han ido encauzando hacia una creatividad fundada en modelos de maestros o de imagenes que le llegan al alma, su estilo es el estilo que le brota en el instante y algunos de esos instantes son durables en el tiempo cuando, como ella misma dice que tal obra (Cazador) le ha insumido cinco meses <br />"Cuando me quiero apartar de la realidad busco trabajar en tinta china por el nivel de concentración............................................................ "Por fín lo terminé, me llevó casi cinco meses de trabajo, lo repetí varias veces." <br /><br />Blanca estudia, lee permanentemente, no se cuanto pero ha de ser mitad de tiempo estudio y mitad realizacion ademas incursiona comentando obras de distintos autores. Todo esto habla en parte del porqué de su obra tan variada. El embeberse de los distintos maestros, las distintas técnicas, las distintas corrientes o escuelas le va provocando la necesidad de ver como es, como se realiza, como se siente la experiencia leida.... Blanca no se queda con solo saber, con solo los conceptos, quiere sentir de todas aquellas maneras que sintieron los maestros... <br /><br />Blanca tiene gran creatividad pero la deja escurrir suavemente, gota a gota y la vuelca en imitaciones o copias a las que les da su sello su peculiaridad. En alguna oportunidad me comentó que ella era principalmente una "copista" pero todos podemos ver y por tanto asegurar que no es asi. Blanca es una artista y solo en poco tiempo mas sera totalmente creativa ya sabemos que los temas son siempre universales, se reciclan pero cada autor le da vida nueva, las proximas obras de Blanca seguro seran una aurora. <br /><br />Felicitaciones Blanca Amelia, esta geometria / mandala tiene en exposición tu interior, dejarás el laberinto y espirales y exploraras el gran espacio que te espera. <br />
<strong>Apocalíptica sensación.<br />La gestación del Nuevo Hombre se concreta en esta simbiosis máquina-humano para rematar en un ente que gobernará un futuro distante o , acaso ¿próximo?.<br /><br />El verismo en la realización y el perfecto claroscuro , entre otros, nos acerca aún mas a su credibilidad, herizándonos los pelos y la consciencia de nuestra naturaleza humana y científica ...del hombre contemporáneo.</strong>
<strong>Maestro Masiero, su increíble pintura "En el reino de Kamed", es una obra exitante, quimérica , apocalíptica que nos proyecta a un ámbito donde reina la magia, la incertidumbre ,y el misterio ,dentro de una tridimensionalidad indescriptible. <br /><br />Fuerza, carácter, virtuosismo son la íntima esencia de esta obra. <br /><br />El absurdo y el capricho se apodera de la composición,invitándonos a cuestionarnos un sin fin de interrogantes, que nos acerca irrebatiblemente a su prístina naturaleza.<br /><br />Todo es armonia y equilibrio,nada sobra ni falta, todo se relaciona en un lúdico diálogo que involucra al espectador hacia un universo de hermosas utopías.</strong>
María Aminta Henrich enciende la obra con la pasión, ha espatulado el espacio donde tres seres unidos se concentran en un semiespacio, la plenitud del instante, casi en el centro de la escena, remarca que el amor será para siempre... Los cuerpos están enraizados en la tierra y en el aire que respiran y les son ajenas inquisidoras miradas. <br /><br />Aminta, alejada en este instante creativo de otra pasión, su tierra; ondula el espacio con su paleta y su pincel, matiza el fuego con la luz y con la sombra sin dejar detalles fuera de contexto y es legible todo lo que pinta aun si no existiera la poesía que le acompaña... <br /><br />La expresión está universalizada con las formas difusas de los tres vértices que dialogan esta mímica erótica <br /><br />......Nada es mas cierto que las verdades del corazón... <br /><br />Excelente obra realizada con toda la fuerza del espíritu y la fluidez de las técnicas empleadas <br />
Artistasdelatierra México,Jalisco, Zapopan. <br />Obra núm 873: Autoretrato <br />Artista:Yoel Diaz <br />Pintura,Óleo,200X200cm.Figurativo.<br /><br />Atiendo el latido de tu rostro corazón. <br />Uniste en un descanso tus manos bailarinas. <br />Tímida es la desnudez de tu alma. <br />Orden de un caos oscuro en armonía. <br />Rectángulo paleta de arco iris racional. <br />Emoción por escuchar, acariciar, oler y saborear lo eterno. <br />Tiembla el lienzo por la frialdad del muro espectador. <br />Rie el artista tras su máscara, cayendo, lágrimas de óleo. <br />Atiende los versos que desnudan al poeta. <br />Todo lo oculto será luz. <br />Otro día más, estando contigo: Arte. Valor-arte. <br />Manuel Mata Gil <br />
Huir no es escapar pero sólo huyendo se escapa, nos recuerda un dicho del acerbo popular. En este sentido, el místico poeta Fray Luis de León escribía: “Huye, que sólo el que huye escapa” <br /><br />“La huída”, es una obra realizada con la fuerza de creador desde la serenidad del universo del pintor y ejecutada con la dulcificada furia de su talento. <br /><br />El color rojo en su fuga alborota al blanco, amarillo, naranja y azul celeste, dando la apariencia que va dejando atrás el vacio de la oscuridad en la estela del color negro, para dotarle de protagonismo a la huída, nacida abstracta en la idea, insinuada en el lienzo y objetivizada en los imprevistos del color, una huída a la imaginación. <br /><br />En esta obra, Vilanova Ratzki, se deja llevar por los desvaríos de la creación, dejando que su genio de pintor sea espontáneo, donde el gesto totalmente libre de una paleta que modula empastes generosos, con pincelada firme y espontánea, nos deja ver la intención del trazo que va tras la sombra de la línea, apoyándose en el color, dejando que la imaginación imantada se pierda en la huída de la representación. <br /><br />Esta obra insinúa la articulación de la imagen camino a la interpretación de lo enigmático, alivia lo visual acercando las jerarquías ópticas de la imagen hacia la imaginación, la perspectiva se trasgrede a sí misma, cuando no, se anula en la no representación para dejarlo todo a un plano meramente abstracto que se sustrae de lo visual, atado al enigma de lo imaginativo, complejidad que se adivina en la querencia reveladora que aquieta la idea de marcado perfil significativo en la expresión abstraída de contenido real. <br /><br />Vilanova Ratzki, despliega con destreza un certero y ligero trazo, sometiendo a la materia que se acentúa con el color.<br /><br />Su obra deviene en una especie de informalismo abstracto y expresionista. <br />
No hace mucho tiempo he oído hablar a un catedrático en arte contestar a una pregunta, Si es Arte. Se preguntaba hasta que punto lo digital es arte? Y dijo: acaso lo digital se hace solo? Entonces es arte. Y mucho arte. <br />Hace un tiempo atrás, a finales del siglo XIX, se juntaron los pintores artistas y los fotógrafos en una exposición mixta en Paris para acallar los recelos de algunos nostálgicos al arte del pincel, y esa exposición dio lugar a caminar juntos y sirviéndose unos de los otros como buenos pilares del arte mundial. Dicho esto me sirve por si alguien piensa en que es arte solo aquello que hace el mismo, pues no, es arte lo que hacen todos y en especial lo que nos presenta la artista Nancy Caridad. <br />No soy muy entendido en lo digital, pero en el arte si, y como cualquier artista, no ha ejercer en todos los movimientos para entender el buen arte de las demás tendencias, y se puede decir lo digital es el movimiento del siglo XXI. <br />Si ojeamos el pasado del arte, veremos que los movimientos artísticos mas destacados han sido gracias a los genios, han sido los profetas en la creación. También sabemos que ningún profeta ha llegado sin discípulos. Entre los tres grandes esta el arte de Nancy. Entre espíritu, profeta y discípulo se encuentra la magia de nuestra artista, no es ningún cumplido personal ni es una crítica laudatoria, vale la pena visitar las obras de nuestra artista, detenerse un poco y pensar en lo que transmiten sus obras, siempre hemos oído hablar de la magia del arte, y se asociaron tendencias artísticas a tal magia, el realismo mágico, o el expresionismo mágico, etc. Sin duda alguna gran parte de esa magia se encuentra en las obras que aquí vemos, también cabe hablar de la luz, las sombras, los colores, la profundidad, incluso de las tres dimensiones, y por su puesto transmiten mensajes y cargados de simbolismo, es poco gentil por mi parte indicar solo una obra, ya que todas son perfectas y son un canto a la alegría visual. Aquí vemos una de sus obras solo se puede pensar que es una obra de un gran museo, percepción en flor, la creación del universo, como bucean los planetas en ese mar y se llama espacio?. Y la flor surge entre esos planetas, los vétalos con la piel de mariposas. Es un grito por salvar a nuestro mundo, es un llamamiento de injusticias de género, y decir que el romanticismo temporal o comentario no es romanticismo. Esa flor y ese planeta es la mujer. Cuidémoslo. <br />الفنانة نانسي كاريداد <br />منذ زمن قليل سمعت أحد دكاترة الفن التشكيلي يقول . حتمآ ان فن الديجيتال هو فن تشكيلي وكما انه لايصلنا لوحده اي انه يحتاج لفكر الفنان ويد الإنسان . إذآ ان هذا الإسلوب هو من المدارس التشكيلية . <br />يسعدني ان اقول ان كل مدرسة من مدارس الفن بدأت على ايدي كبار الفن ومن كبار الديجتال بدون شك نجد تجارب الفنانة نانسي, تستعمل الديجيتال مشحونآ بإحساس عاطفي وذوق انيق, تجعل من اللوحة الصامتة ,شيء ناطق, شيئ حيوي شيئ جاذبي , شيء جميل, ادعوا القارئ على زيارة لوحاتها جميعآ والوقوف امام كل لوحة نوع من الزمن, لوحاتها خيالية, لوحاتها تعبيرية, واقعية, ورمزية وغير هذا من أساليب الفن, نجد في لوحاتها الألوان تعشعش بها الأحلام. نجد التعبير ينادي بلغة فصيحة, ونجدها تشتكي عذاب الإنسان للإنسان, وإسائة الإنسان لأشياء التي تحيط به ويستعملها بآن واحد. في هذه اللوحة تشرح لنا عن جمعهم في فلك يسبحون. ومن جهة تعبيرية نجدها تقول الوردة التي تخرج الى الحياة هي الكرة الأرضية وهذه الكرة بصورة زهرة على اجنحة الفراشات, وهذه الزهرة هي المرأة. هو ندائها لحقوق المرأة وندائها للحفاظ على الحياة. <br /><br />الفنان التشكيلي. عبد القادر الخليل <br />
Adela Casado no se sirve del arte para ser conocida, sin embargo ella aporta muchísimo al mundo del arte, hace tiempo voy visitando sus obras pictóricas, y cada vez logran adentrarse más en mí: la lectura filosófica que trasmite en todas o casi todas, es la que añade otros matices a sus obras. No basta decir me gustan, y no se puede decir pertenecen a un solo movimiento. Encasillar su tendencia artística en un solo movimiento, es un error por mi parte, tiene obras del realismo, obras del expresionismo, pero llaman la atención las obras del Nouvoeu Art (El modernismo.) influenciada claramente por el Neo conceptual. Con toques y pinceladas del Neoplascismo y del minimalismo entre otros. Mis palabras son limitadas, pero las obras de Adela dicen mucho más. Sus obras son una fuente de simbolismo. Muchas civilizaciones han utilizado el símbolo de la luna para sus escudos, para sus banderas, y para otras cosas, sin embargo nuestra Artista no se sirve de la luna para ornamentar su obra, sino es la escena donde se trasmite el papel de la luna, todos sabemos la grandeza del sol, un planeta destructor, es verdad da vida, pero mas la quita, sin embargo la luna es el eje de todo ser vivo, los cambios del planeta han sido notados según la luna, las lluvias, Los catástrofes, las cosechas, las mareas y pleamares. Las civilizaciones dependen hasta nuestros días de las manifestaciones lunares. Sean para el culto, o para saber algo del futuro,, en especial la astrología. Y no digamos el ser humano y su nivel de autoestima, su estado de animo y como cambia según la luna. La luna es el termómetro de todo ser vivo en mi opinión y es la que controla al sol en la sombra, Millones de años lleva el planeta tierra bajo la influencia de la luna. Esto es el mensaje del arte de Adela, nos indica la fuente y esa fuente es la mujer. Es la vida misma y su papel fundamental en el universo. <br />Si hacemos un paseo por el arte mundial en los siglos pasados, vemos pocas mujeres artistas, y poquísimas en el renacimiento, No había mujeres que aman el arte,? Sin duda alguna las hubo, pero el papel dominante del sol no ha permitido que le hagan sombras. En Nápoles tenemos un buen ejemplo de una gran artista de entonces, pero poco se habla de ella, Hija de un maestro Italiano sin embargo hasta nuestros días la obra del padre vale diez veces menos y ella hablo de tu a los pilares del arte.. <br />Las injusticias siguen, Aun hay muchas injusticias sociales, pero la primera es: el dominio del sol Sobre la luna. Como es natural utiliza tonos calidos colores primarios, vivos y fuertes, no lo puede decir mas alto ni mas claro, la pena es que aun hay muchísimos sordos y ciegos en nuestro mundo. <br /><br /><br /><br />عندما نقرأ عن الفنانة أديلا نشاهد انها لا تستخدم الفن حتى نعرفها , في الواقع الفن يستخدمها في بعض المجالات, وتقدم هي للفن التشكيلي خدمة واسعة, لو كل فنان يخدم الفن كما هي تخدمه لكان الفن في حالة افضل. <br />حديثنا لا يبحث عن خدمة من لمن, بل يبحث الإبداع الفني الذي تقدمه لنا الفنانة وعالمة النفس أديلا كاسادو. <br />تسير مع مدارس عديدة , لكن يشغف النظر تاثير المدرسة نيو كوثيبتوال, مينيماليسمو. إسلوب النفو والنائيف. <br />خلال التاريخ والزمن مجموعة من الحضارات إستعملت القمر في شعاراتها وفي أعلامها , وفي راياتها, ايضآ نشاهد القمر في إحصاء الزمن, وفي مظاهرات الطبيعة, وفي المد والجزر, الرومنسية ايضآ لها إستعمال خاص للقمر, لكن من الناحية الفنية ومن ناحية الرمز التشكيلي نصادف في لوحات أديلا مذهبها الخاص في إستمال القمر, وإذا وقفنا امام كل لوحة, نجد ان الرمز الأول الذي تشير اليه هو اهمية المرأة في الحيات , لقد مضت الافات السنين دون إعطاء المرأة حقوقها الكاملة, هل يتصور أحدنا ما حال الدنيا بدون قمر, العلم العام والعلم الحديث يثبت ان الحيات في الكرة الأرضية تدور حول القمر وليس الشمس, الشمس له اهمية لكن قوة دماره هي التي تظهر, لكن منبع الحيات تدور حول القمر وهكذا تترك لنا اهمية المرأة في المجتمع, تستعمل الألوان الأولية والحارة حتى تضيف حرارة إنسانية وألم داخلي من عدم الإنصاف الحضاري. <br /><br />
Esta obra, bien valdría la recreación del bolero de Alci Acosta “la copa rota“ para echar andar la imaginación mientras contemplamos con alma de pintor, y en ese trance, vamos entonando con deleite de trovador, “…Nada remedia con llanto, /nada remedia con vino, /al contrario la recuerda /mucho más mi corazón./ …No te apures compañero / si me destrozo la boca, / no te apures que yo quiero / con el filo de esta copa/ borrar la huella de un beso / traicionero que me dio./ …Mozo, sírveme la copa rota,/ sírveme que me destroza/ esta fiebre de obsesión./ Mozo, sírveme una copa rota,/ quiero sangrar gota a gota,/ el veneno de su amor…”. <br /><br />“La copa rota” de Walter Félix es una obra hermosa, que en su configuración coquetea con el cubismo dejando en el entramado de su elaboración un cierto aire picasiano, como ya nos tiene acostumbrados el pintor, deja que la línea irrumpa a su antojo entre los colores quebrando la geometría para darle rostro a la forma que va apareciendo de la nada del lienzo vacío . <br /><br />En este caso nos muestra a una dama tumbada sobre su costado, dejándonos ver el encanto de su femenidad, la desnudez de sus pechos con un desparpajo generoso, mientras una "copa rota" en primer plano se yergue como el elemento que asume el protagonismo captando la atención del observador, la rotura de la copa, sólo es el catalizador del mensaje subliminal de la escena. <br /><br />El pintor, a sabido sintetizar el contenido de la idea en una preciosa alegoría a la “copa rota”, instrumentada con las bondades y los artificios del color, pero sobre todo con el ingenio y la seguridad que le da el hábil manejo de su talento, donde el trazo obedeciendo a los desvaríos de su impronta va adueñándose de los planos para que cada elemento esté en su sitio. <br /><br />La articulación de los colores transitan en un laberinto de colores cálidos y frescos, tonalidades que pasan por el Prusia , ocres, naranjas, algún verde, el escarlata y rematando el concierto, el blanco como presencia de autenticidad del contenido, en suma, un engranaje de tonos que se rinden al lenguaje expresivo de la idea, una recreación sin ataduras para que cada uno pueda hacer su propia lectura, una composición equilibrada, desposeída de la saturación que da el exceso de elementos. <br /><br />Walter Félix en esta pintura no sólo consigue armonizar el color y la línea que se desliza despreocupada de cualquier referencia, sino que, nos deja una hermosa obra para el deleite. <br />
María Aminta tiene de nuevo los colores en sus manos, intenta reconstruir caminos a pesar que los colores quisieran como escurrírsele entre los dedos, es una nueva etapa que requiere decisión, valor, y sin duda ella tiene esas virtudes, lo manifiesta con el intento de cambio de tonalidades aportando más brillo y desarrollando una nueva abstracción; no para cerrar etapas precedentes si no para encontrarse a sí misma dentro de un espacio lejano y ajeno. <br />Esta obra dedicada a Césc habla que del fondo gris que tenia, sabe que estrujándolo aparecen los colores y también algunas formas y manchas sugerentes de un íntimo pasado que se irá aplacando poco a poco. <br /><br />Aminta, estas en camino. Felicitaciones <br />
El Grupo Urbano VS ha tenido la gentileza de invitarme a visitar su espacio, Para mi es un placer visitar las exposiciones artísticas, y agradezco la invitación de del grupo Urbano para conocer de cerca la magnifica idea de hacer cosas colectivas. Es lo que sobresale como idea y como proyecto, dado que el individualismo es lo que predomina y es la enfermedad actual en nuestros días, Esto me recuerda la época del nacimiento del expresionismo, cuando unos cuantos artistas se unen en amistad sin importarles el nombre individual, conviven y pintan juntos, unos eran mas conocidos que otros, y algunos han aprendido de otros, sin embargo al cabo de los años todos han sido famosos y recordados como maestros del arte, Esa época de Paris se puede trasladarse a cualquier sitio del mundo, solo hace falta amar el arte y crear despacio pero sin pausa. <br />Soy admirador del trabajo colectivo, es como si uno dominase todas las tendencias, y es como se llegan antes a ser conocidos, por eso les auguro mucho éxito sin ninguna duda. <br /><br />Al visitar la exposición de Urbano es una muestra donde sobran las palabras, pues es un abanico de ideas, de estilos, de tendencias, con técnicas variadas. <br />Es notable en el fundo la idea y la lucha por algo en común, un manifiesto contra cosas injustas, se ven varios estilos , pero caminan hacia la misma idea, esto no es casual en el arte, desde los siglos, los artistas han sido los que han denunciado las injusticias y han sido la voz del pueblo, cada época es diferente, pero la idea es común, y en esta exposición se encuentra mucha tendencia del expresionismo y del simbolismo, sean técnicas mixtas, digitales u otras, pero en todas existe una expresión artística, son muchas obras pero puedo recordarme de Felicidad Reciclada, Cual Animal, El Jarrón. <br />Mas que Animales, Animal retrato, Un sujeto Adoptable, Somos parte de la Historia, Una Vez en la Vida, Bonn A Petit. Y La Mascara del Fraude entre otras, en cada obra Hay un mensaje, hay un reclamo, y todas hablan mejor que las palabras. El Grito Munch, se ha podido oírse en todo el mundo, y es uno solo, no se van a oírse tantas voces como estas? Seguro que si, llegan altas y nítidas, les felicito por el compañerismo y el trabajo en común. En cuanto a mejorar o destacar las debilidades si las hubiera? Yo creo en el arte y cada artista con el tiempo vera donde ha de mejorar, aunque el artista nunca esta satisfecho del todo. A Van Gough muchas veces le han dicho que no vale para ser artista,, y yo digo todos ustedes han nacido para ser artistas. Solo han de trabajar, lo demás llega todo a su tiempo. Siento El Ecuador mas cerca ahora, un saludo a todos y os felicito de corazón. <br /><br />لقائي اليوم يختلف عن باقي الأيام, لقد وجدت امامي نخبة من الفنانين الذين يعملوا معآ بغض النظر عن أسمائهم الفردية, وهذا الذي يلفت النظر, حيث ان الفكرة هي سبب حديثي هذا, بينما يجب ان أعتني في النقد الفني وليس أسلوب المعيشة, لكن قليلآ ما نشاهد مثل هذه المودة بين الفنانين, بينما نشاهد ان كل فنان يعمل لفرده ولا يشارك أحدآ خوفآ من ضعف البعض وتفوق آخرين, نجد في هذه البادرة نوع جديد ويستحق التقدير, هناك روح فنية, هناك روح العمل المشترك, هناك التآخي الإنساني والفني, هناك تبادل الآراء, هناك زيادة في التقنية, هناك إزالة المرض النفسي. حين الجميع يبقوا تحت ظل واحد , هو شيء جميل للغاية, بينما لا نجد من شخصان يعملوا معآ . لوحاتهم هي تتحدث عنهم في المستقبل لكن فكرتهم في هذا اليوم هو إبداع مثمر, فقط حدث من أمثال هذا في القرن التاسع عشر حين ظهرت المدرسة التعبيرية. <br /><br />الفنان والناقد التشكيلي. عبد القادر الخليل <br /><br />
Estimada Sandra, tus obras son muy interesantes, sobre todo el tema, donde se mezcla la vida en la ciudad (tanto los edificios con las personas) pero desde una perspectiva optimista. <br />La técnica con que tratas cada uno de los personajes están muy bien, aunque no se puede apreciar por las fotos (tienes que tener cuidado con la reproducción de tus obras). Y creo que támbien tendría cuidado con el uso del negro, no se si es correcto. Veo que las vacas estan muy negras, o sea que me parece que producen un hueco en la pintura, y en otras obras, no se produce ese efecto. Espero que te sirva mi comentario. hasta pronto. Mariela Gomez Erro
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